De la pintura tradicional al medio digital

 

Es sorprendente el impacto que las nuevas tecnologías tienen sobre todos los ámbitos del quehacer del hombre, desde las disciplinas científicas hasta el diario vivir, computadores personales, teléfonos inteligentes que casi desplazan ya a las portátiles. Cada vez más nuestra vida se hace  “tecnológica” en mayor o menor grado. Esta oleada también llegó al arte, la pinturas que se muestran seguidamente son producto del ingenio del artista Fredrik Rattzen quien utilizó una tableta para crear estas maravillosas obras. Rattzen, un estudiante de arte de 22 años de edad que vive en Suecia, se basa en las técnicas pictóricas tradicionales, pero aplicadas a un nuevo “lienzo y óleos” un programa digital.

“Botes” 2009

“Niños” 2010

“Nubes” 2010

“Boceto”

Fuente: http://www.creativityfuse.com

Expresionismo abstracto: Grandes maestros II

En esta segunda entrega dedicada al Expresionismo Abstracto veremos la transformación completa hacia la abstracción y el simbolismo:

Clyfford Still

“1953”

Con Clyfford Still (1904 – 1980) la transformación del paisaje a la abstracción alcanza la cima. A Still no se le agrupa junto con otros artistas de la escuela de Nueva York, esto porque durante gran parte de su carrera se mantuvo al margen del mundo artístico de esa ciudad, aunque vivió y enseño en ella durante los años 50 del siglo XX, el mejor período del expresionismo abstracto.

El artista rechazó en su obra las referencia al mundo real e intentó separar el color de cualquier vínculo o asociación. La mayoría de sus pinturas son una variación sobre el mismo tema. Afirmó que su obra era trascendente y espiritual. En su cuadro “1953” su referencia apunta directamente a ello, la expansión del azul está moteada de negro, dos franjas rojas y unas grandes cuchilladas de color en la parte superior. Pareciese como si las montañas se abrieran para enseñar la luz y oscuridad de su interior, y es este poder para sugerir un significado psíquico su principal sello.

Franz Kline

“Ballantine”, 1948-1960

Si Franz Kline (1910-1962) sugiere en su trabajo la visión de paisajes urbanos, solo es por la sugerencia de las vigas colocadas contra el cielo. Es como si los puntales de un puente o algún andamio sin base lo hubiesen inspirado para ver la pureza de la forma aislada. Su obra se asemeja a la caligrafía oriental, pero a gran escala. La mayoría es en blanco y negro, con las sutiles sombras y manchas características de esta escritura. En una obra como “Ballantine” se aprecia una especie de virtud apasionada que resulta inmediatamente convincente. Es una construcción personal de una forma parecida a un puente pero a la vez tratada con una libertad al estilo oriental que maneja la visión del espectador hacia la interpretación de la forma según su criterio.

Barnett Newman

“Pintura amarilla”. 1949

Barnett Newman (1905 – 1970) fue uno de los pintores más prestigiosos de la Escuela de Nueva York, crítico de arte al inicio, defendió con fuerza el expresionismo abstracto, lo explicó y popularizó las obras de sus artistas en Estados Unidos. Sorprendió a muchos cuando comenzó a pintar, creando enormes lienzos de “campos de color” donde se presenta un bloque sólido de un solo color acentuado por lo que Newman llamó “cremalleras”. “Pintura amarilla”, es un ejemplo perfecto de lo dicho: dos líneas blancas y rectas de un grosor ligeramente distinto atraviesan de arriba a abajo el cuadro por cada lado. Su prístina blancura acentúa la luminosidad del amarillo, color contorneado en algunos puntos por un blanco borroso, lo cual no es visible a primera vista. Es una obra con un poder que cautiva, la fuerza del color, que absorbe pero a la vez amplía los horizontes. Estas obras de Newman son las precursoras de los paneles decorativos de los coloristas y los lienzos reduccionistas del minimalismo.

Robert Motherwell

“Elegía por la República Española Num. 70”. 1961

Motherwell afirmó que “sin conciencia ética un pintor tan sólo es un decorador”. Este comentario cobra sentido dentro del contexto de las series que pintó como respuesta emocional a la Guerra Civil Española de 1936- 1939. Estas obras son una elegía que llora por la muerte autoinflingida de una gran civilización. Grandes festones negros, como los testículos de un toro, cuelgan en el espacio del cuadro y recuerdan que se trata de la tierra de las corridas que acaban con la muerte de este animal. Hay una sombría dignidad y una grandeza emocional en “Elegía por la República Española num. 70” y tal vez a primera vista solo se repare en la gran superficie negra contra la luminosa palidez del fondo; sin embargo, las sombras del fondo son de sutiles grises y azul pálido. El sólido negro cae pesadamente, agrietado por líneas oscuras delgadas y siniestras. Es una elegía.

Phillip Guston

“La mesa del pintor” 1973.

Phillip Guston (1913 – 1980) comenzó como expresionista abstracto, pero se produjo en él un cambio porque sentía aversión por lo que antes le parecía muy bonito, y comenzó una segunda carrera como un pintor figurativo. “La mesa del pintor” pintada hacia el final de su vida, podría describirse como increíblemente autobiográfica: hay un cenicero y un cigarrillo encendido; libros para mantener despierta la mente de un pintor y una caja de pintura manchada en la tapa, sin embargo la caja está cerrada, aprisionada por una de las botas que se convirtieron casi en su marga registrada: la vida es un asunto pesado, y no pasamos milagrosamente por ella. En el centro un ojo maravilloso, requisito esencial para él, el ojo mira a través de la mesa hacia el infinito, tarea del pintor. El clavo además desprende una llamativa línea roja. Juega con misteriosas formas que llaman a la imaginación.

Expresionismo Abstracto: Grandes maestros I

Junto a Jackson Pollock, hubo un grupo de artistas que asociados en la llamada “Escuela de Nueva york” fueron los máximos exponentes de esta tendencia pictórica del siglo XX.

Mark Rothko

Sin título (negro y gris), 1969

Conocido como el otro gigante del expresionismo abstracto, Rothko (1903-1970) de origen ruso, recibió inicialmente las influencias del surrealismo y su capacidad para la libertad de expresión, pero sus mejores obras son sus abstractos de la madurez. Generalmente estos cuadros no están colgados como él pretendió que lo hicieran. Deseaba una iluminación suave y una atmósfera de contemplación, cosa que rara vez consigue. Rechazaba las extremas connotaciones religiosas que daban a sus grandes paredes de color y decía que su obra tenía un significado esencialmente emocional, más que místico. Insistía en que el tema, el motivo, era diferente y solo podía transmitirse concentrado en un ambiente de soledad. El estilo de Rothko representó una alternativa al expresionismo abstracto de Pollock: daba más énfasis al color y a la sobriedad que a la emoción del gesto y a la acción. Sin embargo estas catalogaciones no suelen aplicar estrictamente ya que, los expresionistas abstractos raramente se alinean dentro de unos límites tan rígidos. La obra “Sin título (negro y gris)” la pintó un año antes de suicidarse. Hacía mucho tiempo que la luminosidad cromática de sus primeros años se había apagado con una profunda tristeza; la emoción que se transmite es de un gran dolor.

Arshile Gorky

La cascada, 1943

Es posible que dada su temprana y dramática experiencia como refugiado armenio y las sucesivas inseguridades lo que hizo que Arshile Gorky (1905 – 1948) comenzara su carrera bajo una influencia muy marcada de Picasso, que parecía que no llegaría a demostrar un estilo propio. emigró a los Estados Unidos en 1920 y se traslado a Nueva york en 1925 para estudiar y después enseñar arte. Antes de que él también se suicidase, encontró su propia voz, revelada en parte por su contacto con el surrealismo norteamericano. “La cascada” muestra un encantador remolino de imágenes libres, parches de color flotando dulcemente y formas de su madurez. Por extraño que pueda parecer, las imágenes parecen verdaderamente una cascada: algo de la oleada descendente sugiere una gran cascada de agua con los rayos de sol que iluminan las rocas escondidas por detrás. En la obra de Gorky hay una frescura primaveral que da al suicidio una tristeza añadida.

Willem De Kooning

Mujer y bicicleta, 1952-1953

Gorky ejerció una importante influencia en el desarrollo del expresionismo abstracto, así como en una de sus figuras más importantes, su amigo Willem de Kooning (1904-1997). De Kooning nació en Holanda, pero vivió principalmente en los Estados Unidos. Aunque hubo muchos expresionistas abstractos, el más vital parece De Kooning: incluso en vida de Pollock, era considerado su mayor rival. Su habilidad para tomar un tema y tratarlo con una libertad salvaje y maravillosa es impresionante. Sus antecedentes del norte de Europa y la impulsiva pasión de su estilo guardan cierto parecido con Chaim Soutine.

Cuando vemos a las mujeres de De Kooning nos sacude un choque casi visceral. “Mujer y bicicleta” es toda dientes, ojos y enormes senos. Se sienta como una mantis, con un alegre expectación que ilumina su rostro en forma de cuña. Se trata de una mujer totalmente desprovista de glamour y encanto; sin embargo, esta imagen gigante, resulta de gran impresión, pero de una forma malvada.

Puerta hacia el río, 1960

En sus obras más líricas, De Kooning puede ser de abrumadora belleza, “Puerta hacia el río” mantiene delicadamente el equilibrio en la cúspide de la abstracción. Grandes y gruesas franjas de color que se extienden por todo el lienzo crean una inconfundible puerta; a través de las franjas verticales brilla el lejano río.