Escondida entre las nubes una cara de diablillo

 

Permaneció ocho siglos sin que nadie percibiera su imagen entre las nubes que adornan un fresco

“El rostro de un demonio oculto entre las nubes de uno de los frescos de Giotto de Bondone (1267-1337) que adornan la basílica superior de Asís ha salido a la luz tras ocho siglos de existencia, ha referido el fraile franciscano Enzo Fortunato. El fresco data de 1290 y es una de las estampas de la vida de San Francisco de Asís, patrón de Italia, que la orden franciscana encargó al pintor florentino Giotto de Bondone para ilustrar la basílica superior de la Orden, sepulcro de su fundador. "En el Medievo se tenía la creencia de que en el cielo habitaban indistintamente ángeles y demonios. Los primeros, llevaban las almas de los justos al Paraíso; los segundos, atraían las de los condenados", señala Fortunato. La medievalista y experta en la orden franciscana Chiara Frugoni se percató de su existencia mientras estudiaba todos los frescos de la basílica, proceso que le permitió sacar a la luz algunas inscripciones en los mismos hace algo más de un año.”

Fuente: http://www.elpais.com

Ave Fénix, símbolo de renacimiento

 

La imagen del Fénix, ave legendaria ha simbolizado para antiguas culturas y hasta nuestros días el eterno ciclo de vida-muerte-resurrección, el cual trasciende a la inmortalidad. El significado de su mitología fue asimilado por importantes religiones e inspirado partituras, danzas y hasta aparece como referente en películas tan contemporáneas como Harry Potter, dónde la mítica ave nombra a la orden de magos que representan la defensa contra el mal.

Se le conoce inicialmente como un ave con figura de garza muy importante en la simbología, muy difundida como esencia del complejo de ideas de inmortalidad y resurrección. Su nombre se remonta a la palabra griega que designa el color rojo del fuego, en relación con la leyenda de su resurrección de la llama purificadora. Su origen en la sagrada ave benu (behnu) de los egipcios, una garza de color ceniza que fue la primera criatura que se posó en la colina primigenia que se originó del cieno y personificaba al dios Sol. En Heliópolis se la veneraba y se decía que solo aparecería cada 500 años. Mitógrafos antiguos ampliaron el relato con motivos nuevos.  El Fénix, se decía, solamente se nutre de rocío, luego vuela hacia lejana tierras donde recolecta hierbas aromáticas que amontona sobre el altar de Heliópolis, las enciende y muere quemada, reducida a ceniza. Pero tres días después resurge a una nueva vida. Ciertos mitos le atribuyen un plumaje dorado o multicolor.

En la Roma de la antigüedad, el Fénix se convierte en el símbolo de la fuerza vital continuamente renovada del imperio, y en ese sentido fue representada en monedas y mosaicos. Consecuentemente, los padres de la Iglesia consideraron esta ave un tipo simbólico del alma inmortal y de la resurrección de Cristo tras el reposo de tres días en el sepulcro. La iconografía cristiana suele representar al ave como el equivalente a un pelícano.

En el simbolismo alquímico el Fénix representa la destrucción y nueva formación de la materia prima en continua transformación en el camino hacia la piedra filosofal. En la iconografía de la antigua China se corresponde con el ave fabulosa Feng-huang, en la que se unen las dos cualidades primarias, yin y yang, como un todo a pesar de la dualidad. Con ello también es un poderoso símbolo de la comunidad matrimonial.

Las leyendas judaicas llaman al Fénix "Milcham" y su inmortalidad se explica de la siguiente forma: Cuando la primera madre Eva se declaró culpable por haber comido del árbol prohibido, se adueñó de ella la envidia al ver que las otras criaturas no tenían pecado y sedujo a los animales para que también ellos comieran del "fruto prohibido". Solamente el ave Milcham no quiso escucharla y en recompensa por ello el ángel de la muerte recibió el mandato divino de que el ave obediente no sufriera la muerte. Milcham recibió una ciudad fortificada en la que viviría cada mil años sin ser molestado. "Mil años son los años de su vida, y cuando han transcurrido, sale de su nido un fuego y quema a las aves. Solamente queda un huevo, pero éste se convierte en un polluelo, y el ave sigue viviendo. Otros dicen que cuando cumple los mil años su cuerpo se encoje y sus ala pierden las plumas, de suerte que vuelve a ser un polluelo. Entonces su plumaje se renueva y el ave remonta el vuelo como una águila y jamás se ve asaltada por la muerte.

Fuente: Diccionario de símbolos. Hans Biedermann

Adán y Eva vistos por Diego Rivera

 

"La creación" (detalle) 1922-1923 técnica mixta, encausto y collage con añadidos de oro.

La creación fue el primer mural que el gran artista mexicano realizó para la sala grande de Escuela Nacional Preparatoria en Ciudad de México. Posteriormente transformada en teatro. Esta obra refleja la experiencia adquirida en Europa cuando entra en contacto con la pintura antigua (mosaicos bizantinos, frescos medievales y renacentistas) y la moderna (desde Cézanne hasta los cubistas).

La imagen, detalle del lado izquierdo del fresco, representa a Eva como una mestiza rodeada de alegorías de la Danza, la Música, el Canto y la Comedia. A su derecha, aparece Adán, retratado también como mestizo y rodeado de una serie de mujeres que encarnan a la Fábula, el Conocimiento, la Poesía Erótica, la Tradición, la Tragedia, la Prudencia, la Justicia, la Fortaleza, la Continencia y la Ciencia.

Joyas únicas de Elizabeth Taylor tesoros con historia

 

La colección de joyas de Elizabeth Taylor, un verdadero tesoro acumulado a lo largo de toda su vida, la mayoría obsequios de sus maridos, en especial del actor Richard Burton, quien le regalo piezas de gran valor tanto como objetos preciosos como por la historia que involucran será vendida en subasta el próximo diciembre de la mano de Christie's en Nueva York. A continuación los ítems más significativos:

“La peregrina” perla de principios del siglo 16, engastada en collar de rubí y diamantes y perlas de Cartier, fue un regalo de Richard Burton. Para saber más de esta joya haz clic aquí

Anillo de diamantes obsequio de Richard Burton, con 33.19 quilates es una de las piezas de mayor valor de salida en subasta. Se estiman 2 millones de dólares como mínimo.

Broche “Príncipe de Gales” adquirido por la actriz en subasta de las joyas de Wallis Simpson, duquesa de Windsor.

Collar de esmeraldas y diamantes elaborado por BVLGARI. Regalo de Richard Burton.

Taj Mahal 1627 - 1628, en una cadena de oro y rubíes de Cartier, fue un regalo de Richard Burton para su cumpleaños número 40 en 1972.

 

La colección entera llega a 300 piezas, las cuales tienen un valor estimado de 30 millones de dólares. Es muy posible que ésta cifra se supere, dada su procedencia y riqueza. Sumada a la indudable atracción que implica haber pertenecido a la legendaria actriz de los ojos violeta.

Fuentes: www.elpais.com / http://www.telegraph.co.uk/

“Amantes” Otto Müller

 

1919, tempera sobre lienzo de cáñamo. Museum der Bildenden Künste, Leipzig

Los personajes de Müller están dibujados con refinada delicadeza, líneas ágiles y una cuidada distribución de las luces. Además, la elección de los colores con los que el pintor reelabora en clave personal las enseñanzas de los expresionistas, contribuye a crear una atmósfera de una rara sensibilidad poética. El bosque al fondo indica sin lugar a dudas el deseo del artista de plasmar el vínculo espontáneo y sincero del hombre con la naturaleza. Los dos amantes que destacan en el primer plano parecen felices y despreocupados, como si el autor quisiera huir de las tensiones que Alemania vive producto de la Primera Guerra Mundial y ampararse en un mundo encantado donde el amor triunfa sobre todos los males.

Otto Müller nació en Liebau (hoy Lubawka, Polonia), Kreis Landeshut, Silesia alemana, fallecido en 1930. De padre alemán y una madre de etnia gitana "sinti". Entre 1890 y 1892 se formó como litógrafo en Görlitz y Breslau. Desde 1894 hasta 1896 estudió en la Academia de Bellas Artes de Dresde y siguió sus estudios en Múnich en 1898. Dejó la Academia de Bellas Artes de Múnich después de que Franz von Stuck lo considerara sin talento.

Müller fue uno de los pintores expresionistas alemanes más líricos. El tema central de sus obras es la unidad de los humanos y la naturaleza, mientras que sus pinturas se centran en una armoniosa simplificación de la forma, el color y los contornos. Se le conoce especialmente por sus típicas pinturas de desnudos y mujeres gitanas.

“Lluvia” Marc Chagall. 1911

 

 “LLuvia” (La Pluie), 1911. Óleo y carboncillo sobre lienzo. Fundación Salomón R. Guggenheim, Peggy Guggenheim Collection, Venecia.

 

Las primeras obras realizadas por Marc Chagall, se caracterizaron por su estilo neo-primitivo, cuyo origen proviene especialmente de los iconos rusos y del arte popular. Al mudarse de Rusia a París durante el verano de 1910, el artista lleva consigo varios cuadros que representan la vida y costumbres de su ciudad natal Vitebsk. En el transcurso de ese año los rehace y también produce nuevas composiciones con motivos similares, llenas de nostalgia por su país, pero adaptadas según las técnicas y conceptos que adquiere por su exposición al arte francés de la época.

“Lluvia” se realiza con un color no descriptivo y saturado combinada con asertivas zonas blancas y negras que producen una superficie muy viva y ornamentada. El uso del color por parte del artista en la obra tuvo la influencia Henri Matisse y Robert Delaunay, cuyos trabajos fueron de los primeros que estudio al arribar a París. La ruptura de algunas áreas de la composición en planos de sombra, por ejemplo, el techo de la casa y el primer plano a la izquierda, tiene un origen cubista, aunque dispuesto sin premeditación.

Texto original en inglés: http://ow.ly/63nTH

Para ver mas de Marc Chagall haz clik aquí

Pintura digital en un iPad realizada por David Jon Kassan

 

En este video pueden apreciarse dos aspectos asombros, el primero, la indudable maestría y dominio del dibujo y teoría del color del artista David Jon Kassan y el segundo, la gran versatilidad que la tecnología provista por la aplicación que utiliza el iPad le dan a la mano o dedo en este caso, del pintor para ejecutar el retrato que verán al culminar su trabajo. Se condensan tres horas de intensa actividad en poco más de siete minutos.

David Jon Kassan nació en 1977 en Little Rock, Arkansas; posee extensa formación artística con un grado de Bachelor of Fine Arts de la Universidad de Syracuse y una activa carrera como docente  en todo el mundo. El pintor utiliza técnicas tradicionales para crear retratos además de tener una especial habilidad con la pintura en el IPAD Apple.

Lucian Freud: Existencialismo solitario

 

“Muchacha con perro blanco” 1950. Propiedad de la Tate Gallery. Londres

La imagen muestra a la primera esposa del pintor cuando estaba embarazada. El estilo de la obra tiene sus raíces en la técnica del retrato suave y lineal utilizado por el gran pintor neoclásico francés, Ingres en el siglo XIX. Esta cualidad junto con la atmósfera psicológica particular de los primeros trabajos de Freud, llevaron al critico Herbert Read a hacer su celebre comentario sobre el artista: "el Ingres del existencialismo". Por el sentido que Freud le da a la existencia humana, esencialmente solitaria y espiritual, sin causar dolor físico; algo que comparte con sus grandes contemporáneos, Francis Bacon y el escultor Alberto Giacometti.

 

Lucian Freud: Autorretrato

Nieto del psicoanalista Sigmund Freud, Lucian nació en Berlín en 1922 y emigró con su familia al Reino Unido en 1933, cuando tenía 10 años, escapando del incipiente nazismo. Aunque como pintor se inició en el surrealismo, fue evolucionando hacia una pintura figurativa y realista, caracterizada por la penetración psicológica de sus modelos y el minucioso examen de la relación de éstos con el artista. El pintor falleció el 20 de julio de 2011.

Fuentes:

http://www.tate.org.uk/

http://www.elmundo.es/

La música y el baile en dos perspectivas

 

Artista: Edgar Degas (Francia, N:Paris 1834–1917 M: Paris) Título: La Clase de danza Fecha: 1874 Oleo sobre tela Dimensiones: 83.5 x 77.2 cm.
	Artista:  Fernando Botero (Colombia, N: 1932) Título: Bailando en Colombia Fecha: 1980 Oleo sobre tela Dimensiones: 188 x 231.1 cm

Al observar estas pinturas salta a la vista el abismo existente en materia tanto de brecha temporal, nacionalidad, técnica, sociedades, vida en general. Uno -Degas- representa la vanguardia pictórica del siglo XIX cuando el impresionismo saltó a la palestra pública como una nueva visión de la realidad que se miraba bajo el lente neoclásico. El otro –Botero– finales del siglo XX y aún productivo. Con una realidad que “aumenta” sus objetivos pero que se constituye en la representación de momentos y escenas de un tiempo, vivencias y sueños. El "Degas" muestra un instante, una acción congelada; las bailarinas ejecutan sus ejercicios bajo la mirada atenta del maestro, se intuye la música, acordes tal vez de piano, aunque no vemos instrumentos, sin embargo, la dinámica del escenario nos lleva casi a escuchar el crujir del piso de madera bajo los pies enfundados en las zapatillas de ballet que siguen el ritmo marcado por la partitura de la obra que ensayan. El movimiento es patente en la pequeña figura de la bailarina en punta de pie frente al espejo. Al fondo un grupo de niñas que inician su estudio de la disciplina contemplan el desarrollo de la clase junto con otras personas que casi pasan inadvertidas. "Bailando en Colombia" de Botero retrata a la música y el baile desde otra perspectiva, ciertamente no es la académica, lo hace desde el placer que da un baile en pareja, a diferencia del primero, en este podemos ver el origen de melodía y ritmo, los músicos casi gigantes tocan sus instrumentos de cuerda y viento para hacer posible la danza de la pareja, que pese a estar en primer plano, luce mínima en comparación con el conjunto musical. Eso sí, bailan con un gusto patente, si se quiere ligeros de pies algo que parece inverosímil con su volumen corporal. Pintores de siglos y técnicas divergentes con apreciaciones de la forma opuestas, pero que coinciden en un tema: Música y baile, que se aprenden, que se disfrutan y que generan placer a nuestros sentidos.

“El joven Luis XIV a caballo” un reloj

 

Reloj de bolsillo conocido como “El joven Luis XIV a caballo” está decorado con elaboradas joyas e incluye una descripción del joven rey Luis XIV a caballo y una miniatura con las armas de Francia y de Navarra, y las Órdenes de San Miguel y del Espíritu Santo. Una de las piezas sobrevivientes más importantes y valiosas de su tiempo; elaborado en oro y esmalte. Data de 1650. Actualmente forma parte de la colección del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York.

Exposición Carl Fabergé en la Real Colección Británica.

 

La mayor colección de la obra del gran joyero Carl Fabergé será expuesta en el Palacio de Buckingham del 23 de julio al 3 de octubre, durante la tradicional apertura de puertas que tiene lugar cada verano cuando la Reina se marcha de vacaciones al castillo de Balmoral, Escocia. A  continuación una muestra:

 En la imagen, un huevo de pascua imperial de mosaico adquirido por la reina María y el rey Eduardo V de Inglaterra (1933).

 

 Juego de té en miniatura que perteneció a la reina Alexandra, cerca de 1900.

 

Portarretratos: En las fotografías aparecen el rey Jorge VI y la reina Isabel (1946).

 Figura de acianos y avena comprada por la reina Isabel y la reina María (1944).

 

 

Sello real a cuyo mango se abraza una rana, que fue un regalo para el príncipe por su boda con Diana de Gales en 1981

 

Si quieres conocer más sobre Peter Carl Fabergé: haz click aquí

Fuente: El País.com

La física de vanguardia de Jackson Pollock

 

Jackson Pollock, famoso por sus pinturas de goteo realizadas aparentemente al azar, se aprovechó de ciertas características de la dinámica de fluidos un tiempo antes de que los físicos pensaran en su estudio.

"Su particular técnica para pintar hizo en esencia que la física participara en el proceso creativo", dijo el físico Andrzej Herczynski del Boston College y coautor de un nuevo artículo en “Physics Today” dedicado al análisis de la física en el arte de Pollock. "A medida que le permite a la física un rol en el proceso de su pintura, la invita a ser coautora de sus obras"

La técnica única de Pollock - que gotea y salpica la superficie de la tela colocada en el piso, en lugar de hacerlo en un lienzo apoyado verticalmente - revoluciono el mundo del arte en la década de 1940. Las rayas y manchas se ven hechas al azar, pero los historiadores del arte y, más recientemente, los físicos afirman que son todo lo contrario. Algunos han sugerido que el duradero atractivo de su pintura proviene del reflejo de la geometría fractal que también aparece en las nubes y líneas costeras.

Ahora, el historiador del arte del Boston College Claude Cernuschi, el matemático de Harvard Lakshminarayanan Mahadevan y Herczynski, han convertido las herramientas de la física que intervienen la pintura de Pollock, en lo que creen es el primer análisis cuantitativo de la pintura chorreante o por goteo. Los investigadores derivaron una ecuación que explica cómo se extiende la pintura del artista.

El equipo se centró en la pintura Sin título 1948-1949, que cuenta con líneas en movimiento y volutas de pintura roja. Los lazos se forman a través de una inestabilidad del líquido llamada embolización, en la que la pintura espesa se pliega varias veces sobre sí misma, como rollos de cuerda.

“La gente pensaba que tal vez Pollock creó este efecto al mover su mano de forma sinusoidal, pero no lo hizo", dijo Herczynski.

Para cualquiera que haya untado miel sobre pan tostado, la forma en que se enrosca el líquido le es familiar, pero solo hace poco tiempo este fenómeno atrajo la atención de los físicos. Estudios recientes han demostrado que los patrones que forman los fluidos dependen de la viscosidad y velocidad. Los líquidos viscosos caen en línea recta cuando el movimiento es rápido, bucles, garabatos y ochos se forman cuando se vierten poco a poco como puede verse en este video de la miel que cae sobre una cinta transportadora.

 

Los primeros documentos de la física que abordaron este fenómeno aparecieron a finales de 1950, pero Pollock sabía todo sobre él en 1948. Se hizo famoso por su búsqueda para utilizar diferentes tipos de pinturas que nadie había hecho en el mundo del arte, mezcla sus pinturas con disolventes para que sean más o menos gruesas. En lugar de utilizar un cepillo o un vertido de pintura directamente de una lata, levantó la pintura con una varilla y la deja gotear sobre el lienzo en corrientes continuas. Al mover el brazo a diferentes velocidades y con pinturas de diferentes grosores, pudo controlar la cantidad de arrollados que presentó en la pintura definitiva.

"Cuando Pollock hacia eso, mezclaba sus pinturas puras y diluidas, eligió sucesivamente entre iguales y diferentes densidades y viscosidades, de manera que lo que hizo fue experimentar con la dinámica de fluidos" dijo Herczynski. “Lo importante es que se propuso hacer con esta pintura en particular lo que los físicos estudiaban".

Probablemente Pollock no fue consciente del uso que le dio a la dinámica de fluidos en sus pinturas, "creo que de haberle dicho, estas explorando la física, hubiera pensado que estaba loco" menta Herczynski. "Lo hizo intuitivamente. Su interés no era tanto la física del proceso, sino lograr un efecto estético determinado. Pero los dos están unidos. No se pueden separar. Si invitas a la física eres parte de ella."

Articulo original: http://www.wired.com/wiredscience/2011/07/pollock-physics/

La novia que se espanta de ver la vida abierta

Esta obra de Frida Kahlo nos reitera la fuerza y simbolismo volcados es sus trabajos, expresión de fuertes sentimientos, intensas emociones y maestría para unificarlos en piezas que asombran por su colorido e hipnótica composición. La vida se nos muestra a través de frutos de la naturaleza, maduros y prestos a ser consumidos, atractivos en todo su esplendor. La sandia, cortada exquisitamente muestra su rojo interior punteado por las negras semillas; invita sencillamente a morderla, a ser comida con voracidad; la papaya también abierta y cuajada de vitalidad es casi una alegoría sexual femenina. Acompañan el conjunto, plátanos, naranjas, cocos, piñas y aguacates (simbólicamente asociado con el  sexo masculino). En la esquina superior derecha está la pequeña imagen de la novia, que observa todo el plano que se le ofrece con temor reverente, tímida se apoya en un pedazo de sandia, pequeña ante la enormidad de la vida que comienza. Ante un futuro que puede ser dulce como el sabor de las frutas que se encuentran en la mesa, pero también efímero. No en balde todo el banquete de la vida son frutas perecederas cuyo mensaje tal vez sea el de tomar lo que se nos ofrece tal como viene, pues de lo contrario se pudre y se pierde. En línea diagonal opuesta a la novia, posado al filo de la mesa vemos un búho, pequeño, un autillo, ave que tradicionalmente se asocia con la sabiduría o pensamiento lógico y reflexivo. Un punto de apoyo para la diminuta novia, su pensamiento y decisión la harán abordar la nueva vida de manera que su transitar será el resultado de sus decisiones, de su temor o valentía, de su dulzura y tenacidad. Opuesta al autillo vemos justo encima de los plátanos un saltamontes, o langosta, la cual puede entrañar dos significados, uno como símbolo de la desgracia que puede asolar un futuro promisorio, o por el contrario el buen augurio de la felicidad que busca.

Mas sobre Frida Kahlo aquí

Cy Twombly, el último expresionista abstracto

 

“Lepanto VII”

La Historia del Arte pierde al último grande del expresionismo abstracto. El pintor, escultor y fotógrafo estadounidense Cy Twombly ha muerto a los 83 años en un hospital de Roma. Amigo y compañero de Jasper Johns y Robert Rauschenberg y uno de los artistas estadounidenses más conocidos de su generación, Twombly vivía en Italia desde hace más de medio siglo. Twombly era conocido por sus grandes lienzos, auténticas explosiones de color. Su obra está fuertemente influida por la mitología clásica, griega y latina, y toda la literatura europea desde Arquíloco o Catulo hasta Rilke o T.S. Eliot.

“Sin título”, 1970

Nacido en Lexington (Virginia, EEUU) en 1928, Twombly era un artista apegado a la civilización mediterránea y más concretamente a Italia, país que visitó por primera vez en 1952-53 junto a Rauschenberg. Los artistas habían estudiado juntos en el famoso Black Mountain College, de Carolina del Norte, donde enseñaban algunos exiliados de la Bauhaus alemana y donde tuvieron como maestros a Franz Kline, al poeta Charles Olson y al compositor de vanguardia John Gage.

Twombly regresó solo a Roma en 1957, alquiló un apartamento frente al Coliseo, en el que instaló su estudio, y tras un paréntesis entre Nueva York y Lexington y un viaje de recién casado a Cuba, poco después de la Revolución castrista, y a México, volvió con su esposa, Tatiana, a la Ciudad Eterna, ya para quedarse. Actualmente vivía en Gaeta, una ciudad costera entre Roma y Nápoles.

 “Kiss”

Influido tanto por el expresionismo de su compatriota Jackson Pollock y el dibujo automático de los surrealistas, el arte de Twombly se ha comparado muchas veces a los graffiti, aunque él mismo rechazase esa descripción al ver en ellos una agresividad, una rabia que a su juicio no tenía en cambio su arte. La superficie de sus lienzos aparece muchas veces cubierta de garabatos, inscripciones, nombres de personajes mitológicos, citas fragmentarias de poemas clásicos, pero también símbolos priápicos, vulvas y otros elementos de fuertes connotaciones sexuales.

Su arte, enigmático y abierto a toda suerte de interpretaciones, más que describir, evoca. Alude a los placeres de la vida, a las condiciones de la naturaleza, a los elementos, sobre todo el agua, pero también al paso del tiempo, a la mortalidad.

Fuente: http://www.elmundo.es

Vitral: colores de luz

 

“La bienvenida” 1908-1909 John La Farge (Nueva York 1835-1910 Providence, Rhode Island)

Cristal opalescente con plomo, vidrio cloisonné, alambre de cobre, pintura Dimensiones 156 x 96 pulgadas (396,2 x 243,8 cm).

Ubicación: Nueva York, EEUU. Casa Mrs. George T. Bliss.

Egon Schiele: Una visión emocional del hombre

 

“Agonía” 1912.

La escena de una fuerte tensión emotiva y dramática  nos muestra un monje franciscano a los pies de la cama de un enfermo, en cuyos ojos se vislumbra la proximidad de la muerte. El artista descompuso los planos del mismo modo en que lo hacían los cubistas de su tiempo, y los presenta desde perspectivas diversas: El espectador ve al moribundo desde lo alto, aplastado por el peso de su dolor, mientras que el fraile está de perfil, sostiene una mirada de profunda implicación humana y afectiva. Schiele además utiliza el método "cloisonniste" caracterizado por dividir el espacio en secciones coloreadas y separadas por contornos negros que emulan vitrales. El dibujo simplificado al máximo y particularmente incisivo en la delineación de los detalles en las caras y manos muestra la influencia dada por el aprendizaje obtenido de Gustav Klimt y paralelamente de las investigaciones expresionistas.

“La muerte y la muchacha” 1915.

En la vida y en el arte de Schiele, el amor y la muerte son un binomio inseparable y una presencia constante, que el artista observa a veces con una actitud de valerosa rebelión y otras de resignada desilusión. Este cuadro lo pinta durante el año inicial de la Primera Guerra Mundial, tiempo de muchas bajas sufridas por el ejercito austriaco en el frente ruso. Inicialmente el artista fue exonerado por razones de salud pero mas tarde, luego de otro examen médico es alistado.

La figura masculina es una alegoría de la muerte, destacada fríamente por la sábana blanca, símbolo de los sudarios y mortajas utilizadas en las sepulturas antiguas. Con la mano derecha, semejante a una garra, el personaje apresa los cabellos claros de la joven.

“Joven proletario”, “Chica con gafas de sol” y “Joven desnudo”

Recientemente hemos visto obras de Egon Schiele envueltas en el oscuro proceso de reclamación producto de expolio nazi, caso de los dibujos que se muestran y que recientemente por anuncio de La ministra austriaca de Cultura, la socialdemócrata Claudia Schmied, "acepta la recomendación del Consejo de Restitución de obras de arte expoliadas por el III Reich e instará al Museo Albertina de Viena a devolver cinco dibujos del artista a la heredera de su antiguo propietario, Karl Mayländer, marchante judío, deportado y asesinado en el campo nazi de Lodz (Polonia) en 1941."

"El Albertina compró en 1949 cuatro de las cinco piezas. La quinta la adquirió en un trueque con otra institución en 1952. Si los dibujos se subastaran podrían alcanzar un precio que oscilaría entre los tres y los cinco millones de euros, según analistas del mercado del arte."(*)

(*) Fuente: www.elpais.com

Egon Schiele: (Tulln, Austria, 12 de junio de 1890 – Viena, 31 de octubre de 1918), fue un pintor austríaco contemporáneo de Gustav Klimt.

Fue uno de los alumnos aventajados de Gustav Klimt y junto con Oskar Kokoschka conforman lo que se conoce por expresionismo austríaco.

Bocetos, dibujos, movimiento, ciencia y arte. Leonardo Da Vinci

 

 

Felinos en diferentes posturas. Resalta la exhaustiva capacidad de observación para plasmar movimientos, riñas y gestos.

 

Hombre polifacético de gran inventiva, fue un precursor de artefactos que hoy son comunes en nuestra vida diaria.

La extrema curiosidad de Leonardo Da Vinci lo hizo incursionar en en investigaciones anatómicas del cuerpo humano que describirlo en detalle.

 

Su capacidad como retratista es por demás reconocida, tanto que se le conoce como el iniciador del retrato moderno.

La dama del armiño por Leonardo Da Vinci

 

 

Esta obra es uno de los cuatro retratos de mujeres que realizó el artista italiano y actualmente es propiedad de la Princes Czartoryski Foundation de Cracovia (Polonia).

El óleo sobre tabla pintado en torno a 1490 representa a Cecilia Gallerani, una bella joven de 17 años amante de Ludovico Sforza "El Moro", a quien Leonardo pintó con peinado y vestimenta "alla spagnola".

La dama porta en sus brazos un pequeño armiño, emblema que encierra una alusión a Ludovico El Moro, conocido con el sobrenombre de "ermellino" por haber recibido en 1488 la Orden del Armiño que le concedió Don Fernando I de Aragón, rey de Nápoles.

¿Pero quién es la mujer del cuadro? ¿Para quién se pintó esta obra? Leonardo entró en Milán, no como artista, sino como ingeniero militar, que era como él se presentaba en realidad. Sin embargo, el primer proyecto que se le encargó no fue una obra de arquitectura, sino el retrato de una de las amantes de El Moro. No era un amor platónico, poético, sino carnal. El romance entre el duque y esa joven, la bella Cecilia Gallerani, fue inmortalizada por un pintor de excepción. La primera alusión que se conserva de la pieza, reza: «Oh, naturaleza, cómo envidias a Vinci, / que ha pintado a una de tus estrellas, /la hermosa Cecilia, cuyos bellos ojos / la luz del sol convierten en oscura sombra. /Pues piensa: cuanto más vivaz y hermosa sea /mayor gloria tendrás en los tiempos futuros. / Da gracias, pues, a Ludovico / y al genio y a la mano de Leonardo,/ que quieren compartirla con la posteridad».

Cecilia Gallerani conservó el retrato hasta su muerte. Reapareció en 1612 en Praga, en la colección de Rodolfo II. Ya a finales del siglo XVIII lo adquirió en Italia el príncipe Adam Jerzy Czartoryski; entre 1830 y 1876 se lo llevó a París. Más tarde viajó a Cracovia. Escondido en los subterráneos de un castillo, fue hallado en 1939 y requisado como botín de guerra por soldados nazis que invadieron Polonia. El cuadro se envió al Museo del Kaiser Friedrich en Berlín. Fue devuelto en 1946 a Cracovia.Hasta 1991 estuvo en la colección del Museo Nacional de Cracovia, para luego ser devuelta por decreto a sus propietarios de la familia Czartoryski.

La escena pictórica americana: El realismo solitario de Edward Hopper

 

Edward Hopper (1882 – 1967) pintó paisajes americanos y vistas urbanas de una inquietante veracidad. Mostraba el mudo que veía y le rodeaba pero a través de un frío cristal, que lo alienaba y con frecuencia lo mostraba vacuo. Sus personajes parecen aquejados por una extrema soledad. El pintor obtuvo celebridad y reputación por la forma que le dio a la soledad y al aburrimiento de la ciudad. Esta perspectiva fue novedosa dentro del arte con mucha vinculación al sentimiento de desesperanza generado por la Gran Depresión de los años treinta del siglo pasado.

“Tarde en Cape Cod” 1939

Esta pintura debería presentar una visión idílica, y de alguna forma lo es. La pareja disfruta en la puerta de su casa del sol del atardecer; no obstante, son una pareja solo técnicamente y su entretenimiento es totalmente pasivo. La casa se cierra a la intimidad; el perro es la única criatura alerta, pero incluso él, se aleja de la casa.

“La colina del faro” 1927

De las numerosas obras que Hopper dedicó a las vistas costeras, destaca la serie de los faros, cuya característica principal fue el uso de zonas iluminadas en franco contraste con amplias áreas sombreadas. La tela esta dividida en dos franjas horizontales, el cielo y la tierra, contrapuestas al empuje vertical de la casa y la masa cilíndrica del faro. El artista elige un punto de vista muy bajo, tanto que no se ve el mar, solo podemos imaginar su presencia al otro lado de la colina. El paisaje desnudo y la ausencia de personas infunden a la imagen una atmósfera inquietante.

“Los noctámbulos” (Nighthawks)

En este trabajo, los protagonistas se encuentran absortos en sus propios pensamientos, distantes e indiferentes a los demás. El artista afirmó que su inspiración vino de mirar a unos clientes de un restaurante de Nueva York, en la avenida Greenwich y que luego convirtió en un ícono de la soledad e incomunicación de las grandes ciudades.

“Gasolina” 1940

Si el expendedor de gasolina representa la civilización, el bosque del otro lado es el de la naturaleza, salvaje e incontaminada. Todavía se aprecia claridad en el cielo, pero las luces artificiales de la casa indican que anochece y que el hombre, otro mas de los taciturnos personajes del pintor ha terminado su jornada.

Art Nouveau: La linea curva que representa la vida

 

“El beso de Elena” Gustave-Adolphe Mossa. h. 1904

La definición “Art Nouveau” proviene de una galería de arte dedicada al interiorismo llamada Maison de l´Art Nouveau inaugurada en 1896 en la Rue de Provence, en París por Siegfried Bing. Más que un autentico movimiento apunta a una actitud o estado de ánimo compartido por artistas muy dispares en cuanto a sensibilidad, educación e intereses; dedicados a diversas disciplinas, tanto pintura y arquitectura, como artes decorativas e incluso literatura. Se le conoció a lo largo de Europa por varios nombres, En Austria se le llama Sezessionstil, para indicar el estilo derivado de la Secesión. En Alemania se nombra Jugendstil, por la revista Jugend, fundada en Munich en 1896 y se difunde gracias a los Vereiningten Werkstätte Für im Handwerk (Laboratorios reunidos para las artes aplicadas), en ellos colaboran particularmente arquitectos y diseñadores. En Italia adopta la denominación de “estilo floreado” por la preferencia dada a los temas botánicos.

“Fatalidad” Jan Toorop. 1893.

La última razón que guía a los exponentes del Art Nouveau es su aversión a ver el arte como una imitación o recreación de los modelos antiguos, según las enseñanzas académicas de la época. Surge como respuesta al desarrollo industrial que cambia los estándares de la vida en todos los aspectos, no solo la economía y las relaciones sociales , sino inclusive la forma de juzgar y valorar la vida y el mundo. Experiencia y tradición versus la superioridad de lo nuevo, la invención, lo inédito y lo original. Sin embargo la actitud de los artistas que se enfrentan a la producción industrial no es única: frente a los que celebran los descubrimientos de la técnica están los que critican la linealidad de la producción en serie. Positivismo y Espiritualismo son dos caras en la moneda de esta tendencia.

“La mujer de las orquídeas” Edgar Maxence, 1900.

Los aspectos relevantes se encuentran en la inclinación hacia aspectos decorativos que se inspiran en el arte japones, temas simbolistas que son reinterpretados con nuevos códigos personales que apuntan a gran diversidad de símbolos que aluden una notable variedad de asuntos.

“La esfinge (Las caricias-El arte)” Fernand Khnopff, 1896.