TRISQUELION

El pintor bizco del Barroco Italiano: Giovanni Barbieri

2012-01-24T10:55:00.001-04:30

Giovanni Francesco Barbieri (8 de febrero de 1591 — 9 de diciembre de 1666), más conocido con el apodo Guercino o Il Guercino, fue un pintor barroco italiano. Representa el periodo de transición del clasicismo romano-boloñés al barroco pleno. «Guercino» significa «bizco» en italiano. Tenía este apodo porque padecía de estrabismo. Cuenta la leyenda que cuando Francesco Barbieri era un bebé y estaba durmiendo plácidamente en su cuna, al cuidado de una nodriza, se produjo en la casa un accidente doméstico acompañado de un fuerte estruendo. El susto provocó que aquel niño nacido en 1591 sufriera una convulsión a causa de la cual el ojo derecho se le desvió, convirtiéndose en estrábico. A partir de aquel momento fue apodado así: Guercino (bizco, en italiano). Y es así como ese artista, uno de los grandes pintores del barroco italiano, ha pasado a nuestros días.

“Alegoría de la pintura y la escultura”

Tan relevante y tan inmenso fue el talento del Guercino que hasta gigantes de la talla de Diego Velázquez no dudaron en visitar la pequeña Cento (su localidad natal, a 28 kilómetros de Bolonia) para poder estrechar la mano del eminente pintor, a quien su maestro, el artista Ludovico Carracci, no dudó en calificar de "monstruo de la naturaleza".

“Sibila Pérsica”

“ Las lagrimas de San Pedro”

Dibujo: Rostro de joven

Fuente: http://www.elmundo.es

El Louvre compra rara “Pieta” medieval

2012-01-19T18:28:00.001-04:30

La historia de cómo el Museo del Louvre compró una pintura del maestro medieval Jean Malouel por 7,8 millones de euros ($ 10 millones) se inicia hacia 1985, en la pequeña ciudad de Vic-le-Comte, en el sur-centro de Francia (población: 4.700). El sacerdote de la parroquia, tratando de recaudar dinero para instalar un sistema de calefacción en la iglesia, decidió vender varias curiosidades y muebles viejos del almacén de la iglesia. Un vendedor de segunda mano compró el contenido de la sala en su totalidad, y, al revisarlos cuidadosamente, se dio cuenta de un vistoso marco del siglo 18 que pensaba que podría valer algo. Al final resultó que, la pintura, no el marco, fue el hallazgo - y resultó ser más valiosa de lo que jamás hubiera imaginado.

Según el diario Le Figaro, después de quitar el marco, el comprador de segunda mano decide restaurar la pintura, obscurecida casi en su totalidad por capas de cal. Descubrieron el fondo de oro y los ángeles rodeando a Cristo, en ese instante se dio cuenta de que había algo especial en sus manos. La pintura resultó ser "La Piedad con San Juan y dos ángeles" de Jean Malouel, pintada antes de 1404. En 1999, el primer distribuidor se acercó al Louvre, que también posee una Piedad del mismo artista, para plantear la compra de la pieza por parte del museo. (La única otra pintura conocida del artista flamenco Malouel, que fue el pintor oficial de Felipe el Atrevido, duque de Borgoña, es la "Virgen y niño rodeados de ángeles" que se encuentra en Berlín, de acuerdo con el blog de arte La Tribune de l ' arte.)

El Louvre se mostró muy interesado en adquirir la pintura, pero le preocupaban los asuntos relacionados con su propiedad. Una ley francesa de 1905 transfirió las propiedades de la Iglesia a los gobiernos locales. Por lo que de pertenecer el cuadro a la Iglesia Parroquial desde esa fecha, sería la ciudad de Vic-le-Comte su legitima propietaria y podría reclamarla. El Louvre consulto a varios abogados, y, finalmente acuerda con el vendedor un pago para la ciudad de 2.300.000 del total de 7,8 millones de euros para que esta renunciara a cualquier reclamo futuro sobre la obra.

La compra de la pintura por el Louvre fue financiada por la empresa Axa, según La Tribune de l'Art. Vincent Pomarède, director del departamento de pinturas, dijo a Le Figaro que es la adquisición más importante del departamento en 50 años.

Sobre el artista:

Jean Malouel: pintor franco-flamenco nacido hacia 1370 en la provincia holandesa de Güeldres y fallecido en 1414-1415 en Dijon. Pertenece al estilo internacional dentro del gótico.

Su actividad está documentada en París a partir de 1397, trabajando para la reina de Francia; posteriormente trabajó para los duques de Borgoña. Como pintor cortesano, entre sus obligaciones estaba la realización de decoraciones para las fiestas. También dirigió la decoración de las cartuja de Champmol.

Fuentes: artinfo.com / 19 de enero de 2012. / Wikipedia.

Escondida entre las nubes una cara de diablillo

2011-11-08T08:58:00.001-04:30

Permaneció ocho siglos sin que nadie percibiera su imagen entre las nubes que adornan un fresco

“El rostro de un demonio oculto entre las nubes de uno de los frescos de Giotto de Bondone (1267-1337) que adornan la basílica superior de Asís ha salido a la luz tras ocho siglos de existencia, ha referido el fraile franciscano Enzo Fortunato. El fresco data de 1290 y es una de las estampas de la vida de San Francisco de Asís, patrón de Italia, que la orden franciscana encargó al pintor florentino Giotto de Bondone para ilustrar la basílica superior de la Orden, sepulcro de su fundador. "En el Medievo se tenía la creencia de que en el cielo habitaban indistintamente ángeles y demonios. Los primeros, llevaban las almas de los justos al Paraíso; los segundos, atraían las de los condenados", señala Fortunato. La medievalista y experta en la orden franciscana Chiara Frugoni se percató de su existencia mientras estudiaba todos los frescos de la basílica, proceso que le permitió sacar a la luz algunas inscripciones en los mismos hace algo más de un año.”

Fuente: http://www.elpais.com

Ave Fénix, símbolo de renacimiento

2011-09-21T14:26:00.001-04:30

La imagen del Fénix, ave legendaria ha simbolizado para antiguas culturas y hasta nuestros días el eterno ciclo de vida-muerte-resurrección, el cual trasciende a la inmortalidad. El significado de su mitología fue asimilado por importantes religiones e inspirado partituras, danzas y hasta aparece como referente en películas tan contemporáneas como Harry Potter, dónde la mítica ave nombra a la orden de magos que representan la defensa contra el mal.

Se le conoce inicialmente como un ave con figura de garza muy importante en la simbología, muy difundida como esencia del complejo de ideas de inmortalidad y resurrección. Su nombre se remonta a la palabra griega que designa el color rojo del fuego, en relación con la leyenda de su resurrección de la llama purificadora. Su origen en la sagrada ave benu (behnu) de los egipcios, una garza de color ceniza que fue la primera criatura que se posó en la colina primigenia que se originó del cieno y personificaba al dios Sol. En Heliópolis se la veneraba y se decía que solo aparecería cada 500 años. Mitógrafos antiguos ampliaron el relato con motivos nuevos. El Fénix, se decía, solamente se nutre de rocío, luego vuela hacia lejana tierras donde recolecta hierbas aromáticas que amontona sobre el altar de Heliópolis, las enciende y muere quemada, reducida a ceniza. Pero tres días después resurge a una nueva vida. Ciertos mitos le atribuyen un plumaje dorado o multicolor.

En la Roma de la antigüedad, el Fénix se convierte en el símbolo de la fuerza vital continuamente renovada del imperio, y en ese sentido fue representada en monedas y mosaicos. Consecuentemente, los padres de la Iglesia consideraron esta ave un tipo simbólico del alma inmortal y de la resurrección de Cristo tras el reposo de tres días en el sepulcro. La iconografía cristiana suele representar al ave como el equivalente a un pelícano.

En el simbolismo alquímico el Fénix representa la destrucción y nueva formación de la materia prima en continua transformación en el camino hacia la piedra filosofal. En la iconografía de la antigua China se corresponde con el ave fabulosa Feng-huang, en la que se unen las dos cualidades primarias, yin y yang, como un todo a pesar de la dualidad. Con ello también es un poderoso símbolo de la comunidad matrimonial.

Las leyendas judaicas llaman al Fénix "Milcham" y su inmortalidad se explica de la siguiente forma: Cuando la primera madre Eva se declaró culpable por haber comido del árbol prohibido, se adueñó de ella la envidia al ver que las otras criaturas no tenían pecado y sedujo a los animales para que también ellos comieran del "fruto prohibido". Solamente el ave Milcham no quiso escucharla y en recompensa por ello el ángel de la muerte recibió el mandato divino de que el ave obediente no sufriera la muerte. Milcham recibió una ciudad fortificada en la que viviría cada mil años sin ser molestado. "Mil años son los años de su vida, y cuando han transcurrido, sale de su nido un fuego y quema a las aves. Solamente queda un huevo, pero éste se convierte en un polluelo, y el ave sigue viviendo. Otros dicen que cuando cumple los mil años su cuerpo se encoje y sus ala pierden las plumas, de suerte que vuelve a ser un polluelo. Entonces su plumaje se renueva y el ave remonta el vuelo como una águila y jamás se ve asaltada por la muerte.

Fuente: Diccionario de símbolos. Hans Biedermann

Adán y Eva vistos por Diego Rivera

2011-09-18T17:39:00.001-04:30

"La creación" (detalle) 1922-1923 técnica mixta, encausto y collage con añadidos de oro.

La creación fue el primer mural que el gran artista mexicano realizó para la sala grande de Escuela Nacional Preparatoria en Ciudad de México. Posteriormente transformada en teatro. Esta obra refleja la experiencia adquirida en Europa cuando entra en contacto con la pintura antigua (mosaicos bizantinos, frescos medievales y renacentistas) y la moderna (desde Cézanne hasta los cubistas).

La imagen, detalle del lado izquierdo del fresco, representa a Eva como una mestiza rodeada de alegorías de la Danza, la Música, el Canto y la Comedia. A su derecha, aparece Adán, retratado también como mestizo y rodeado de una serie de mujeres que encarnan a la Fábula, el Conocimiento, la Poesía Erótica, la Tradición, la Tragedia, la Prudencia, la Justicia, la Fortaleza, la Continencia y la Ciencia.

Joyas únicas de Elizabeth Taylor tesoros con historia

2011-09-08T17:02:00.001-04:30

La colección de joyas de Elizabeth Taylor, un verdadero tesoro acumulado a lo largo de toda su vida, la mayoría obsequios de sus maridos, en especial del actor Richard Burton, quien le regalo piezas de gran valor tanto como objetos preciosos como por la historia que involucran será vendida en subasta el próximo diciembre de la mano de Christie's en Nueva York. A continuación los ítems más significativos:

“La peregrina” perla de principios del siglo 16, engastada en collar de rubí y diamantes y perlas de Cartier, fue un regalo de Richard Burton. Para saber más de esta joya haz clic aquí

Anillo de diamantes obsequio de Richard Burton, con 33.19 quilates es una de las piezas de mayor valor de salida en subasta. Se estiman 2 millones de dólares como mínimo.

Broche “Príncipe de Gales” adquirido por la actriz en subasta de las joyas de Wallis Simpson, duquesa de Windsor.

Collar de esmeraldas y diamantes elaborado por BVLGARI. Regalo de Richard Burton.

Taj Mahal 1627 - 1628, en una cadena de oro y rubíes de Cartier, fue un regalo de Richard Burton para su cumpleaños número 40 en 1972.

La colección entera llega a 300 piezas, las cuales tienen un valor estimado de 30 millones de dólares. Es muy posible que ésta cifra se supere, dada su procedencia y riqueza. Sumada a la indudable atracción que implica haber pertenecido a la legendaria actriz de los ojos violeta.

Fuentes: www.elpais.com / http://www.telegraph.co.uk/

“Amantes” Otto Müller

2011-08-21T11:38:00.001-04:30

1919, tempera sobre lienzo de cáñamo. Museum der Bildenden Künste, Leipzig

Los personajes de Müller están dibujados con refinada delicadeza, líneas ágiles y una cuidada distribución de las luces. Además, la elección de los colores con los que el pintor reelabora en clave personal las enseñanzas de los expresionistas, contribuye a crear una atmósfera de una rara sensibilidad poética. El bosque al fondo indica sin lugar a dudas el deseo del artista de plasmar el vínculo espontáneo y sincero del hombre con la naturaleza. Los dos amantes que destacan en el primer plano parecen felices y despreocupados, como si el autor quisiera huir de las tensiones que Alemania vive producto de la Primera Guerra Mundial y ampararse en un mundo encantado donde el amor triunfa sobre todos los males.

Otto Müller nació en Liebau (hoy Lubawka, Polonia), Kreis Landeshut, Silesia alemana, fallecido en 1930. De padre alemán y una madre de etnia gitana "sinti". Entre 1890 y 1892 se formó como litógrafo en Görlitz y Breslau. Desde 1894 hasta 1896 estudió en la Academia de Bellas Artes de Dresde y siguió sus estudios en Múnich en 1898. Dejó la Academia de Bellas Artes de Múnich después de que Franz von Stuck lo considerara sin talento.

Müller fue uno de los pintores expresionistas alemanes más líricos. El tema central de sus obras es la unidad de los humanos y la naturaleza, mientras que sus pinturas se centran en una armoniosa simplificación de la forma, el color y los contornos. Se le conoce especialmente por sus típicas pinturas de desnudos y mujeres gitanas.

“Lluvia” Marc Chagall. 1911

2011-08-17T08:22:00.003-04:30

“LLuvia” (La Pluie), 1911. Óleo y carboncillo sobre lienzo. Fundación Salomón R. Guggenheim, Peggy Guggenheim Collection, Venecia.

Las primeras obras realizadas por Marc Chagall, se caracterizaron por su estilo neo-primitivo, cuyo origen proviene especialmente de los iconos rusos y del arte popular. Al mudarse de Rusia a París durante el verano de 1910, el artista lleva consigo varios cuadros que representan la vida y costumbres de su ciudad natal Vitebsk. En el transcurso de ese año los rehace y también produce nuevas composiciones con motivos similares, llenas de nostalgia por su país, pero adaptadas según las técnicas y conceptos que adquiere por su exposición al arte francés de la época.

“Lluvia” se realiza con un color no descriptivo y saturado combinada con asertivas zonas blancas y negras que producen una superficie muy viva y ornamentada. El uso del color por parte del artista en la obra tuvo la influencia Henri Matisse y Robert Delaunay, cuyos trabajos fueron de los primeros que estudio al arribar a París. La ruptura de algunas áreas de la composición en planos de sombra, por ejemplo, el techo de la casa y el primer plano a la izquierda, tiene un origen cubista, aunque dispuesto sin premeditación.

Texto original en inglés: http://ow.ly/63nTH

Para ver mas de Marc Chagall haz clik aquí

Pintura digital en un iPad realizada por David Jon Kassan

2011-08-01T14:58:00.001-04:30

En este video pueden apreciarse dos aspectos asombros, el primero, la indudable maestría y dominio del dibujo y teoría del color del artista David Jon Kassan y el segundo, la gran versatilidad que la tecnología provista por la aplicación que utiliza el iPad le dan a la mano o dedo en este caso, del pintor para ejecutar el retrato que verán al culminar su trabajo. Se condensan tres horas de intensa actividad en poco más de siete minutos.

David Jon Kassan nació en 1977 en Little Rock, Arkansas; posee extensa formación artística con un grado de Bachelor of Fine Arts de la Universidad de Syracuse y una activa carrera como docente en todo el mundo. El pintor utiliza técnicas tradicionales para crear retratos además de tener una especial habilidad con la pintura en el IPAD Apple.

Lucian Freud: Existencialismo solitario

2011-07-26T08:25:00.001-04:30

“Muchacha con perro blanco” 1950. Propiedad de la Tate Gallery. Londres

La imagen muestra a la primera esposa del pintor cuando estaba embarazada. El estilo de la obra tiene sus raíces en la técnica del retrato suave y lineal utilizado por el gran pintor neoclásico francés, Ingres en el siglo XIX. Esta cualidad junto con la atmósfera psicológica particular de los primeros trabajos de Freud, llevaron al critico Herbert Read a hacer su celebre comentario sobre el artista: "el Ingres del existencialismo". Por el sentido que Freud le da a la existencia humana, esencialmente solitaria y espiritual, sin causar dolor físico; algo que comparte con sus grandes contemporáneos, Francis Bacon y el escultor Alberto Giacometti.

Lucian Freud: Autorretrato

Nieto del psicoanalista Sigmund Freud, Lucian nació en Berlín en 1922 y emigró con su familia al Reino Unido en 1933, cuando tenía 10 años, escapando del incipiente nazismo. Aunque como pintor se inició en el surrealismo, fue evolucionando hacia una pintura figurativa y realista, caracterizada por la penetración psicológica de sus modelos y el minucioso examen de la relación de éstos con el artista. El pintor falleció el 20 de julio de 2011.

Fuentes:

http://www.tate.org.uk/

http://www.elmundo.es/

La música y el baile en dos perspectivas

2011-07-21T08:38:00.001-04:30

Artista: Edgar Degas (Francia, N:Paris 1834–1917 M: Paris)

Título: La Clase de danza

Fecha: 1874

Oleo sobre tela

Dimensiones: 83.5 x 77.2 cm.

Artista: Fernando Botero (Colombia, N: 1932)

Título: Bailando en Colombia

Fecha: 1980

Oleo sobre tela

Dimensiones: 188 x 231.1 cm

Al observar estas pinturas salta a la vista el abismo existente en materia tanto de brecha temporal, nacionalidad, técnica, sociedades, vida en general. Uno -Degas- representa la vanguardia pictórica del siglo XIX cuando el impresionismo saltó a la palestra pública como una nueva visión de la realidad que se miraba bajo el lente neoclásico. El otro –Botero– finales del siglo XX y aún productivo. Con una realidad que “aumenta” sus objetivos pero que se constituye en la representación de momentos y escenas de un tiempo, vivencias y sueños. El "Degas" muestra un instante, una acción congelada; las bailarinas ejecutan sus ejercicios bajo la mirada atenta del maestro, se intuye la música, acordes tal vez de piano, aunque no vemos instrumentos, sin embargo, la dinámica del escenario nos lleva casi a escuchar el crujir del piso de madera bajo los pies enfundados en las zapatillas de ballet que siguen el ritmo marcado por la partitura de la obra que ensayan. El movimiento es patente en la pequeña figura de la bailarina en punta de pie frente al espejo. Al fondo un grupo de niñas que inician su estudio de la disciplina contemplan el desarrollo de la clase junto con otras personas que casi pasan inadvertidas. "Bailando en Colombia" de Botero retrata a la música y el baile desde otra perspectiva, ciertamente no es la académica, lo hace desde el placer que da un baile en pareja, a diferencia del primero, en este podemos ver el origen de melodía y ritmo, los músicos casi gigantes tocan sus instrumentos de cuerda y viento para hacer posible la danza de la pareja, que pese a estar en primer plano, luce mínima en comparación con el conjunto musical. Eso sí, bailan con un gusto patente, si se quiere ligeros de pies algo que parece inverosímil con su volumen corporal. Pintores de siglos y técnicas divergentes con apreciaciones de la forma opuestas, pero que coinciden en un tema: Música y baile, que se aprenden, que se disfrutan y que generan placer a nuestros sentidos.

“El joven Luis XIV a caballo” un reloj

2011-07-19T11:02:00.002-04:30

Reloj de bolsillo conocido como “El joven Luis XIV a caballo” está decorado con elaboradas joyas e incluye una descripción del joven rey Luis XIV a caballo y una miniatura con las armas de Francia y de Navarra, y las Órdenes de San Miguel y del Espíritu Santo. Una de las piezas sobrevivientes más importantes y valiosas de su tiempo; elaborado en oro y esmalte. Data de 1650. Actualmente forma parte de la colección del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York.

Exposición Carl Fabergé en la Real Colección Británica.

2011-07-19T07:43:00.001-04:30

La mayor colección de la obra del gran joyero Carl Fabergé será expuesta en el Palacio de Buckingham del 23 de julio al 3 de octubre, durante la tradicional apertura de puertas que tiene lugar cada verano cuando la Reina se marcha de vacaciones al castillo de Balmoral, Escocia. A continuación una muestra:

En la imagen, un huevo de pascua imperial de mosaico adquirido por la reina María y el rey Eduardo V de Inglaterra (1933).

Juego de té en miniatura que perteneció a la reina Alexandra, cerca de 1900.

Portarretratos: En las fotografías aparecen el rey Jorge VI y la reina Isabel (1946).

Figura de acianos y avena comprada por la reina Isabel y la reina María (1944).

Sello real a cuyo mango se abraza una rana, que fue un regalo para el príncipe por su boda con Diana de Gales en 1981

Si quieres conocer más sobre Peter Carl Fabergé: haz click aquí

Fuente: El País.com

La física de vanguardia de Jackson Pollock

2011-07-13T07:54:00.002-04:30

Jackson Pollock, famoso por sus pinturas de goteo realizadas aparentemente al azar, se aprovechó de ciertas características de la dinámica de fluidos un tiempo antes de que los físicos pensaran en su estudio.

"Su particular técnica para pintar hizo en esencia que la física participara en el proceso creativo", dijo el físico Andrzej Herczynski del Boston College y coautor de un nuevo artículo en “Physics Today” dedicado al análisis de la física en el arte de Pollock. "A medida que le permite a la física un rol en el proceso de su pintura, la invita a ser coautora de sus obras"

La técnica única de Pollock - que gotea y salpica la superficie de la tela colocada en el piso, en lugar de hacerlo en un lienzo apoyado verticalmente - revoluciono el mundo del arte en la década de 1940. Las rayas y manchas se ven hechas al azar, pero los historiadores del arte y, más recientemente, los físicos afirman que son todo lo contrario. Algunos han sugerido que el duradero atractivo de su pintura proviene del reflejo de la geometría fractal que también aparece en las nubes y líneas costeras.

Ahora, el historiador del arte del Boston College Claude Cernuschi, el matemático de Harvard Lakshminarayanan Mahadevan y Herczynski, han convertido las herramientas de la física que intervienen la pintura de Pollock, en lo que creen es el primer análisis cuantitativo de la pintura chorreante o por goteo. Los investigadores derivaron una ecuación que explica cómo se extiende la pintura del artista.

El equipo se centró en la pintura Sin título 1948-1949, que cuenta con líneas en movimiento y volutas de pintura roja. Los lazos se forman a través de una inestabilidad del líquido llamada embolización, en la que la pintura espesa se pliega varias veces sobre sí misma, como rollos de cuerda.

“La gente pensaba que tal vez Pollock creó este efecto al mover su mano de forma sinusoidal, pero no lo hizo", dijo Herczynski.

Para cualquiera que haya untado miel sobre pan tostado, la forma en que se enrosca el líquido le es familiar, pero solo hace poco tiempo este fenómeno atrajo la atención de los físicos. Estudios recientes han demostrado que los patrones que forman los fluidos dependen de la viscosidad y velocidad. Los líquidos viscosos caen en línea recta cuando el movimiento es rápido, bucles, garabatos y ochos se forman cuando se vierten poco a poco como puede verse en este video de la miel que cae sobre una cinta transportadora.

Los primeros documentos de la física que abordaron este fenómeno aparecieron a finales de 1950, pero Pollock sabía todo sobre él en 1948. Se hizo famoso por su búsqueda para utilizar diferentes tipos de pinturas que nadie había hecho en el mundo del arte, mezcla sus pinturas con disolventes para que sean más o menos gruesas. En lugar de utilizar un cepillo o un vertido de pintura directamente de una lata, levantó la pintura con una varilla y la deja gotear sobre el lienzo en corrientes continuas. Al mover el brazo a diferentes velocidades y con pinturas de diferentes grosores, pudo controlar la cantidad de arrollados que presentó en la pintura definitiva.

"Cuando Pollock hacia eso, mezclaba sus pinturas puras y diluidas, eligió sucesivamente entre iguales y diferentes densidades y viscosidades, de manera que lo que hizo fue experimentar con la dinámica de fluidos" dijo Herczynski. “Lo importante es que se propuso hacer con esta pintura en particular lo que los físicos estudiaban".

Probablemente Pollock no fue consciente del uso que le dio a la dinámica de fluidos en sus pinturas, "creo que de haberle dicho, estas explorando la física, hubiera pensado que estaba loco" menta Herczynski. "Lo hizo intuitivamente. Su interés no era tanto la física del proceso, sino lograr un efecto estético determinado. Pero los dos están unidos. No se pueden separar. Si invitas a la física eres parte de ella."

Articulo original: http://www.wired.com/wiredscience/2011/07/pollock-physics/

La novia que se espanta de ver la vida abierta

2011-07-11T10:08:00.010-04:30

Esta obra de Frida Kahlo nos reitera la fuerza y simbolismo volcados es sus trabajos, expresión de fuertes sentimientos, intensas emociones y maestría para unificarlos en piezas que asombran por su colorido e hipnótica composición. La vida se nos muestra a través de frutos de la naturaleza, maduros y prestos a ser consumidos, atractivos en todo su esplendor. La sandia, cortada exquisitamente muestra su rojo interior punteado por las negras semillas; invita sencillamente a morderla, a ser comida con voracidad; la papaya también abierta y cuajada de vitalidad es casi una alegoría sexual femenina. Acompañan el conjunto, plátanos, naranjas, cocos, piñas y aguacates (simbólicamente asociado con el sexo masculino). En la esquina superior derecha está la pequeña imagen de la novia, que observa todo el plano que se le ofrece con temor reverente, tímida se apoya en un pedazo de sandia, pequeña ante la enormidad de la vida que comienza. Ante un futuro que puede ser dulce como el sabor de las frutas que se encuentran en la mesa, pero también efímero. No en balde todo el banquete de la vida son frutas perecederas cuyo mensaje tal vez sea el de tomar lo que se nos ofrece tal como viene, pues de lo contrario se pudre y se pierde. En línea diagonal opuesta a la novia, posado al filo de la mesa vemos un búho, pequeño, un autillo, ave que tradicionalmente se asocia con la sabiduría o pensamiento lógico y reflexivo. Un punto de apoyo para la diminuta novia, su pensamiento y decisión la harán abordar la nueva vida de manera que su transitar será el resultado de sus decisiones, de su temor o valentía, de su dulzura y tenacidad. Opuesta al autillo vemos justo encima de los plátanos un saltamontes, o langosta, la cual puede entrañar dos significados, uno como símbolo de la desgracia que puede asolar un futuro promisorio, o por el contrario el buen augurio de la felicidad que busca.

Mas sobre Frida Kahlo aquí

Cy Twombly, el último expresionista abstracto

2011-07-06T08:55:00.001-04:30

“Lepanto VII”

La Historia del Arte pierde al último grande del expresionismo abstracto. El pintor, escultor y fotógrafo estadounidense Cy Twombly ha muerto a los 83 años en un hospital de Roma. Amigo y compañero de Jasper Johns y Robert Rauschenberg y uno de los artistas estadounidenses más conocidos de su generación, Twombly vivía en Italia desde hace más de medio siglo. Twombly era conocido por sus grandes lienzos, auténticas explosiones de color. Su obra está fuertemente influida por la mitología clásica, griega y latina, y toda la literatura europea desde Arquíloco o Catulo hasta Rilke o T.S. Eliot.

“Sin título”, 1970

Nacido en Lexington (Virginia, EEUU) en 1928, Twombly era un artista apegado a la civilización mediterránea y más concretamente a Italia, país que visitó por primera vez en 1952-53 junto a Rauschenberg. Los artistas habían estudiado juntos en el famoso Black Mountain College, de Carolina del Norte, donde enseñaban algunos exiliados de la Bauhaus alemana y donde tuvieron como maestros a Franz Kline, al poeta Charles Olson y al compositor de vanguardia John Gage.

Twombly regresó solo a Roma en 1957, alquiló un apartamento frente al Coliseo, en el que instaló su estudio, y tras un paréntesis entre Nueva York y Lexington y un viaje de recién casado a Cuba, poco después de la Revolución castrista, y a México, volvió con su esposa, Tatiana, a la Ciudad Eterna, ya para quedarse. Actualmente vivía en Gaeta, una ciudad costera entre Roma y Nápoles.

“Kiss”

Influido tanto por el expresionismo de su compatriota Jackson Pollock y el dibujo automático de los surrealistas, el arte de Twombly se ha comparado muchas veces a los graffiti, aunque él mismo rechazase esa descripción al ver en ellos una agresividad, una rabia que a su juicio no tenía en cambio su arte. La superficie de sus lienzos aparece muchas veces cubierta de garabatos, inscripciones, nombres de personajes mitológicos, citas fragmentarias de poemas clásicos, pero también símbolos priápicos, vulvas y otros elementos de fuertes connotaciones sexuales.

Su arte, enigmático y abierto a toda suerte de interpretaciones, más que describir, evoca. Alude a los placeres de la vida, a las condiciones de la naturaleza, a los elementos, sobre todo el agua, pero también al paso del tiempo, a la mortalidad.

Fuente: http://www.elmundo.es

Vitral: colores de luz

2011-07-05T12:30:00.003-04:30

“La bienvenida” 1908-1909 John La Farge (Nueva York 1835-1910 Providence, Rhode Island)

Cristal opalescente con plomo, vidrio cloisonné, alambre de cobre, pintura Dimensiones 156 x 96 pulgadas (396,2 x 243,8 cm).

Ubicación: Nueva York, EEUU. Casa Mrs. George T. Bliss.

Egon Schiele: Una visión emocional del hombre

2011-06-19T14:33:00.004-04:30

“Agonía” 1912.

La escena de una fuerte tensión emotiva y dramática nos muestra un monje franciscano a los pies de la cama de un enfermo, en cuyos ojos se vislumbra la proximidad de la muerte. El artista descompuso los planos del mismo modo en que lo hacían los cubistas de su tiempo, y los presenta desde perspectivas diversas: El espectador ve al moribundo desde lo alto, aplastado por el peso de su dolor, mientras que el fraile está de perfil, sostiene una mirada de profunda implicación humana y afectiva. Schiele además utiliza el método "cloisonniste" caracterizado por dividir el espacio en secciones coloreadas y separadas por contornos negros que emulan vitrales. El dibujo simplificado al máximo y particularmente incisivo en la delineación de los detalles en las caras y manos muestra la influencia dada por el aprendizaje obtenido de Gustav Klimt y paralelamente de las investigaciones expresionistas.

“La muerte y la muchacha” 1915.

En la vida y en el arte de Schiele, el amor y la muerte son un binomio inseparable y una presencia constante, que el artista observa a veces con una actitud de valerosa rebelión y otras de resignada desilusión. Este cuadro lo pinta durante el año inicial de la Primera Guerra Mundial, tiempo de muchas bajas sufridas por el ejercito austriaco en el frente ruso. Inicialmente el artista fue exonerado por razones de salud pero mas tarde, luego de otro examen médico es alistado.

La figura masculina es una alegoría de la muerte, destacada fríamente por la sábana blanca, símbolo de los sudarios y mortajas utilizadas en las sepulturas antiguas. Con la mano derecha, semejante a una garra, el personaje apresa los cabellos claros de la joven.

“Joven proletario”, “Chica con gafas de sol” y “Joven desnudo”

Recientemente hemos visto obras de Egon Schiele envueltas en el oscuro proceso de reclamación producto de expolio nazi, caso de los dibujos que se muestran y que recientemente por anuncio de La ministra austriaca de Cultura, la socialdemócrata Claudia Schmied, "acepta la recomendación del Consejo de Restitución de obras de arte expoliadas por el III Reich e instará al Museo Albertina de Viena a devolver cinco dibujos del artista a la heredera de su antiguo propietario, Karl Mayländer, marchante judío, deportado y asesinado en el campo nazi de Lodz (Polonia) en 1941."

"El Albertina compró en 1949 cuatro de las cinco piezas. La quinta la adquirió en un trueque con otra institución en 1952. Si los dibujos se subastaran podrían alcanzar un precio que oscilaría entre los tres y los cinco millones de euros, según analistas del mercado del arte."(*)

(*) Fuente: www.elpais.com

Egon Schiele: (Tulln, Austria, 12 de junio de 1890 – Viena, 31 de octubre de 1918), fue un pintor austríaco contemporáneo de Gustav Klimt.

Fue uno de los alumnos aventajados de Gustav Klimt y junto con Oskar Kokoschka conforman lo que se conoce por expresionismo austríaco.

Bocetos, dibujos, movimiento, ciencia y arte. Leonardo Da Vinci

2011-06-03T10:22:00.003-04:30

Felinos en diferentes posturas. Resalta la exhaustiva capacidad de observación para plasmar movimientos, riñas y gestos.

Hombre polifacético de gran inventiva, fue un precursor de artefactos que hoy son comunes en nuestra vida diaria.

La extrema curiosidad de Leonardo Da Vinci lo hizo incursionar en en investigaciones anatómicas del cuerpo humano que describirlo en detalle.

Su capacidad como retratista es por demás reconocida, tanto que se le conoce como el iniciador del retrato moderno.

La dama del armiño por Leonardo Da Vinci

2011-06-02T14:30:00.001-04:30

Esta obra es uno de los cuatro retratos de mujeres que realizó el artista italiano y actualmente es propiedad de la Princes Czartoryski Foundation de Cracovia (Polonia).

El óleo sobre tabla pintado en torno a 1490 representa a Cecilia Gallerani, una bella joven de 17 años amante de Ludovico Sforza "El Moro", a quien Leonardo pintó con peinado y vestimenta "alla spagnola".

La dama porta en sus brazos un pequeño armiño, emblema que encierra una alusión a Ludovico El Moro, conocido con el sobrenombre de "ermellino" por haber recibido en 1488 la Orden del Armiño que le concedió Don Fernando I de Aragón, rey de Nápoles.

¿Pero quién es la mujer del cuadro? ¿Para quién se pintó esta obra? Leonardo entró en Milán, no como artista, sino como ingeniero militar, que era como él se presentaba en realidad. Sin embargo, el primer proyecto que se le encargó no fue una obra de arquitectura, sino el retrato de una de las amantes de El Moro. No era un amor platónico, poético, sino carnal. El romance entre el duque y esa joven, la bella Cecilia Gallerani, fue inmortalizada por un pintor de excepción. La primera alusión que se conserva de la pieza, reza: «Oh, naturaleza, cómo envidias a Vinci, / que ha pintado a una de tus estrellas, /la hermosa Cecilia, cuyos bellos ojos / la luz del sol convierten en oscura sombra. /Pues piensa: cuanto más vivaz y hermosa sea /mayor gloria tendrás en los tiempos futuros. / Da gracias, pues, a Ludovico / y al genio y a la mano de Leonardo,/ que quieren compartirla con la posteridad».

Cecilia Gallerani conservó el retrato hasta su muerte. Reapareció en 1612 en Praga, en la colección de Rodolfo II. Ya a finales del siglo XVIII lo adquirió en Italia el príncipe Adam Jerzy Czartoryski; entre 1830 y 1876 se lo llevó a París. Más tarde viajó a Cracovia. Escondido en los subterráneos de un castillo, fue hallado en 1939 y requisado como botín de guerra por soldados nazis que invadieron Polonia. El cuadro se envió al Museo del Kaiser Friedrich en Berlín. Fue devuelto en 1946 a Cracovia.Hasta 1991 estuvo en la colección del Museo Nacional de Cracovia, para luego ser devuelta por decreto a sus propietarios de la familia Czartoryski.

La escena pictórica americana: El realismo solitario de Edward Hopper

2011-05-25T20:45:00.002-04:30

Edward Hopper (1882 – 1967) pintó paisajes americanos y vistas urbanas de una inquietante veracidad. Mostraba el mudo que veía y le rodeaba pero a través de un frío cristal, que lo alienaba y con frecuencia lo mostraba vacuo. Sus personajes parecen aquejados por una extrema soledad. El pintor obtuvo celebridad y reputación por la forma que le dio a la soledad y al aburrimiento de la ciudad. Esta perspectiva fue novedosa dentro del arte con mucha vinculación al sentimiento de desesperanza generado por la Gran Depresión de los años treinta del siglo pasado.

“Tarde en Cape Cod” 1939

Esta pintura debería presentar una visión idílica, y de alguna forma lo es. La pareja disfruta en la puerta de su casa del sol del atardecer; no obstante, son una pareja solo técnicamente y su entretenimiento es totalmente pasivo. La casa se cierra a la intimidad; el perro es la única criatura alerta, pero incluso él, se aleja de la casa.

“La colina del faro” 1927

De las numerosas obras que Hopper dedicó a las vistas costeras, destaca la serie de los faros, cuya característica principal fue el uso de zonas iluminadas en franco contraste con amplias áreas sombreadas. La tela esta dividida en dos franjas horizontales, el cielo y la tierra, contrapuestas al empuje vertical de la casa y la masa cilíndrica del faro. El artista elige un punto de vista muy bajo, tanto que no se ve el mar, solo podemos imaginar su presencia al otro lado de la colina. El paisaje desnudo y la ausencia de personas infunden a la imagen una atmósfera inquietante.

“Los noctámbulos” (Nighthawks)

En este trabajo, los protagonistas se encuentran absortos en sus propios pensamientos, distantes e indiferentes a los demás. El artista afirmó que su inspiración vino de mirar a unos clientes de un restaurante de Nueva York, en la avenida Greenwich y que luego convirtió en un ícono de la soledad e incomunicación de las grandes ciudades.

“Gasolina” 1940

Si el expendedor de gasolina representa la civilización, el bosque del otro lado es el de la naturaleza, salvaje e incontaminada. Todavía se aprecia claridad en el cielo, pero las luces artificiales de la casa indican que anochece y que el hombre, otro mas de los taciturnos personajes del pintor ha terminado su jornada.

Art Nouveau: La linea curva que representa la vida

2011-05-10T20:31:00.001-04:30

“El beso de Elena” Gustave-Adolphe Mossa. h. 1904

La definición “Art Nouveau” proviene de una galería de arte dedicada al interiorismo llamada Maison de l´Art Nouveau inaugurada en 1896 en la Rue de Provence, en París por Siegfried Bing. Más que un autentico movimiento apunta a una actitud o estado de ánimo compartido por artistas muy dispares en cuanto a sensibilidad, educación e intereses; dedicados a diversas disciplinas, tanto pintura y arquitectura, como artes decorativas e incluso literatura. Se le conoció a lo largo de Europa por varios nombres, En Austria se le llama Sezessionstil, para indicar el estilo derivado de la Secesión. En Alemania se nombra Jugendstil, por la revista Jugend, fundada en Munich en 1896 y se difunde gracias a los Vereiningten Werkstätte Für im Handwerk (Laboratorios reunidos para las artes aplicadas), en ellos colaboran particularmente arquitectos y diseñadores. En Italia adopta la denominación de “estilo floreado” por la preferencia dada a los temas botánicos.

“Fatalidad” Jan Toorop. 1893.

La última razón que guía a los exponentes del Art Nouveau es su aversión a ver el arte como una imitación o recreación de los modelos antiguos, según las enseñanzas académicas de la época. Surge como respuesta al desarrollo industrial que cambia los estándares de la vida en todos los aspectos, no solo la economía y las relaciones sociales , sino inclusive la forma de juzgar y valorar la vida y el mundo. Experiencia y tradición versus la superioridad de lo nuevo, la invención, lo inédito y lo original. Sin embargo la actitud de los artistas que se enfrentan a la producción industrial no es única: frente a los que celebran los descubrimientos de la técnica están los que critican la linealidad de la producción en serie. Positivismo y Espiritualismo son dos caras en la moneda de esta tendencia.

“La mujer de las orquídeas” Edgar Maxence, 1900.

Los aspectos relevantes se encuentran en la inclinación hacia aspectos decorativos que se inspiran en el arte japones, temas simbolistas que son reinterpretados con nuevos códigos personales que apuntan a gran diversidad de símbolos que aluden una notable variedad de asuntos.

“La esfinge (Las caricias-El arte)” Fernand Khnopff, 1896.

Roy Lichtenstein 'Drawing for Kiss V'

2011-03-31T06:49:00.001-04:30

Costó 10 dólares en una rifa hace medio siglo y ahora podría superar el millón. La casa de subastas Christie's acaba de anunciar la subasta de un dibujo del genio del Pop Art Roy Lichtenstein, que saldrá en la venta de obras de posguerra y contemporáneas del próximo 11 de mayo en Nueva York.

'Drawing for Kiss V', que nunca había salido al mercado, tiene un precio estimado de entre 800.000 y 1.200.000 dólares (entre 570.000 y 850.000 euros). A su actual dueña le tocó en uno de los míticos 'happenings' organizados por el Artists’ Key Club, un grupo formado por artistas pop a comienzos de los años 60.

La invitación al evento pedía a sus asistentes que reuniesen en el neoyorquino Hotel Chelsea (hogar de numerosos intelectuales) y adquiriesen un boleto por 10 dólares, a cambio del cual les daban una llave para una taquilla en Penn Station, por entonces cerrada. Los participantes no sabían a qué armario pertenecía cada una de las 20 llaves.

La actual propietaria compró su 'ticket' por 10 dólares y aquella noche, en marzo de 1965, se encontró con esta "obra maestra" en la taquilla.

Dentro de cada una de ellas había un 'trabajo' donado por 13 artistas, entre ellos Roy Lichtenstein, Arman, Christo, Niki de Saint-Phalle y Andy Warhol. Sin embargo, otros no tuvieron tanta suerte como la ganadora del dibujo: "Un artista puso un grupo de quesos muy olorosos [en su obra conceptual y otro] tenía especias y hierbas como obra artística", ha explicado a AP Brett Gorvy, experto en arte de posguerra de Christie's.

La obra -realizada en grafito y cera sobre papel- es el dibujo original de una de las obras maestras de Lichtenstein, 'Kiss V' (1964), que forma parte de la serie de chicas de ensueño con su característica estética cómic que el artista hizo entre 1961 y 1965.

"Drawing for Kiss V' es una obra maestra creada por Roy Lichtenstein en 1964 en la cumbre de sus capacidades cretivas. Lichtenstein ha conseguido producir en este pequeño trabajo una obra que atrapa al espectador en una mirada de voyeur", ha dicho Jonathan Laib, especialista de la casa en el arte de la época.

Fuente: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/03/30/cultura/1301513129.html

El beso.

2011-03-10T07:54:00.001-04:30

El beso del amor,

el beso del cariño

el beso del afecto.

Todos besos, ninguno el mismo

diferente es su efecto,

diferente su motivo

distinto quien lo recibe,

el mismo que lo desecha.

Otro tal vez le cosecha,

y el licor de su dulzura prueba.

En hora temprana o tardía,

el beso y la melancolía

sueñan juntos una vida,

en un instante concebida

pero en otro destruida.

Es el beso un escape, o mas bien

el comienzo, principio o fin de lo

que sea, un regalo de portento.

Tan pequeño y tan fuerte

de la boca que proviene,

de la piel que lo recibe.

Su instante un aliento,

su tiempo un momento,

todo es nada pero llena.

En un beso todo, en un beso nada.

Frida Kahlo, el dolor transmutado en arte

2011-02-27T15:34:00.003-04:30

Escribir sobre esta icónica mujer y artista mexicana resulta tremendamente fascinante así como difícil, pues como los lectores sabrán, de ella hay variados ensayos, biografías, etcétera que se encargan de transmitirnos lo que fue su vida desde su nacimiento en México el 06 de julio de 1907 hasta su fallecimiento el 13 de julio de 1954. Esos brevísimos 47 años de vida produjeron una de las obras pictóricas mas inquietantes, poéticas, biográficas y especialmente personales de esta singular pintora. Dos hechos capitales además influyeron en ella, el primero, su terrible accidente ocurrido a sus 18 años, mientras se trasladaba en un autobús a su casa desde la escuela, este choca con un tranvía y Frida fue atravesada por una barra metálica; se fractura la pelvis y se lesiona un pie. A partir de este hecho y por el resto de su vida estuvo acompañada por intensos dolores y las secuelas particularmente asociadas a la perdida de su capacidad para procrear, debido al daño sufrido en su pelvis. Le practicaron cantidad de intervenciones para mejorar su estado, aunque ella nunca sintió alivio del dolor.

Autorretrato 1936

Autorretrato 1933

Autorretrato entre la frontera de México y Estados Unidos. 1932

El segundo hecho fue su relación con el importante muralista Diego Rivera, de quien se enamora profundamente, se casan en 1929 comienza una "sociedad" entre dos intensas personalidades de gran fuerza y magnetismo. Frida Kahlo produjo al menos unos 200 cuadros durante su vida dentro de los cuales destacan autorretratos. Ellos muestran sus emociones, llora, sangra y se corta en pedazos, ella presenta su dolor transmutado donde con toques de humor, fantasía y franqueza extraordinaria se muestra tal y como es, intensa y con una fuerza extraordinaria.


*Autorretrato como Tehuana. 1943*	*Autorretrato con mono.*

Su forma de pintar mantiene al espectador bajo una inquieta fascinación que inclusive en sus obras mas crudas transmite mas allá de lo que es propiamente visible su sentimiento e íntimos motivos. La mayor parte de sus cuadros son de formato pequeño, en promedio de 30 por 38 centímetros. Kahlo ejecuto su obra con minuciosidad y precisión, con delicados toques de color que dieran el enfoque preciso. Su trabajo fue muy apreciado por los surrealistas quienes la introducen en su grupo en 1930, no obstante ella no se quiso asimilar a este movimiento, dijo "Pinto mi propia realidad" la pintura se constituyo en su prolongación y en su medio de expresar su mundo interior.


*La columna rota. 1944*	*Hospital Henry Ford. 1932*

Árbol de la esperanza. 1946

Paradójicamente, el reconocimiento de su trabajo llega tardíamente, meses antes de morir, se organiza su primera exposición importante en México, a la cual asiste no sin dificultad en vista de su precario estado de salud, pero con su indomable resolución de no dejarse vencer por el dolor y la enfermedad. Su esposo llego a decir que Frida era mejor artista te que el, reconoce que en esos minúsculos cuadros hay un mundo que se refleja a través de los ojos y alma de ella. Mientras el realiza inmensos murales ella pequeñas pinturas, pero su escasa medida no resta importancia al contenido, ni valor a la técnica.


*Autorretrato 1940*	*Yo y mis loros. 1941*

Las dos Fridas. 1939

De la pintura tradicional al medio digital

2011-01-25T09:11:00.001-04:30

Es sorprendente el impacto que las nuevas tecnologías tienen sobre todos los ámbitos del quehacer del hombre, desde las disciplinas científicas hasta el diario vivir, computadores personales, teléfonos inteligentes que casi desplazan ya a las portátiles. Cada vez más nuestra vida se hace “tecnológica” en mayor o menor grado. Esta oleada también llegó al arte, la pinturas que se muestran seguidamente son producto del ingenio del artista Fredrik Rattzen quien utilizó una tableta para crear estas maravillosas obras. Rattzen, un estudiante de arte de 22 años de edad que vive en Suecia, se basa en las técnicas pictóricas tradicionales, pero aplicadas a un nuevo “lienzo y óleos” un programa digital.

“Botes” 2009

“Niños” 2010

“Nubes” 2010

“Boceto”

Fuente: http://www.creativityfuse.com

Expresionismo abstracto: Grandes maestros II

2011-01-12T16:48:00.001-04:30

En esta segunda entrega dedicada al Expresionismo Abstracto veremos la transformación completa hacia la abstracción y el simbolismo:

Clyfford Still

“1953”

Con Clyfford Still (1904 – 1980) la transformación del paisaje a la abstracción alcanza la cima. A Still no se le agrupa junto con otros artistas de la escuela de Nueva York, esto porque durante gran parte de su carrera se mantuvo al margen del mundo artístico de esa ciudad, aunque vivió y enseño en ella durante los años 50 del siglo XX, el mejor período del expresionismo abstracto.

El artista rechazó en su obra las referencia al mundo real e intentó separar el color de cualquier vínculo o asociación. La mayoría de sus pinturas son una variación sobre el mismo tema. Afirmó que su obra era trascendente y espiritual. En su cuadro “1953” su referencia apunta directamente a ello, la expansión del azul está moteada de negro, dos franjas rojas y unas grandes cuchilladas de color en la parte superior. Pareciese como si las montañas se abrieran para enseñar la luz y oscuridad de su interior, y es este poder para sugerir un significado psíquico su principal sello.

Franz Kline

“Ballantine”, 1948-1960

Si Franz Kline (1910-1962) sugiere en su trabajo la visión de paisajes urbanos, solo es por la sugerencia de las vigas colocadas contra el cielo. Es como si los puntales de un puente o algún andamio sin base lo hubiesen inspirado para ver la pureza de la forma aislada. Su obra se asemeja a la caligrafía oriental, pero a gran escala. La mayoría es en blanco y negro, con las sutiles sombras y manchas características de esta escritura. En una obra como “Ballantine” se aprecia una especie de virtud apasionada que resulta inmediatamente convincente. Es una construcción personal de una forma parecida a un puente pero a la vez tratada con una libertad al estilo oriental que maneja la visión del espectador hacia la interpretación de la forma según su criterio.

Barnett Newman

“Pintura amarilla”. 1949

Barnett Newman (1905 – 1970) fue uno de los pintores más prestigiosos de la Escuela de Nueva York, crítico de arte al inicio, defendió con fuerza el expresionismo abstracto, lo explicó y popularizó las obras de sus artistas en Estados Unidos. Sorprendió a muchos cuando comenzó a pintar, creando enormes lienzos de “campos de color” donde se presenta un bloque sólido de un solo color acentuado por lo que Newman llamó “cremalleras”. “Pintura amarilla”, es un ejemplo perfecto de lo dicho: dos líneas blancas y rectas de un grosor ligeramente distinto atraviesan de arriba a abajo el cuadro por cada lado. Su prístina blancura acentúa la luminosidad del amarillo, color contorneado en algunos puntos por un blanco borroso, lo cual no es visible a primera vista. Es una obra con un poder que cautiva, la fuerza del color, que absorbe pero a la vez amplía los horizontes. Estas obras de Newman son las precursoras de los paneles decorativos de los coloristas y los lienzos reduccionistas del minimalismo.

Robert Motherwell

“Elegía por la República Española Num. 70”. 1961

Motherwell afirmó que “sin conciencia ética un pintor tan sólo es un decorador”. Este comentario cobra sentido dentro del contexto de las series que pintó como respuesta emocional a la Guerra Civil Española de 1936- 1939. Estas obras son una elegía que llora por la muerte autoinflingida de una gran civilización. Grandes festones negros, como los testículos de un toro, cuelgan en el espacio del cuadro y recuerdan que se trata de la tierra de las corridas que acaban con la muerte de este animal. Hay una sombría dignidad y una grandeza emocional en “Elegía por la República Española num. 70” y tal vez a primera vista solo se repare en la gran superficie negra contra la luminosa palidez del fondo; sin embargo, las sombras del fondo son de sutiles grises y azul pálido. El sólido negro cae pesadamente, agrietado por líneas oscuras delgadas y siniestras. Es una elegía.

Phillip Guston

“La mesa del pintor” 1973.

Phillip Guston (1913 – 1980) comenzó como expresionista abstracto, pero se produjo en él un cambio porque sentía aversión por lo que antes le parecía muy bonito, y comenzó una segunda carrera como un pintor figurativo. “La mesa del pintor” pintada hacia el final de su vida, podría describirse como increíblemente autobiográfica: hay un cenicero y un cigarrillo encendido; libros para mantener despierta la mente de un pintor y una caja de pintura manchada en la tapa, sin embargo la caja está cerrada, aprisionada por una de las botas que se convirtieron casi en su marga registrada: la vida es un asunto pesado, y no pasamos milagrosamente por ella. En el centro un ojo maravilloso, requisito esencial para él, el ojo mira a través de la mesa hacia el infinito, tarea del pintor. El clavo además desprende una llamativa línea roja. Juega con misteriosas formas que llaman a la imaginación.

Expresionismo Abstracto: Grandes maestros I

2011-01-04T18:13:00.004-04:30

Junto a Jackson Pollock, hubo un grupo de artistas que asociados en la llamada “Escuela de Nueva york” fueron los máximos exponentes de esta tendencia pictórica del siglo XX.

Mark Rothko

Sin título (negro y gris), 1969

Conocido como el otro gigante del expresionismo abstracto, Rothko (1903-1970) de origen ruso, recibió inicialmente las influencias del surrealismo y su capacidad para la libertad de expresión, pero sus mejores obras son sus abstractos de la madurez. Generalmente estos cuadros no están colgados como él pretendió que lo hicieran. Deseaba una iluminación suave y una atmósfera de contemplación, cosa que rara vez consigue. Rechazaba las extremas connotaciones religiosas que daban a sus grandes paredes de color y decía que su obra tenía un significado esencialmente emocional, más que místico. Insistía en que el tema, el motivo, era diferente y solo podía transmitirse concentrado en un ambiente de soledad. El estilo de Rothko representó una alternativa al expresionismo abstracto de Pollock: daba más énfasis al color y a la sobriedad que a la emoción del gesto y a la acción. Sin embargo estas catalogaciones no suelen aplicar estrictamente ya que, los expresionistas abstractos raramente se alinean dentro de unos límites tan rígidos. La obra “Sin título (negro y gris)” la pintó un año antes de suicidarse. Hacía mucho tiempo que la luminosidad cromática de sus primeros años se había apagado con una profunda tristeza; la emoción que se transmite es de un gran dolor.

Arshile Gorky

La cascada, 1943

Es posible que dada su temprana y dramática experiencia como refugiado armenio y las sucesivas inseguridades lo que hizo que Arshile Gorky (1905 – 1948) comenzara su carrera bajo una influencia muy marcada de Picasso, que parecía que no llegaría a demostrar un estilo propio. emigró a los Estados Unidos en 1920 y se traslado a Nueva york en 1925 para estudiar y después enseñar arte. Antes de que él también se suicidase, encontró su propia voz, revelada en parte por su contacto con el surrealismo norteamericano. “La cascada” muestra un encantador remolino de imágenes libres, parches de color flotando dulcemente y formas de su madurez. Por extraño que pueda parecer, las imágenes parecen verdaderamente una cascada: algo de la oleada descendente sugiere una gran cascada de agua con los rayos de sol que iluminan las rocas escondidas por detrás. En la obra de Gorky hay una frescura primaveral que da al suicidio una tristeza añadida.

Willem De Kooning

Mujer y bicicleta, 1952-1953

Gorky ejerció una importante influencia en el desarrollo del expresionismo abstracto, así como en una de sus figuras más importantes, su amigo Willem de Kooning (1904-1997). De Kooning nació en Holanda, pero vivió principalmente en los Estados Unidos. Aunque hubo muchos expresionistas abstractos, el más vital parece De Kooning: incluso en vida de Pollock, era considerado su mayor rival. Su habilidad para tomar un tema y tratarlo con una libertad salvaje y maravillosa es impresionante. Sus antecedentes del norte de Europa y la impulsiva pasión de su estilo guardan cierto parecido con Chaim Soutine.

Cuando vemos a las mujeres de De Kooning nos sacude un choque casi visceral. “Mujer y bicicleta” es toda dientes, ojos y enormes senos. Se sienta como una mantis, con un alegre expectación que ilumina su rostro en forma de cuña. Se trata de una mujer totalmente desprovista de glamour y encanto; sin embargo, esta imagen gigante, resulta de gran impresión, pero de una forma malvada.

Puerta hacia el río, 1960

En sus obras más líricas, De Kooning puede ser de abrumadora belleza, “Puerta hacia el río” mantiene delicadamente el equilibrio en la cúspide de la abstracción. Grandes y gruesas franjas de color que se extienden por todo el lienzo crean una inconfundible puerta; a través de las franjas verticales brilla el lejano río.

Adquirir arte: Recomendaciones

2010-12-14T07:44:00.001-04:30

En algunos momentos la decisión de adquirir una obra de arte puede surgir de un impulso, incluso de un enamoramiento o flechazo con dicha pieza, otras por predilección hacia un artista o por una tendencia pictórica. si bien es cierto que el coleccionismo es tan particular como somos los individuos, existen recomendaciones básicas que conviene tener en cuenta a la hora de comprar; dada la pequeña o gran inversión que puede hacerse, además de la convivencia que naturalmente tendremos con la pieza anhelada.

He aquí algunos tips para esa ocasión:

- Escuche a los expertos y profesionales del arte con respecto a los posibles problemas y oportunidades relacionadas con la pieza concreta en que esté interesado: cotización del artista, originalidad, valoración en el mercado actual, previsiones de futuro, etc.

- Considere el posible valor de reventa, siendo consciente de que muchas obras de arte actual podrán subir de valor en el futuro, pero muchas otras podrían también depreciarse y valer menos mañana. Es un riesgo que debe asumirse.

- Tenga en cuenta los informes técnicos sobre el estado de conservación de la pieza. Los materiales con los que está realizada una obra de arte podrían no soportar bien el paso del tiempo o quizá se encuentre ya dañada de algún modo por anteriores intervenciones de restauración, por lo que es importante confirmar este punto.

- El precio no siempre significa una constatación de la calidad de una obra. Dos piezas de arte no tienen por qué ser necesariamente iguales en valor histórico o artístico sólo porque se vendan a precios similares.

- Tómese un tiempo razonable para realizar la compra. La sensación de estar presionado por las prisas, precio o cualquier otra circunstancia nunca es buena a la hora de adquirir arte. Trate de no comprar como consecuencia de una decisión espontánea, sino como algo pensado a largo plazo: cuando encuentre una obra que le ha gustado, aléjese de ella, sopese otras opciones y compruebe si pasado ese tiempo aún la recuerda y la desea como parte de su colección.

- Investigue. Dedique el tiempo necesario para confirmar con expertos la autenticidad, la historia, el valor de mercado, el estado físico y cualquier otra información clave de la obra que va a adquirir.

- Y, finalmente, compre lo que realmente le gusta. Es verdad que la compra de algunas obras de arte puede generar en el futuro importantes beneficios para el comprador, pero la motivación subyacente en la adquisición de cualquier pieza artística debe ser que verdaderamente le guste a usted.

Fuente: hoyesarte.com

Pieter Brueghel el viejo: El renacimiento del norte europeo

2010-12-08T20:19:00.001-04:30

Pieter Brueghel (1525-1569), nacido en Breda, provincia flamenca de Bravante, fue el padre de toda una saga de pintores Brueghel; sin embargo, ninguno consiguió el estilo paterno que tanto ha maravillado al mundo con sus creaciones. El apodo de “campesino” que le han asociado es inapropiado, en principio porque dispuso de una educación y viajó con frecuencia, amigo de humanistas y protegido por el Cardenal Granvella, su mecenas. A pesar de sus viajes por Italia y Francia, alrededor de 1553, las influencias más fuertes en su trabajo provienen de El Bosco y Joachim Patinir (1480 – 1525). En las pinturas de Brueghel se observa la continuidad de la tradición holandesa: desde las fantásticas invenciones de El Bosco (que posteriormente, en manos de Brueghel, sería de origen cómico y agradable) hasta los apasionados y reverentes paisajes de Patinir. Las pinturas de Pieter Brueghel no son italianizadas en absoluto, y la clásica búsqueda de las formas ideales no tiene espacio en su arte.

La única aplicación relevante del apodo mencionado es que el artista pinto frecuentemente campesinos, obras que han sido consideradas por algunos como satíricas, pero que según otros poseen un alto grado de compasión y cariñosa preocupación.

El banquete nupcial. 1567-1568

Ciertamente, el famoso “Banquete nupcial” muestra los rostros redondeados y si se quiere faltos de inteligencia de los invitados, presenta a la novia obesa y tonta, henchida de satisfacción bajo su corona de papel, la mesa plena de invitados deseosos por comer. Lo que puede mirarse con sentido jocoso también se nota doloroso. La pobre novia resulta patética en su hora de triunfo, y los invitados, engullen la comida, humildes platos de avena cocida con leche o de natillas, servidos en una simple tabla. La escena se desarrolla dentro de un establo decorado pero realista. Muestra la celebración de personas pobres. La niña lame con gusto su plato vacío mientras el gaitero, que debe tocar hasta que reciba la comida, mira la avena con el ansia de los que se encuentran verdaderamente hambrientos. Es un tema muy serio, la degradación de la clase trabajadora, tratado con un humor desinteresado y a través del cual puede verse su implícito significado.

La Torre de Babel. 1563

“La Torre de Babel” presenta una pavorosa complejidad, empequeñece las figuras humanas con su orgullo autoritario, reduce el trabajo más gigantesco a una inútil escabullida de seres diminutos. Brueghel era un pintor muy culto y refinado, con una percepción erudita del mito y la leyenda. Su versión de la antigua historia de la Torre de Babel dista mucho de ser una simple representación de un pasaje bíblico. De hecho nunca trabaja la superficie, sino siempre la profundidad. Tanto si es el mito griego de la caída de Ícaro, cómo la historia bíblica de la construcción de la Babel, lo que a él le importa es el significado visual.

Día sombrío. 1565

Ese significado característico se patentiza en su verdadero logro, sus paisajes, ahí radica la gloria de Brueghel, lo que lo hace estar entre los más grandes del mundo, en particular la serie de obras de los meses, al estilo de los hermanos Limbourg (maestros de la pintura en miniatura que ilustró manuscritos). Una de esas pinturas es “Día sombrío”, tan solo se conservan cinco, pero nunca han sido superadas en su verdad, dignidad y misterioso poder espiritual. Brueghel nunca fuerza una moraleja. El más discreto de los pintores expone meramente la inmensidad de la naturaleza que rodea la vida del hombre. La obra trata de los oscuros días de febrero y marzo, solamente iluminados por el carnaval. Sin embargo, el tema va mas allá que el final del invierno. Se muestra un universo vasto y elemental, a través del cual fluye un río enfurecido. Destaca un amenazante cielo cada vez mas bajo. Los aldeanos quizás trabajan o tal vez se diviertan, sus actividades se reducen dentro del amplio contexto de su realidad. El primer plano está iluminado , y con ello pretende crear la ilusión de la actividad humana, inmersos en su trabajo, pretenden olvidar la amenaza de la violencia de la naturaleza y la oscuridad.

Cazadores en la nieve. 1565

“Cazadores en la nieve” es a la vez sensualmente abrumador, la mismísima sensación de frío en forma visual, y emocionalmente extenso. El misterioso espacio del valle y sus montañas, sus lagos y árboles desnudos, sus diminutos habitantes y sus pájaros de largos vuelos; todo esta ante la vista del espectador. Cada detalle ofrece información sobre la estación, mientras la hoguera arde y los perros regresan fatigados a casa. El brillo del blanco esconde los detalles, pero resalta la totalidad, y solo los seres humanos disponen de tiempo para jugar. La grandiosidad de la visión de Brueghel es la habilidad de compartirlo todo con el observador. Consigue que se perciba el significado de vivir en el mundo físico, sus montañas, sus valles, sus ríos, sus nieves. Ningún otro pintor ha tenido tal amplitud de visión. Puede percibirse que esto no es lo que Brueghel vio, sino lo que fue objetivamente la realidad.

Sor Juana Inés de la Cruz: Detente sombra

2010-11-25T14:35:00.001-04:30

Detente, sombra de mi bien esquivo,
imagen del hechizo que más quiero,
bella ilusión por quien alegre muero,
dulce ficción por quien penosa vivo.

Si al imán de tus gracias, atractivo,
sirve mi pecho de obediente acero,
¿para qué me enamoras lisonjero
si has de burlarme luego fugitivo?

Mas blasonar no puedes, satisfecho,
de que triunfa de mí tu tiranía:
que aunque dejas burlado el lazo estrecho

que tu forma fantástica ceñía,
poco importa burlar brazos y pecho
si te labra prisión mi fantasía.

Picasso y su fuente de inspiración: Las mujeres.

2010-11-25T10:20:00.001-04:30

“Fueron muchas las mujeres que quedaron marcadas para siempre por el carácter imprevisible, unas veces cruel otras tierno, del pintor. Pero ¿qué misterioso magnetismo hizo que tantas mujeres se volvieran locas por él, aceptaran su tiranía, sus cambios de humor, su desprecio e incluso su hostigamiento físico y mental? No hay una única respuesta para justificar que se dejaran humillar y denigrar de tal manera. ¿Eran masoquistas? ¿Estaban tan ciegamente enamoradas que hasta el desprecio lo entendían como una forma de amor? ¿La fama del pintor, el éxito en vida de Picasso motivó el que aceptaran este alto coste por estar al lado del genio?”

“Todas sus amantes o mujeres fueron objeto de su arte, de su búsqueda permanente, y a través de sus retratos podemos conocer los sentimientos que éstas le inspiraban, en qué estado de ánimo se encontraba, cuán feliz o desgraciado le hacían o se sentía él a su lado. Cuando la relación se iba deteriorando la imagen pictórica de la amante se desfiguraba, se transformaba, dejaban de ser dignas de ser miradas con asombro para ser vistas con estupor, cuando no con cierta sensación de dolor, de malestar atormentado y, por fin, de repugnancia. Pero ¿qué sucedía antes? ¿Qué se gastaba antes: la imagen en el lienzo o en la realidad?”

“A lo largo de su longeva vida conoció, se entusiasmó hasta el éxtasis y convivió con distintas mujeres. Si algo determina su existencia son precisamente las relaciones que mantuvo con ellas. Desde su madre, hasta la joven fotógrafa Dora Maar, pasando por una bailarina rusa, Olga Koklova, la poetisa Geneviève Laporte, la bella y perezosa Fernande Olivier o la mujer que vivió con él hasta el final de sus días, Jacqueline Roque. Todas ellas, hasta un total de trece, se imbrican en la existencia del artista y en su obra de forma irremediable. La historia del pintor malagueño, cuya supremacía es indiscutible, es la historia de todas estas mujeres que le acompañaron, en distintas etapas de su vida. Que le odiaron o le dieron hijos, le abofetearon o le adoraron como a un Dios. ¿Tenían algo en común estas mujeres? ¿Es cierto que cada mujer que conoció le afectó de tal manera que supuso un cambio de estilo en su pintura? ¿Llegó a amarlas?”

Texto de: Paula Izquierdo. 19/01/2004.

Olga Koklova

Marie Thérése Walter

Francoise Gilot

Dora Maar

Geneviéve Laporte

Fernande Olivier

Jacqueline Roque

La visión única de El Bosco

2010-11-24T21:03:00.001-04:30

“Maestro de lo monstruoso…descubridor de lo inconsciente” Carl Gustav Jung sobre Hieronymus Bosch (El Bosco)

“La tentación de San Antonio” (Panel central). h. 1505.

El extraordinario pintor Hieronymus Bosch (1450-1516) se aparta de las tradiciones flamencas predominantes en pintura. Su estilo único, de una libertad asombrosa, y su simbolismo inolvidablemente vívido, siguen sin igualarse. Maravilloso y terrorífico, expresa un intenso pesimismo y refleja las ansiedades de su tiempo, una época de cambios políticos y sociales. Poco se conoce sobre El Bosco, cosa en cierto modo lógica, dado el carácter enigmático de su obra. Se sabe que adoptó el nombre de la ciudad holandesa de Hertogenbosch (cerca de Amberes), que perteneció a una comunidad religiosa ultraortodoxa denominada la Hermandad de María. Muchas de sus pinturas son religiosas y varias tratan el tema de la Pasión de Cristo.

Es especialmente famoso por sus obras fantásticas y llenas de demonios, una de las cuales es “La tentación de san Antonio”. El panel central de este tríptico ilustra la figura arrodillada de san Antonio atormentado por los demonios, entre los cuales se haya un hombre con un cardo por cabeza y un pez que es una góndola. Por muy extrañas y singulares que estas imágenes nos parezcan, muchas resultaban familiares para sus contemporáneos, pues se relacionan con proverbios flamencos y terminología religiosa. Lo que resulta extraordinario es que las criaturas imaginarias están pintadas con absoluta convicción, como si hubiesen existido de verdad. Imbuye cada extraña o extravagante creación con el mismo realismo obvio que los elementos naturalistas y humanos. Sus imágenes de pesadilla parecen poseer una inexplicable fuerza surrealista.

“El camino de la vida” (Panel central). h. 1500-1502.

Incluso una pintura más naturalista como es el caso de “El camino de la vida” contiene elementos siniestros. Aparte del perro que gruñe al anciano pobre y de los huesos y el cráneo del primer plano, se ve en el fondo a unos ladrones que atacan al viajero. A la altura de la cabeza del anciano, en la lejanía, se observa además una horca. Esta pintura se encuentra en la parte exterior de las alas del tríptico; en los tres paneles interiores El Bosco representa su trágica visión de la existencia humana, cada vez peor por el triunfo del pecado: A la izquierda aparece la expulsión del hombre del paraíso, en el centro la infinita variedad de los placeres humanos y a la derecha sus consecuencias: el exilio al infierno.

“El jardín de las delicias” Tríptico.

En su obra “La nave de los locos”, El Bosco imagina que toda la humanidad viaja por los mares del tiempo en una nave, una embarcación que la representa. Pero los integrantes son locos, es así como el pintor muestra la vida humana, comemos, bebemos, amamos, engañamos, hacemos tonterías, buscamos objetivos inalcanzables; mientras tanto el barco navega sin rumbo, sin conseguir llegar a puerto.

“La nave de los locos” h. 1490 - 1500

Otra de las tablas pintadas por Bosch se titula “La muerte del avaro”, esta advierte a aquellos que se hallan aferrado a los placeres de la vida sin la suficiente indiferencia y no están preparados para morir. ¿Quién puede sentirse indiferente ante esta fábula?, en un formato largo y concentrado sitúa El Bosco el doloroso escenario.

“La muerte del avaro” h. 1485/1490

El moribundo desnudo ha sido un hombre con poder: a los pies de la cama, ahora separada por una pequeña pared, yace su armadura. Ha conseguido sus riquezas en el combate; el enfermo ha luchado por sus bienes y los ha almacenado a su alrededor. Aparece dos veces; la segunda sano, sobriamente vestido porque acumula su oro, lleno de satisfacción cuando añade otra moneda. Los demonios están al acecho, la muerte asoma su cabeza por la puerta (puede notarse la sorpresa del enfermo, la muerte nunca se espera), y la batalla final comienza, una batalla que libra ya sin su armadura. Detrás de él hay un ángel rogando. Delante, ofreciéndole oro, un demonio. Sobre la cama expectante e interesado mira otro demonio. El final de la historia queda abierto.

Der blaue reiter, El jinete azul

2010-11-17T19:20:00.000-04:30

La primera década del siglo XX presentó a muchos artistas descontentos con la doctrina clásica que recibían en las academias y buscaron a toda costa el nacimiento de una verdadera renovación tanto en el estilo, como en el contenido artístico. “Der blaue reiter” nace como producto de la asociación de tres pintores: Vasily Kandinsky, Franz Marc y Gabriele Münter. Con este nombre Kandinsky y Marc expresan de forma poética dos temas que les son muy queridos: el primero – el azul – es el predominio del color sobre el dibujo, una elección de estilo que los coloca en el centro del expresionismo. El segundo elemento – el jinete – es muy apreciado por Kandinsky. El jinete para él representa el símbolo del artista contemporáneo que ve en su arte un deber ético cuya misión es la defensa y difusión de lo bello y lo verdadero. El grupo busca la confrontación de ideas para indagar y profundizar con nuevas formas de expresión. Inclusive la música forma parte de su visión, ellos utilizaron el termino “vibración” para indicar el efecto visual provocado por los colores que pretenden imitar los sonidos y traducirlos en imágenes al igual que las emociones. Otro aspecto sobre “Der blaue reiter” es su relación con la teosofía, conjunto de doctrinas esotéricas y espiritualistas relanzadas desde 1875 por Helena Petrova Blavatsky, los artistas reivindican la libertad de expresión del individuo, que necesita expresar su interioridad. Tal expresión se materializa tanto en el realismo más genuino como en la abstracción más pura.

Vasily Kandinsky. “El jinete azul” 1903

Esta pintura muestra un empleo “impresionista” de los colores, específicamente en los reflejos dorados de las hojas de los árboles y las pequeñas pinceladas con que el pintor plasma al jinete y el caballo, para transmitir la idea de movimiento. Otra Característica que aproxima la obra al estilo impresionista es la estructura en dos dimensiones del espacio, proveniente de las estampas japonesas que lo influenciaron.

Vasily Kandinsky. “Marnau: Vista con un trazado ferroviario y un castillo” 1909

El tema de esta pintura se trata de una vista de la casa que el pintor compartía con su compañera Gabrielle Münter. La masa negra del tren atraviesa a gran velocidad el paisaje, dominado por tonos verdes y amarillos que truncan las manchas blancas de vapor de la locomotora y las nubes. Sus colores antinaturales denotan que no se trata de una representación naturalista, sino de una visión interior y espiritual.

Franz Marc. “Los caballos azules” 1911

El tema que mas aparece en la obra de Franz Marc son los animales en un paisaje, sus preferidos son los caballos, como los que se ven en esta pintura. El artista se ve influido por el orfismo cuyos fundamentos son:

Exaltación del color puro que es "forma y tema".
Prescinde de la identificación del espacio pictórico.
Sustituye gradualmente las imágenes de la naturaleza por formas lumínicas de color.

Se aprecia la influencia de las formas abstractas de Kandinsky, al tanto que el azul de los caballos recuerda a seres míticos. Hay predominio de líneas curvas, con un ritmo que resalta la armonía.

Franz Marc. “El sueño” 1912

En esta tela, el artista crea un mundo de idílica pureza, un paraíso terrenal incorrupto y no tocado aún por el mal, en el cual los seres humanos y los animales conviven armoniosamente. Marc está consciente del título de su obra, se halla dentro de ella y se identifica con su centro, una figura de color rosa , rodeada de sus amados y variopintos caballos. A la izquierda el autor sitúa un inverosímil león que intenta asustar al espectador con su rugido, pero que no logra ser terrible. Por el contrario acentúa la naturaleza fantástica de la escena.

Gabrielle Münter. “Paseo en barca” 1910

Gabrielle Münter estudió en Düsseldorf y en Münich, en la Unión de Mujeres Artístas. Seguidamente ingresa en la Escuela de Arte del Grupo Phalanx, donde conoce a Kandinsky, de quien será alumna y posteriormente compañera. En su obra se encuentran numerosos retratos y paisajes, en los cuales demuestra una desarrollada creatividad, notable dominio del dibujo y una sensibilidad cromática inusual. Aparecen en esta pintura la propia autora, quien se encuentra de espaldas, Marianne von Werefkin sentada al lado de su hijo de nombre Andreas, y, en el centro, Kandinsky de pie, mirándola afectuosamente.

Las flores como motivo de la pintura

2010-11-15T16:50:00.002-04:30

Si existe una creación de la naturaleza que haya sido objeto de inspiración en la pintura a lo largo del tiempo, no es otra que las flores, bien sea, en su aspecto decorativo interior, bien sea como la representación de los jardines y paisajes que han deleitado la mirada de quienes los observan y disfrutan de su tranquilidad. He aquí una selección de obras de grandes maestros con su particular visión.

Eugene Delacroix

Frederik Bazille

Pierre-Auguste Renoir

Claude Monet

Camille Pissarro

Edouard Manet

“MASK”: Pinturas de Daniel Romano

2010-11-11T14:40:00.003-04:30

“Todo lo que es profundo gusta de enmascararse, y las cosas más profundas odian hasta la imagen y la semejanza. ¿No sería tal vez el contraste la verdadera forma de vestido que preferiría el pudor de un Dios? He aquí una pregunta bien importante, y sería curioso que ningún mítico hubiera hecho tal tentativa…Toda mente profunda necesita de una máscara; en torno de una mente profunda se va formando sin cesar una máscara, gracias a la interpretación constantemente falsa y superficial de todas sus palabras, de todos sus pasos, de toda señal de vida que de él emane.”

Friedrich Nietzsche – “Máscaras” Más allá del bien y del mal, cap.II, aforismo 40.

Quise iniciar esta entrada dedicada a la reciente muestra del pintor argentino Daniel Romano con este particular texto del filósofo Nietzsche, debido al título que Romano le confirió al trabajo expuesto. “Mask” o Máscara. Una forma utilizada por el ser humano de mostrarse cómo no es o por el contrario como quiere ser, pero que su cotidianidad no lo permite.

Una fusión de expresiones, sentimientos deliberados o no, que se traslucen en lo que vemos diariamente. Desde la antigüedad el hombre buscó en el arte de la disimulación y el disfraz expresar desde alegrías hasta esconder la tristeza, celebrar hechos significativos, ritualizar experiencias, hasta esconder bajo un velo sus acciones oscuras.

La obra que Daniel Romano expone representa la belleza y profundidad de la mirada infantil, su bondad, sutileza y fuerza. Una expresión humana donde la profusión del color o su uso minimalista transmite una realidad personal que atrapa y mueve a múltiples significados que solo el observador podrá decodificar en función de su experiencia y sentimientos.

Daniel Romano: Pintor nacido en 1985 en Buenos Aires, Argentina. Diseñador gráfico, especializado en comunicación visual, fotógrafo.

Link: http://www.danielromano.com.ar/home_esp.html

Belleza natural:Copos de Nieve

2010-11-09T16:11:00.001-04:30

El estudio de los copos de nieve y las espectaculares imágenes conseguidas como fruto de su investigación han hecho al físico estadounidense Kenneth Libbrecht merecedor del premio Lennart Nilsson, galardón que lleva el nombre del reconocido fotógrafo sueco y que premia a la gente que logra plasmar en imágenes la fuerza y la belleza del conocimiento científico.

El desarrollo de las vanguardias en Rusia

2010-11-06T22:09:00.000-04:30

En octubre de 1898, se publica el primer ejemplar de la revista Mir Iskusstva (Mundo del Arte), escrita por jóvenes artistas atraídos por la pintura de los simbolistas y postimpresionistas, es especial los nabis, muy próximos a la sensibilidad del Art Nouveau. Se organizaron diversas exposiciones, hasta que en 1906, se presentan en el Salón de Otoño de París. Estoy constituyo un estrecho intercambio entre los intelectuales y pintores que para la época desarrollaban sus obras en la capital francesa. No menos importante fue el estímulo de algunos coleccionistas rusos, entre ellos Ivan Mozorov y Sergei Scukin, quienes llevan a su país un número muy importante de trabajos de Picasso y Matisse, entre otros artistas, los cuales sirvieron para mostrar a los los ávidos jóvenes rusos la evolución del arte contemporáneo.

Entre los artistas que participaron en las exposiciones organizadas por los diferentes medios de difusión cultural se encuentran Mijail Larionov y Natalia Goncharova, quienes se expresan con un estilo primitivista, permeado por las tradiciones populares rusas, íconos y estampas populares. Igualmente Kasimir Malevich y Marc Chagall constituyen exponentes de esta nueva visión de la estética rusa.

Natalia Goncharova. El Ciclista. 1913

El período “rayista”, entre 1910 y 1914, constituyó un giro fundamental para la artista. El estilo de esta pintura se asemeja mucho al del futurismo, en especial por su intento en representar la velocidad descomponiendo y multiplicando algunos elementos de la bicicleta y de su conductor. Por el contrario, la inclusión de los carteles publicitarios y las letras del alfabeto cirílico evocan las composiciones cubistas del período sintético.

Mijail Larionov. La Venus de Kazapsk. 1912

En las obras de su período primitivista, Larionov busca conciliar elementos de la pintura antigua, que pudo estudiar durante su estancia en Parí, con la tradición popular rusa. En este cuadro se nota que el artista se inspira en las representaciones clásicas, pero los trazos y el físico de la mujer recuerdan más a una campesina rusa que a una diosa de la belleza. Los árboles y el extraño felino del fondo están dibujados según el “rayonismo”.

Mijail Larionov.Rayonismo Rojo. 1913

Esta composición parte de las primeras en la que Larionov utiliza el estilo rayonista, presentado oficialmente a los críticos y al público en un ensayo titulado ”Rayonismo y futurismo”, publicado en 1913 en “La Diana”, el almanaque que reproduce las obras del grupo de La Cola del Asno (nombre que nace de una anécdota leída en un periódico: unos artistas franceses ataron un pincel a la cola de un asno, acercaron el animal a una tela y luego expusieron la obra para escuchar los comentarios de la crítica y el público). La red de líneas , que representa los rayos que emana de los objetos, anula por completo la presencia de la realidad y aproxima el cuadro a la abstracción.

Kazimir Malevich. El Aviador. 1914

Esta obra da fe de la culminación de la actividad futurista de Malevich, estimulado por el viaje Marinetti a Rusia en 1914. En este cuadro el artista parece también influenciado por el cubismo sintético, como se deduce de las enormes letras del alfabeto cirílico pintadas en la parte superior de la obra. En la composición incluye objetos aparentemente injustificados y sin ninguna conexión lógica con el título (un tenedor, un as de tréboles, un pez estilizado, o la hoja de una sierra) que el artista vincula entre si de manera incomprensible para el observador, quizá de un modo azaroso, según una técnica que toma prestada de ciertos poetas futuristas rusos y que adoptarán de forma metódica los dadaístas y surrealistas. En el fondo se distinguen algunas formas geométricas que Malevich introducirá en sus obras suprematistas.

Kasimir Malevich. Suprematismo (Composición abstracta) 1916

En su obra “suprematista”, Malevich abandona la representación directa o indirecta de la realidad en nombre de la “supremacía” de las sensaciones abstractas. Con un espíritu destructivo e iconoclasta, parecido al que anima a los dadaístas de la misma época, el artista ruso pretende abolir la tradición pictórica figurativa milenaria para alcanzar lo que define como “cero absoluto” de las formas, la representación de estas en su estado puro y elemental. En el fondo blanco y gris que confiere al cuadro una distribución alejada del tiempo y el espacio, el pintor dispone unas figuras geométricas de colores, planas y lisas, sin preocuparse por respetar las reglas básicas de la perspectiva, la simetría, y el equilibrio de los volúmenes. El ritmo de la composición proviene de la distribución homogénea de los colores.

Dibujos de la naturaleza, la flora

2010-10-28T14:24:00.001-04:30

A continuación una serie de dibujos botánicos de la colección de Shirley Sherwood que se exponen en el Real Jardín Botánico de Madrid bajo el nombre de “Imágenes del Paraíso”. En ella se muestra principalmente la diversidad vegetal de Brasil y Colombia. Los dibujos fueron realizados por José Celestino Mutis (1732-1808), médico y botánico español que figura entre los más destacados iniciadores del conocimiento científico en el Nuevo Mundo.

*“Heliconia”*	“Passiflora coccinea”
*“Sophronitis grandiflora”*	“Couroupita guianensis”
*“Passiflora adulterina”*	*“Cedrela montana”*

Estos dibujos son magníficos ejemplos de la destreza en la observación y representación de la realidad, son prácticamente “fotográficos”. Realmente una especial muestra del talento artístico vinculado con el interés científico de la época en la que se catalogaron estas especies vegetales.

Fuente: El Mundo.es // 27/10/2010.

Cubistas y su visión de la realidad

2010-10-26T20:35:00.001-04:30

Albert Gleizes. Paisaje de Meudon. 1911.

Albert Léon Gleizes (1881-1953) pintor francés cuyos comienzos siguieron el camino de los impresionistas, pero en 1910 se integra al movimiento cubista del que fue uno de sus primeros y más importantes teóricos junto a Jean Metzinger. Expuso en el Salón des Indépendants de París de aquel año. Más tarde colaboró con Metzinger escribiendo en 1912, la obra Sobre el cubismo y los medios para comprenderlo, dotándolo de bases teóricas y estéticas.

“Paisaje de Meudon”, se expuso por primera vez en el Salón de los Independientes, inaugurado en abril clausurado en junio de 1911, posteriormente se exhibe en Bruselas y Barcelona, para luego pasar a manos de Alphonse Kann, uno de los primeros coleccionistas de obras cubistas. Durante la II Guerra Mundial, cae en manos de los nazis quienes expoliaron parte de la colección de Kann, para luego ser recuperada en 1949. El artista aunque sigue escrupulosamente la descomposición del cubismo analítico, todavía se mantiene fiel al sentido de la perspectiva y respeta las proporciones entre la figura del primer plano y las casas del fondo, a excepción de los dos árboles del centro de la composición que resultan mucho más estilizados.

Marcel Duchamp. Desnudo que desciende la escalera. 1912

Marcel Duchamp (1887-1968) Artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. Duchamp comenzó a pintar en 1908. Después de realizar varias obras en la línea del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia.

“Desnudo que desciende la escalera” nació en su primera versión como un estudio preliminar, un óleo sobre cartón hecho en diciembre de 1911. La segunda versión, efectuada sobre lienzo el mes siguiente, fue rechazada por la comisión del Salón de los Independientes de París. Fue expuesta en la galería Dalmau en Barcelona, y en febrero de 1913 en el Armony Show de Nueva York. Las influencias del cubismo analítico se muestran en la descomposición geométrica de las formas y en la reducida gama cromática. El artista indicó haberse inspirado en los primeros cromatogramas de Etienne-Jules Marey y en las secuencias fotográficas de Eadweard Muybridge, lo que le hizo estudiar los objetos y personas en movimiento.

Robert Delaunay. La Torre Eiffel. 1910

Robert Delaunay (1885-1941) pintor francés. Comenzó su trayectoria pictórica influido por el trabajo de Seurat, pasó luego por una breve etapa fauvista y derivó posteriormente hacia un estilo propio y colorista, basado en los principios del cubismo analítico. Delaunay investigó exhaustivamente las relaciones existentes entre forma y color.

El tema de la Torre Eiffel es recurrente en la obra de Delaunay, que a lo largo de su carrera recurrió a diferentes elecciones estilísticas. En este caso, el artista descompone la gran estructura metálica y la recompone con una perspectiva valiente y esbelta. Aplica los principios del cubismo en clave dinámica y espacial, y da prioridad a los valores cromáticos y a la luminosidad.

Jean Metzinger. En el velódromo. 1911-1914

Jean Metzinger (1883-1956) Pintor francés. Tras sus experiencias neoimpresionistas y fauvistas, se aproximó al cubismo y participó en las reuniones de la Sección de Oro, en Puteaux, en el taller de J. Villon. Publicó, en colaboración con Gleizes, Sobre el cubismo (1912). Su obra se divide en dos etapas: una cubista y otra realista.

La publicación “Sobre el cubismo” explica los motivos y aspectos que el arte de Metzinger quiere afrontar. Reconoce que se ha inspirado en las obras de Gustave Coubert y Paul Cézanne, y es de los primeros en revelar la relación que existe entre sus descomposiciones espaciales y la geometría no euclidiana. Su obra: “En el velódromo” es un buen ejemplo de su madurez expresiva, se evidencia la fragmentación de los planos y el ejemplo de puntos de vista diferentes , elementos típicos del cubismo, subrayados por un acentuado contraste de colores e intensificados por la inserción de superficies granulosas a modo de collage. Además Metzinger fusiona en un único conjunto dinámico el cuerpo del deportista en sus líneas esenciales y casi transparente con unas tribunas al fondo donde se concentra el público, caracterizado por pequeñas pinceladas de color puro.

Juan Gris, el tercer gran cubista

2010-10-18T19:59:00.001-04:30

Juan Gris (1887- 1927) tuvo una vida corta y nunca cambió de estilo, aunque progresivamente lo iluminó y lo aclaró. Vista esta constancia, se puede afirmar que Gris fue el cubista por excelencia.

Fantomas, 1915

Su obra, “Fantomas” con sus planos cambiantes y su ingeniosa celebración de periódicos, revistas y diversión, posee una alegría particular. Su estilizada sofisticación lo diferencia de sus colegas Braque y Picasso.

El paquete de tabaco, 1916

En 1906, el pintor madrileño se trasladó a París, donde colaboró con Picasso y Braque en el nacimiento del cubismo. En 1908 conoce a Daniel-Henry Kanhweiler, que se convierte en su marchante de confianza y su amigo, y en 1913 a Josette su futura mujer. Con el inicio de la I Guerra Mundial en 1914, el artista se traslada a Collioure, cerca de la frontera española. Allí encuentra a Matisse, con quien discute sobre cuestiones artísticas. Concretamente, Gris se dedica al cubismo sintético, del cual “El paquete de tabaco” es una de los primeros ejemplos. El artista superpone y rompe los planos jugando con las líneas y los contrastes de colores. Si el fondo está dominado por tonalidades más oscuras y opacas, la parte del primer plano donde se ven el vaso y el paquete de tabaco que identifica a la obra, se realza con tonos más claros.

Bodegón con persiana, 1914

En las pinturas inmediatamente posteriores, el pintor conferirá un mayor movimiento a las composiciones con el recursos de la técnica del collage.

El Cubismo y sus exponentes II: Georges Braque

2010-10-17T12:14:00.001-04:30

Georges Braque (1882-1963) fue el único artista que colaboró con Picasso de igual a igual. Reconoció que eran como escaladores atados juntos, ambos empujando hacia arriba. A partir de 1907 trabajaron tan vinculados, explorando los planos y facetas del mismo objeto, que algunas de sus obras parecen casi idénticas. Aunque desarrollaron su propia autonomía como artistas, llevaron el cubismo a otro nivel más luminoso e interpretable.

Bodegón: Le jour, 1929.

Su descubrimiento conjunto fue notablemente breve comparado con el efecto que tuvo. Braque no sobresalió por esas primeras obras, aunque tampoco estaba por debajo del nivel de Picasso. Su pintura cubista sintética caracterizada por el uso de formas más decorativas, estarcido, collage y colores más luminosos tiene como exponente su trabajo “Bodegón: Le jour”, esta obra es moderada en color, prácticamente poco festiva y de alguna manera menos exuberante que la obra cubista de Picasso, aunque Braque se recrea en la originalidad de las formas y las texturas. Cuando pintó este cuadro, ambos artistas se habían separado hacía tiempo y sus diferencias innatas habían quedado claras.

Casas de L´Estaque, 1908. Óleo sobre lienzo

Este cuadro marca el paso de Braque del fauvismo, al que se había adherido durante unos años, al cubismo. además testimonia la deuda del artista con las descomposiciones y las simplificaciones que se advierten en los paisajes de Cézanne. Las casas se reducen a formas geométricas elementales, mientras que los árboles del primer plano pierden por completo su significado naturalista. Tanto Braque como Picasso, que durante esos años trabajaban en estrecho contacto, afirmaron que su interés no se dirigía a una representación fiel de la realidad, sino a su percepción intelectual, que crea no una simple mezcla visual, sino un vínculo espiritual más complejo.

Violín y paleta, 1910. Óleo sobre lienzo

En las pinturas del período analítico Braque sustituyó gradualmente los planos y volúmenes y descompone los objetos para presentarlos al espectador desde diferentes puntos de vista. Esta radical fragmentación de las formas dificulta la identificación de los objetos como sucede con esta obra en la que la paleta se haya en la parte superior de la tela y el violín en la inferior.

El Cubismo y sus exponentes I: Picasso

2010-10-10T20:34:00.001-04:30

La crítica suele indicar como el origen del Cubismo la exposición retrospectiva que el Salón de otoño de 1907 dedicó a Paul Cézanne, y en la que Picasso, Matisse, Braque, Leger y otros pudieron descubrir el fruto de los años de investigación que aquel tuvo en Aix-en-Provence, lugar en el que Cezanne se retiró decepcionado por las fuertes críticas que había recibido en las primeras exposiciones impresionistas.

Pablo Picasso: Retrato de Daniel Henry Kahnweiler. 1910

Sus dos últimas obras constituyen una genuina revolución, por la renuncia a los cánones tradicionales de la perspectiva, la reducción del espacio a dos dimensiones y la simplificación de los objetos en formas geométricas. Igualmente relevante para el cubismo fue la influencia del arte extraeuropeo, que ofreció a los artistas nuevos estímulos y alternativas a los modelos clásicos. Concretamente, el estilo cubista frecuentemente va unido al descubrimiento de las esculturas africanas, difundidas a través de los pintores fauvistas; Derain, Vlaminck y Braque fueron coleccionistas de arte africano. Matisse reúne veinte piezas, que muestra a Picasso transmitiéndole la pasión por ese arte. El pintor español acudió varias veces a visitar las colecciones etnográficas de Trocadéro, y a partir de 1907 conserva máscaras y esculturas africanas en su estudio.

Las Señoritas de Avignon 1907.

Varios dibujos preparatorios, y muy heterogéneos entre sí, tanto en el estilo, precedieron a a la ejecución de esta obra. Material que testifica como el artista partió de una intuición inicial mas bien vaga y fue quitando o añadiendo sucesivamente varios elementos antes de conseguir el resultado final. En principio, la obra tenía que representar a cinco mujeres y a dos hombres (un marinero y un estudiante con una calavera en la mano) en un prostíbulo en la calle de Avinyó de Barcelona, posando entre grandes cortinajes y bodegones de flores y fruta. Seguidamente, los hombres y las flores se eliminaron, y sólo quedó la fruta en primer plano y algunas telas al fondo. Las tres figuras de la izquierda recuerdan a las bañistas de Cezanne. La de la derecha (en un segundo plano) es la más parecida a las máscaras africanas. En cambio, la mujer sentada, parece la más cubista; muestra al espectador el rostro y la espalda, y es un primer intento de realizar una pintura simultánea que represente la realidad desde varios puntos de vista.

Mujer con abanico. 1907-1908

Esta obra documenta la trayectoria artística de la que nace el cubismo y el método de trabajo adoptado por Pablo Picasso. Expuesta a los rayos X ha revelado que el pintor ideó inicialmente un retrato de su compañera Fernande Olivier, de manera tradicional y realista. Para luego, sucesivamente intervenir en el dibujo con el que usó pocos colores (a lo sumo gris, blanco y ocre) para modificarlo y simplificarlo progresivamente hasta acercarlo a figuras geométricas elementales. La descomposición de las formas es más evidente en las butaca, mientras que la figura de la mujer, aun careciendo de profundidad, todavía presenta elementos naturalistas.

Fábrica de ladrillos en Tortosa. 1909

Picasso, subdividió los espacios en grandes facetas en sombra que reducen los edificios a un conjunto de elementos sólidos y geométricos, contemplados desde perspectivas diferentes. Incluso los troncos de las palmeras aparecen representados como simples cilindros; sólo el espeso follaje mantiene una vaga alusión naturalista. Los colores se reducen a lo esencial, esto contribuye a una atmósfera fría y antinatural.

Retrato de Ambroise Vollard. 1909 – 1910

Este retrato, junto con los coetáneos de Wilhelm Uhde y de Kanhweiler (véase el principio de la entrada), es uno de los mejores ejemplos del cubismo analítico, caracterizado por una radical fragmentación de las formas que anula casi por completo su consistencia material; por eso también se le ha definido como “hermético”. Vollard se encuentra sentado en el centro del cuadro; a su espalda se adivina quizás una mesa con una botella y un libro apoyado verticalmente.

Futurismo como tendencia pictórica III: Carlo Carrá y su evolución a la metafísica.

2010-10-04T20:08:00.001-04:30

Carlo Carrá (1881-1966), figura destacada tanto de la pintura futurista como de la metafísica. Al principio intentó infundir una sensación de movimiento a la estructura geométrica y a la paleta neutra del cubismo. En el ejército conoció a Giorgio Da Chirico, creador de la pittura metafisica (pintura metafísica) y adoptó ese nuevo concepto.

Futurista:

“Los funerales del anarquista Galli” 1911. Óleo sobre tela

En el verano de 1910, los futuristas concibieron la idea de que cada uno de ellos pintaría un gran cuadro horizontal para mostrar su concepción estética en una exposición a celebrarse en 1911. Carrá realizó “Los funerales del anarquista Galli”, obra en la que el artista expresó sus intereses sociales y sus aspiraciones de libertad. Es una pintura de impacto visual importante, llena de tensiones emotivas, colores intensos y sombríos, aún divisionistas, con un dibujo tenso y fragmentado que ya de por si se enmarcaba en los postulados futuristas. El indicó en su manifiesto titulado “La pintura de los sonidos, ruidos y olores” de 1913, quería mostrar una “ebullición o un remolino de formas y de luces sonoras, ruidosas y olorosas”

“El jinete rojo” (Caballo y jinete) 1913. Témpera y tinta sobre papel entelado.

Hacia 1912, Carrá asume las últimas novedades provenientes de las vanguardias francesas, concretamente el conocimiento de los colores intensos y vivos utilizados por los fauvistas y las descomposiciones del cubismo analítico, esto lo influye al punto de que modifica su propio estilo. “El jinete rojo” presenta una singular atracción hacia el caballo, coloreado con un rojo intenso para que resalte contra el fondo claro, mientras las líneas dispuestas como una aureola en torno al animal vislumbran la idea de la velocidad y la fuerza, tanto que se siente la vibración de la atmósfera circundante. El cuerpo del jinete aparece nítido, pero a la vez casi desmaterializado, tensado al máximo para reafirmar la potencia del corcel.

Metafísico:

"La habitación encantada” 1917. Óleo sobre tela

La pintura metafísica posee una estética extraña, de perspectivas imposibles, de elementos simbólicos, de largas sombras, de objetos sumidos en una claridad sin atmósfera, donde todo sucede como si fuera un sueño. Consigue imponer una sensación de misterio a través de maniquíes, manos enguantadas inmersas en un mundo de horizontes lejanos y de grandes arquitecturas vacías, colosales y fantasmagóricas. En obras como “La habitación encantada” creó una atmósfera de misterio y aprehensión mediante el uso de una perspectiva renacentista exagerada y de una luz amenazadora.

“La musa metafísica” 1917. Óleo sobre tela.

Futurismo como tendencia pictórica II: Giacomo Balla

2010-09-29T20:33:00.002-04:30

“En el torbellino de las tendencias de vanguardia, o mismo semifuturistas, domina el color. Debe dominar el color como privilegio típico del estilo italiano.” Manifiesto del color. Giacomo Balla. 1918.

“Dinamismo de perro con correa” 1912.

Giacomo Balla (1871-1958) Pintor italiano, se dedicó a pintar escenas nocturnas y exteriores de la ciudad. Con posterioridad, abandonó el academicismo de sus primeros trabajos para seguir los postulados futuristas de Marinetti (Dinamismo de un perro atado). Sus estudios sobre la dinámica de la composición le llevaron a eliminar de forma gradual el uso de la figuración y a convertirse en uno de los precursores de la abstracción. Adopto la disolución de lo visible en puntos de color mediante la utilización de la técnica puntillista para pintar temas del futurismo: la dinámica y la velocidad. Balla fue un pintor lírico, ajeno a la violencia. Sus obras más reconocidas tratan la dinámica de la luz y el movimiento simultáneo.

“Niña que corre por el balcón” 1912. Óleo sobre lienzo.

Esta pintura de 1912 fue realizada luego del primer período que el artista pasó en la ciudad de Dusseldorf (Alemania), donde recibió el encargo para decorar la villa de Margherita Speyr y Arthur Löwenstein. La obra es un testimonio del intento de los futuristas por representar visualmente el movimiento. La inspiración de Balla proviene de estudios fotográficos realizados por Marey y Muybridge en cuanto a la captación del movimiento, y además siguió el procedimiento introducido por el cinematógrafo: secciona el desplazamiento de la niña por el balcón en numerosos y pequeños fotogramas y los aproxima en la tela, de modo tal que el ojo del espectador pueda reconstruir la escena en su totalidad. La subdivisión del espacio pictórico en pequeñas pinceladas de colores puros, dispuestos de forma geométrica retoma el estilo divisionista y acentúa el dinamismo de la composición realizada.

“Líneas-fuerza del mar” 1919. Óleo sobre lienzo

En la temporada veraniega del año 1919, Balla ejecutó una serie de veinte pinturas a las que titula “Líneas-fuerza del mar”. En estas obras, aplicó al tradicional tema marino las investigaciones que resultaron de los años previos en el ámbito paisajístico. Concentró su atención en los efectos de la luz y en el movimiento de las olas y embarcaciones. Concretamente busca un balance entre la fidelidad a lo real por una parte y la geometría abstracta por la otra. En cada tela de esta serie, el pintor intentó cambiar la disposición de los elementos, de su forma y su colorido. Cabe destacar que el propio Balla realizó las molduras y el color de sus marcos para prolongar la ondulación del movimiento que produce, incluso más allá de su propia superficie, lo que incrementa su sentido dinámico y a la vez decorativo.

“Luz de la calle” 1909.

En esta obra podemos observar su profundo deseo por interpretar el recorrido de la luminosidad que se esparce desde el farol de la calle, los rayos de luz bañan el entorno y se descomponen en una multiplicidad de colores que se aprecian en las pinceladas finas y curvas, se nota una armoniosa y a la vez contrastante presentación del color que nace de la luz blanca, la cual pese a su intensidad no es suficiente para ocultar a la luna.

Futurismo como tendencia pictórica I: Umberto Boccioni.

2010-09-26T15:47:00.001-04:30

El futurismo nació oficialmente el 20 de febrero de 1909, cuando Filippo Tommaso Marinetti publicó en las páginas de Le Figaro el primer manifiesto. Como indica el nombre elegido, el futurismo, exaltó todo cuanto representaba el futuro para su tiempo y a la vez arremete en contra el culto a lo tradicional. Un segundo tema fundamental es la voluntad de celebrar el movimiento, la velocidad y todo lo que representa el dinamismo. Estos planteamientos serán retomados en el “Manifiesto de los pintores futuristas”, del 11 de febrero de 1910, firmado por Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrá , Luigi Russolo y Gino Severini, y leído públicamente por Boccioni el 8 de marzo de 1910, en el Teatro Chiarella de Turín.

“Palabras en libertad (Irredentismo)” 1914. Filippo Tomaso Marinetti. Tinta y collage sobre papel.

Estilísticamente los pintores futuristas comienzan su carrera mediante la aproximación al divisionismo, aprenden a descomponer las superficies coloreadas en pequeñas pinceladas de colores puros. En adición se interesan igualmente en la producción simbolista europea, mientras que no reparan en aspectos realistas o naturalistas, su búsqueda se orienta a los significados alegóricos. Como corolario es preciso mencionar las influencias indirectas de la filosofía de Bergson y la geometría no euclidiana , que les abrieron nuevas perspectivas a la concepción espacio temporal.

“El bebedor” 1914 Umberto Boccioni. Óleo sobre lienzo.

Umberto Boccioni: (Regio de Calabria, 19 de octubre de 1882 - Sorte, Veronaa, 17 de agosto de 1916). Pintor y escultor italiano, principal exponente del movimiento futurista. En sus obras, Boccioni expresó de manera extraordinaria el movimiento de las formas y la concreción de la materia. Tuvo influencia del cubismo, aunque evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración.

“Visiones simultáneas” 1911. Umberto Boccioni. Óleo sobre lienzo.

Las visiones simultáneas aludidas en el título de esta obra poseen muchos puntos en común con el cubismo, consistentes en la presencia contemporánea de puntos de vista diversos. Los colores son particularmente fuertes y vivos, muy alejados de la realidad, para incrementar la fuerza expresiva de toda la composición. Los objetos representados son simples y están deformados, al límite de la abstracción; el dibujo ágil y suelto, que sigue un trazo ondulante similar a un vórtice, para trasladar mejor la idea de movimiento, las dos grandes curvas del primer plano se superponen y se mezclan con la visión urbana. En sus obras los futuristas exaltan las grandes ciudades, dinámicas, activas, símbolo de progreso; sus predilectas son las calles llenas, con muchas tiendas y locales nocturnos, donde el trabajo y el ocio se suceden sin interrupción.

“Elasticidad” 1912. Umberto Boccioni. Óleo sobre lienzo.

Esta pintura sintetiza la búsqueda iniciada por el artista en 1910 con su trabajo “La ciudad de sube” y que sucesivamente profundizó y desarrolló con el tríptico de los “Estados de ánimo”, de 1911. Como Degas, Boccioni amaba los caballos y ve en ellos la expresión perfecta de la fuerza y la agilidad. En este caso, el pintor descompone y multiplica los detalles anatómicos del animal y el jinete, al igual que ocurre con el paisaje urbano del fondo para sugerir el efecto visual de la velocidad y el movimiento. La ausencia de perspectiva es completa, y los límites entre las diferentes secciones son intencionadamente indefinidos, con la finalidad de unir las diferentes partes de la pintura, que asume un aspecto bidimensional, carente de profundidad. También se aprecia un cuidado equilibrio entre las líneas rectas y las curvas, lo cual destaca el ritmo de esta obra.

“Materia” 1912-1913. Umberto Boccioni. Óleo sobre lienzo.

“Materia”, representa a la madre de Boccioni, Cecilia Forlani, quien desempeñó un papel crucial tanto en la vida como en el arte del pintor, quien transfigura esta obra en el símbolo universal de la maternidad y de la energía creadora de la materia. Boccioni no es tan riguroso en la descomposición de las formas, pero otorga un mayor espacio al movimiento y a los colores.

El postimpresionismo: Paul Gauguin, una visión única.

2010-09-14T22:49:00.002-04:30

Paul Gauguin (1848-1903) es reconocido y famoso por los cuadros que pintó luego de su marcha a las islas de los mares del sur para escapar de Europa y de su familia, pero la inspiración de su obra partía de su interior. Aunque se dedicó a la pintura como profesional tardíamente, sus primeros pasos como aficionado estuvieron bajo la influencia de los impresionistas, especialmente de Camille Pissarro, cuyas pinceladas rotas y sistemáticas adoptó Gauguin. Este fue presentado a los impresionistas como un rico agente de cambio y bolsa parisino y comenzó a comprar sus cuadros; incluso expuso algunas de sus propias obras en las exposiciones que se celebraron a partir de 1879. Sin embargo, cuando en 1883 se convierte en un pintor a tiempo completo, empezó a sentir limitaciones en el ambiente artístico parisino.

“En el Café” Pushkin Museum de Moscú

Gauguin pretendía eliminar de su arte todas las convenciones. Los impresionistas estaban influidos por la naturaleza. Encontró la libertad y tranquilidad en Pont-Aven, en la Bretaña, donde rápidamente hizo amistad con la principal figura entre los artistas de la localidad, Emil Bernard, cuyo trabajo pictórico se caracterizó por el uso de la técnica “Cloisonnisme”, palabra proveniente de “Cloision” que significa partición. Este estilo se destacó por poner en contraste zonas de colores puros y luminosos, separándolas con líneas oscuras; el efecto conseguido es igual al del vidrio emplomado usado en los vitrales. Gauguin y Bernard trabajaron juntos en Pont-Aven entre 1888 y 1891 y se cree que este último tuvo gran influencia en la obra de Gauguin. Fue en esta región aislada donde desarrolló los elementos distintivos y simbólicos de su estilo. Inspirado por el arte medieval de las vidrieras y por el arte popular, empezó a pintar formas simplificadas con pronunciados contornos en negro. Los campesinos bretones, con su sencilla fe y su forma de vida arcaica, también le atrajeron, y se convirtieron en tema recurrente.

“Visión después del sermón” 1888

Pintó “Visión después del sermón” dos años antes de marcharse a Tahití, pero resulta tan primitiva como cualquier elemento tahitiano. Gauguin mezcló la realidad con la experiencia interior de una visión y la ensalzó con un color simbólico. Plasma el tema de Jacob luchando con el ángel, una historia del Antiguo Testamento. Es probable que la religión ejerciera sobre el pintor una fascinación exótica ya que pinta a Jacob al amanecer, luchando por vencer a su oponente sobrehumano y conseguir que le revele su nombre. Gauguin se enfrentaba a lo sobrehumano y luchaba contra su ángel/demonio para encontrar su identidad. Ofreció la pintura a la iglesia bretona local, pero el cura recelaba de la obra y pensó que se burlaba de él. Solo en la actualidad la fuerza espiritual del cuadro aparece vitalmente clara.

“Ta Matete”

Hacía tiempo que Gauguin había abandonado a su esposa holandesa y a sus hijos, y en 1888 fue a visitar a Van Gogh en Arlés. Pareciera normal que ambos fuesen amigos, aunque tal vez no sea el termino apropiado ya que ambos eran hombres solitarios que buscaban desesperadamente un compañerismo curativo. La crisis de su tambaleante relación llevó a Van Gogh, el más frágil de los dos, al anormal acto de mutilación de su oreja. Gauguin pasó los dos siguiente años en Francia, viajando sin descanso, y en abril de 1891 parte hacia Tahití, donde pasó gran parte del resto de su vida.

“Jinetes en la playa” 1902

Su escape a los mares del sur en busca de una forma de vida primitiva donde su arte pudiese florecer. A pesar de la repugnancia que le producía la sociedad colonialista que allí encontró, pinto a los polinesios como imágenes en un estado celestial de libertad total. El pintor inculca su propia versión de la naturaleza, con formas estilizadas y planas y con la utilización de colores intensos y exóticos en lo que puede parecer un abandono temerario, pero que e´stá cuidadosamente calculado para conseguir los efectos más espectaculares. En “Jinetes en la playa” pinta la arena rosa, no porque la viese de ese color, sino porque solamente la arena rosa podía expresar sus sentimientos. El amarillo hubiese resultado demasiado real: no se trata de una escena lógica, sino mágica, y la paz y la alegría son simbólicas, no literales. Es un cuadro sobre un estado de vida idílico; personas amables y radiantes controlan sin esfuerzo a sus caballos, la libertad se encuentra en cada punto del paisaje marino, los cielos amplios y cubiertos de nubes, el hombre y la mujer en perfecta armonía.

“Nevermore” 1897

Aunque Gauguin transformó a las mujeres polinesias en figuras divinas(en función de las reglas de su imaginación) conocía bien las costumbres que en su sociedad tribal privaban. La muchacha plasmada en “Nevermore”, un cuadro pintado después de vivir varios años en los mares del sur, muestra como llegó a entender la obsesionada diferencia de la vida interior de ellas. Su cuerpo dorado y verde tendido mientras piensa sobre el misterio de su existencia. Un cuervo ciego se posa sobre la ventana como un “simbólico pájaro de la muerte”(figura inspirada por el poema de Edgar Allan Poe “El cuervo”, uno de los autores preferidos de los simbolistas). Dos mujeres hablan con urgencia mientras la muchacha yace en separada sobre su espléndido almohadón amarillo. Los motivos semiabstractos que se ven las pinturas de este tipo son expresiones de los ritmos internos, psicológicos, mas que de sucesos externos.

“Arearea”

La habilidad de Gauguin radicó en su negación a dar explicación a este complejo misterio, a pesar de que sugiere que puede haber una respuesta. no importa el tiempo que se contemple “Nevermore”; mantiene, y de hecho profundiza, su misterio ante el observador inquieto.

Vincent van Gogh: El postimpresionismo

2010-09-08T20:30:00.001-04:30

Vincent van Gogh (1853-1890) empezó su carrera como oficinista en la empresa de su tío, que era un marchante de arte en La Haya. En 1873 lo trasladan a Londres, donde se enamora de la hija de su casera, sin embargo la muchacha ya estaba comprometida para casarse. Se piensa que la primera experiencia de amor no correspondido lo precipitó al fanatismo religioso que luego posteriormente lo llevó a la depresión. Después de su breve estancia en Londres como maestro del reverendo Slade-Jones, Van Gogh regresó a Holanda, donde tuvo que enfrentarse inmediatamente a más fracasos.

“El niño de la naranja” 1890

Van Gogh era un tipo de genio reservado y callado, mas sin embargo con una vida turbulenta y anhelante conocida por la gran mayoría, vista la magnitud de su fama póstuma La triste historia de la mutilación de su oreja forma parte de la leyenda de los genios. La infelicidad documentada en un río de cartas a su hermano Theo se transforma en su arte en una apasionada búsqueda de la estabilidad, la verdad y la vida misma. Posee el extraño poder, parecido al de Rembrandt, de tomar lo feo, incluso lo terrible, y convertirlo en algo bello a base de pura pasión.

“Melocotonero en flor” 1888

Sus años de formación como pintor revelan su confusión e intranquilidad, ya que trabajó en varios empleos en busca de una existencia con sentido. A los veinte años dejó Holanda, y se marchó a Inglaterra; después vivió durante una corta temporada en Bélgica como misionero, y en 1886, con treinta y tres años, se fue a París. Gracias al trabajo de Theo como marchante de arte conoció otros artistas: Degas, Pissarro, Seurat, Lautrec y aprendió las técnicas impresionistas. Descubrió su vocación artística después de una ruta lenta y tortuosa, pero su verdadero talento no se hizo visible hasta que no absorbió totalmente las influencias del impresionismo y del arte japonés y realizó sus propios experimentos con el color.

“La habitación del pintor en Arlés” 1889

En 1888 dejó a Theo en París y se trasladó a Arlés, en la Provenza, donde creo sus obras más importantes durante los dos últimos años de su vida. “La habitación del pintor en Arlés” posee una gran fuerza y una enorme tristeza, Dos almohadas y dos sillas sugieren su anhelo por la llegada de Gauguin. Su sueño era que Arlés se convirtiera en un centro de pintores, pero la visita largamente esperada de Gauguin terminó en desastre.

“Granja en Provenza” 1888

“Granja de Provenza” y “La Mousmé” datan del año en que se fue a vivir a Arlés. Si Seurat subyugó la naturaleza para reflejar su intelecto, Van Gogh la ensalzó para reflejar sus emociones. “Granja en Provenza”, presenta un fertilidad terrible y amenazadora; el trigo surge por todas partes, las espigas llameantes casi cubren la pequeña figura que camina entre ellas. El muro se termina de repente, devorado por el ejercito de trigo maduro, flores rojas y vegetación.

La granja posee un aire lastimero, con algunos árboles bajo su protección, el resto de ellos son pequeños y escasos. Los edificios de la granja están apiñados y el cielo mantiene su total neutralidad. La naturaleza siempre llega hasta el pintor de esta forma amenazadora; sin embargo, él nunca se rinde: lucha contra ella, plasma en el lienzo su salvajismo, y la atención que presta a cada espiga de trigo le proporciona un dominio sobre toda esa fuerza.

“La Mousmé” 1888

“La Mousmé” como el pintor explicó a su hermano Theo, “es una muchacha japonesa en este caso de unos doce o catorce años”. Trabajó mucho en esta obra, atraído por la sencillez y el orden que tanto admiraba en el arte japonés, para presentar este aburrido rostro adolescente en términos de masas decorativas. Su vestido está pintado con líneas curvas en la parte superior y sólidos lunares rojos sobre el azul de la parte inferior. La silla la abraza con curvas esquemáticas, las manos y el rostro son de un opaco marrón rosado. Las manos que parecen no tener huesos, cuelgan de las mangas y su cara parece la de una muñeca. Su cuerpo se curva plano contra el fondo verde jaspeado. Muchos aspectos de esta obra resultan patéticos. Mira de una forma excesivamente cautelosa, la cual puede transmitir ligera incomodidad. Sus vivos ojos marrones delatan una herida, como si ella supiese que la vida no la iba a tratar bien. Van Gogh dirige sobre la niña tal fuerza de atención apasionada, un respeto tal, una seguridad en la fuerza de la visión para sacarla del infierno de la existencia, que el cuadro se alza con un éxito sobrecogedor. Las cualidades como la belleza y la gracia se tornan irrelevantes. Su triunfo consiste en conseguir que se vea a través de sus ojos. Cosa que se repite a menudo.

“Autorretrato” 1889

Pocos artistas demostraron tanto interés por el autorretrato como Van Gogh, la obra que se presenta resulta abrumadora por su pureza y su realismo: éste es el verdadero rostro del pintor, con una tosca barba roja, la boca infeliz y los ojos tristes. Se trata de una identidad que apenas existe bajo la presión del ondulante caos azul. Puede que su rostro tenga la suficiente solidez, pero su ropa pierde la identidad con el remolino de líneas que se abren paso y derriban, para mostrar su sentido del sufrimiento. Este cuadro lo hizo después de una grave crisis que lo obligó a internarse en el sanatorio de St. Remy. El hábil empleo de los colores que contrastan, el sensible dibujo y la sensación de control apuntan a una mente superior, por muy desequilibrados que estuviesen los sentimientos del artista.

“La pasión según Delacroix” Versión de Van Gogh

Vincent, utilizó una amplia variedad de colores a lo largo de su carrera, entre ellos la laca roja, bermellón, azul ultramar, violeta cobalto, verde esmeralda y verde cromo. Sin embargo muchos de estos colores no eran resistentes a la luz, Van Gogh debió conocer la naturaleza efímera que tenían algunos de los pigmentos que seleccionaba.

“Campo de tulipanes”

También estaba interesado en los colores complementarios: aquellos que le daban contraste a los colores primarios, surgen de la combinación de dos primarios (rojo, azul y amarillo). Rojo y verde, azul y naranja y amarillo y violeta son los pares básicos. El hecho de colocarlos juntos provoca que ambos parezcan más luminosos. Con este propósito llevaba una caja de lanas de colores que trenzaba juntas para experimentar con las vibraciones de los colores complementarios.

“Campo de trigo con cuervos” 1890

“La noche estrellada” 1889

Como artista, no estaba interesado en pintar con tonos naturales; lo que pretendía era transmitir una serie de emociones a través de la utilización de colores fuertes y vibrantes.

La visión femenina del impresionismo: Berthe Morisot y Mary Cassat

2010-09-05T17:30:00.001-04:30

Las pintoras a las que hace referencia esta entrada forman parte del importante grupo de artistas que abrazó el impresionismo como técnica pictórica y modo de expresar su visión del mundo.

Berthe Morisot (1841-1895) y la familia de la que provenía formaba parte del círculo social de Edouard Manet, cuyo hermano Eugene Manet, se casó con la hermosa Berthe. Morisot aprendió de Manet, cómo captar y plasmar el momento fugaz, como representar la exquisita delicadeza de la luz sin convertirla en lo que no es. Durante sus primeros años fue alumna de Corot, y también estuvo en contacto con Charles F. Daubigny, uno de los artistas de la Escuela de Barbizon. De estos artistas recibió la influencia de su honestidad para captar la atmósfera verdadera y cambiante del paisaje tal y como aparecía ante sus ojos.

“La Cuna” 1872

Morisot disfrutó de una especial relación con Edouard Manet. Esta influencia se compensó con su afiliación al grupo impresionista, con el que exponía regularmente (mientras Manet se mantenía a parte). La adopción de una paleta impresionista más clara ejerció una considerable influencia sobre Manet. Berthe no fue una pintora fuerte al estilo de Manet, pero solo una mujer fuerte podía conseguir que su trabajo resultase aceptado en una época en el que el arte femenino no era aceptado y a veces motivo de burla.

“El puerto de Lorient”, 1869

“El puero de Lorient” uno de sus mejores trabajos, es una verdadera obra impresionista en la que el paisaje no está subordinado a la figura y en la que todo está representado con el mismo cuidado y la misma fluidez. Grandes áreas de azul que contrasta brillan mientras las aguas tranquilas reflejan el cielo cambiante; fuertes diagonales geométricas asientan el cuadro y una maravillosa frescura matutina acompaña a la muchacha que se sienta en el malecón, una despreocupada imagen borrosa debajo de la sombrilla rosa. El mundo asoma por el rabillo del ojo, discreto y encantador. Al igual de Camille Pissarro, Berthe Morisot participó en las todas muestras de arte impresionista originales.

Marie Cassat (1845-1926), era de clase alta como Morisot, pero su familia vivía en Pittsburg, Estados Unidos, y no en París. Fue después de su arribo a París en 1868 para pintar y exponer con el grupo impresionista cuando comenzó a adquirir una modesta fama. Su arte presenta una amplitud y una solidez muy diferentes de las de Morisot, siendo su género una de las pocas cosas que tienen en común.

“Muchacha cosiendo” 1880-1882

Su “Muchacha cosiendo”, es bonita por la pura variedad de la suave luz, que da un tono rosado al camino detrás de la joven, brilla con tono rojizo sobre las flores y juega con una gracia de cascada sobre su sencillo vestid. Atrapa su actitud de empeño infantil, con los labios apretados por la concentración, y la pura luminosidad para captar su presencia física. Cassat era también una grabadora experta y brillante, y la amplia experiencia de los grabados japoneses resulta especialmente evidente en sus dibujos y grabados.

“Desayuno en la cama”

Su arte muestra su interés por la cualidad física cuestión muy comprensible, puesto que su mentor fue Degas y no Manet. Degas, un cínico al final de su vida y un misógino, mostró sorpresa ante Cassat. Admitió su fuerza y habilidad contra su voluntad. Hechos que son palpables al observar sus obras.

El impresionismo y sus grandes exponentes: Camille Pissarro

2010-09-04T17:53:00.001-04:30

Camille Pissarro (1830-1903) fue el patriarca de los impresionistas, no solo porque era un poco mayor, sino por su buen carácter y generosidad. Abandonó su educación formal al dejar a Corot en 1857 y comienza a pintar al aire libre. A pesar de su edad, se convirtió en uno de los impresionistas más receptivos a las nuevas ideas. Era un apasionado del progreso, algunas veces en detrimento de su propia expresión individual. Fue el único artista que expuso en las ocho exhibiciones impresionistas.

“Jardín de Pontoise” 1877

Pissarro fue un pintor dedicado y enormemente prolífico, solía entrar y salir del más puro impresionismo según su estado de ánimo, sin preocuparse por el rigor del estilo. Era el forastero del grupo y respondía instintivamente a la subyacente arquitectura de la naturaleza. Sus cuadros con su ingenua sencillez y su tosca superficie tuvieron influencia en Gauguin, Van Gogh y Cézanne, que se consideraba “alumno de Pissarro”.

“Huerto en flor”, Louveciennes, 1872.

Su obra “Huerto en Flor”, Louveciennes es un trabajo con huesos bajo la piel pictórica; el camino que se observa en primer plano conduce a un verdadero sentido de la distancia a través de los luminosos árboles impresionistas en flor. Hay una suavidad iluminada por la luz del sol peculiar del artista sabio y equilibrado con su sentido de libertad y contenida alegría.

“Campesina con sombrero de paja” 1881

“Campesina con con sombrero de paja” contiene una bella sencillez, una plenitud de forma que la nebulosidad del fondo no contradice, sino que confiere significado. Pissarro era una buena persona, cosa que aunque se ignore, puede percibirse en sus personajes y paisajes que desbordan bondad. La muchacha es sumamente sencilla, no se preocupa de si misma, y todo su ser, incluso la nariz enrojecida por el sol, está iluminado por la fuerte luz del día.

"Rouen, Rue de l'Épicerie” 1898

A los sesenta años, Pissarro llegó a sentirse fascinado con los neoimpresionistas y con su gran interés por la óptica. Experimentó con las técnicas divisionales de Seurat con escaso éxito. La obra tampoco fue apreciada por el público, y regresó a la espontaneidad del verdadero impresionismo.

Rue Saint-Honoré por la tarde. Efecto de lluvia 1897 de Camille Pissarro. La historia de una pintura

2010-09-01T08:25:00.002-04:30

Hoy encontré en las noticias internacionales una que destaca el diario “El País” de España en su sección cultural titulada: “El Pissarro de la discordia”, el cual llamó mucho mi atención por dos razones, la primera porque la discordia proviene de la “eterna” consecuencia del expolio nazi a familias judías de sus posesiones, en especial obras de arte que cayeron en la voracidad criminal del régimen nacional socialista de Hitler y el reclamo de los herederos por recuperar su patrimonio; el cual con el tiempo transcurrido ha pasado a manos de terceros. La segunda, porque actualmente la línea de las últimas entradas que he publicado en el blog se enfoca en el impresionismo, del cual Camille Pissarro es representante muy destacado.

El artículo: “Parece una calle tranquila, se diría que lánguida. No tanto, si se atiende a su extraordinaria peripecia. Camille Pissarro retrató en 1897 un lluvioso paisaje parisiense en su Rue St. Honoré. Après-midi. Effet de pluie. Desde entonces, el cuadro ha pasado casi la mitad de su existencia de mano en mano, sin saber muy bien a quién pertenece. Sufrió la amenaza nazi, que provocó la separación de su dueña para que ella pudiera seguir viviendo. Ahora cuelga de una pared en el Museo Thyssen de Madrid, después de que el barón vendiera su colección al Estado español en 1993. Y desde Los Ángeles, un hombre llamado Claude Cassirer reclama desde 2001 el cuadro que los nazis obligaron a vender a su abuela. Un tribunal de esa ciudad le acaba de conceder el derecho a iniciar un litigio contra el Estado español y la Fundación Thyssen para recuperarlo, rechazando el argumento de España de que no se puede demandar a un Estado extranjero en EE UU.

La historia -que registra, con este, un inesperado giro- comenzó en realidad en 1939, cuando Lilly Cassirer, abuela de Claude, judía y adinerada, malvendió por 900 marcos el cuadro (heredado por su familia) a un marchante de arte afiliado al partido de Hitler. El cuadro de Pissarro se quedó en Alemania y ella escapó.

Explica el abogado de Claude Cassirer que tras la guerra Lilly buscó el cuadro, decidida a recuperar lo que los nazis le habían arrebatado. Nunca dio con él. En su ausencia pidió en 1958 al Estado alemán una compensación de 150.000 marcos (equivalente a aproximadamente 350.000 euros actuales teniendo en cuenta el paso del tiempo y el efecto de la inflación). Le fue concedida. El Gobierno la reconoció entonces como propietaria de la obra.

Los letrados de la Fundación Thyssen añaden que había otras dos personas que se proclamaban propietarias del lienzo de Pissarro; entre ellas, un marchante de arte, quizá uno de los que movieron el cuadro por Alemania después del expolio. Si fuera así, argumentan, en el caso de adjudicar la nueva propiedad actual del cuadro habría que incluir también a otros herederos.

Según los abogados de Claude Cassirer, la indemnización no implicaba la renuncia a recuperar el cuadro en un futuro -entonces estaba en paradero desconocido-. La defensa de los Thyssen sostiene lo contrario: el documento era vinculante y le privó del derecho a recuperarlo. En cuanto al valor actual, Cassirer tasa la obra en 13 millones de euros, mientras que el abogado de la Fundación Thyssen asegura que "vale mucho menos".

El Gobierno alemán, al conocer las intenciones de Cassirer, le ha avisado de que si recupera el cuadro, tendrá que devolver la indemnización cobrada por su abuela en 1958. Esta notificación es interpretada con matices diferentes. Mientras los abogados de los Cassirer opinan que Alemania asume implícitamente con ella la propiedad de la familia, para la fundación, el Gobierno alemán solo persigue la recuperación del dinero para el caso de que efectivamente el cuadro sea devuelto.

El museo Thyssen tiene ahora la opción de reclamar ante el Supremo estadounidense. Si no, el litigio contra el Estado español puede comenzar en un año. El Ministerio de Cultura español ha decidido no pronunciarse hasta que no reciba una notificación desde EE UU.

Para Claude Cassirer es importante que el proceso empiece cuanto antes; tiene 89 años, y teme no llegar a ver el cuadro de vuelta antes de morir. Según el fotógrafo jubilado, su deseo es recuperar aquella obra que vio colgada durante su infancia en la casa de su abuela en Múnich.

Cuando el caso llegue al tribunal, los argumentos legales se centrarán en la cadena de propiedad. Según los Cassirer, el cuadro nunca ha dejado de ser de la abuela, porque no se ha roto esa cadena. Sin embargo, Thyssen se declara poseedor legal del cuadro basándose en que la cadena de propiedad se rompió en el momento en el que Lilly Cassirer aceptó la indemnización y "renunció a sus derechos sobre el cuadro". Añaden también que el barón Thyssen compró la obra en 1976 "de buena fe", sin saber que provenía de un expolio nazi.

Además, se da la extraña circunstancia de que durante 40 años nadie haya buscado el cuadro. Por un lado, la Fundación Thyssen reprocha a Cassirer que no haya recurrido a ninguno de los registros de arte perdido desde que su abuela murió en 1962, y se defiende diciendo que el cuadro de Pissarro siempre ha estado expuesto y catalogado. Disponible para cualquier reclamación. Cassirer, por su parte, despacha este lapsus temporal aludiendo a las dificultades de buscar un cuadro a escala planetaria sabiendo solo el nombre en una era anterior a la de Internet.”

MIGUEL PÉREZ / DAVID NELSON - Madrid - 01/09/2010

Fuente: http://www.elpais.com

El impresionismo y sus grandes exponentes: Claude Monet

2010-08-29T20:13:00.001-04:30

El impresionismo “nació” oficialmente en 1874, cuando el término fue aplicado a una relativamente diversa serie de artistas que expusieron ese año en el Salón Des Refusés. Muchas de las obras tenían una apariencia inacabada, lo que daba una sensación de inmediatez que no fue bien acogida por la crítica. Aunque estos artistas eran individualistas, con diferentes ideas y actitudes, estaban unidos por su deseo de conseguir un mayor naturalismo en el arte, y sus obras revelaron una sorprendente y nueva frescura, así como luminosidad. Lo acontecido indica que un crítico de nombre Louis Leroy, hizo un comentario sarcástico para atacar una obra de Monet titulada “Impresión: amanecer”, indicó el crítico que “el papel pintado en su estado embrionario está más acabado”. El termino que inició en tono de burla, fue rápidamente adoptado por otros pintores de la época, que constituyen los importantes exponentes de este movimiento de la pintura.

“Impresión: amanecer” 1872

Claude Monet (1840-1926) es el impresionista por excelencia, y como tal, su mundo es de una belleza estimulante. El estilo de Monet, como en otros impresionistas, se caracterizaba por la luz, la paleta colorista y la aplicación ocasional de pintura sin mezclar directamente sobre el lienzo preparado con una capa de blanco puro. Esta superficie aumentaba la luminosidad de cada color e incrementaba la apariencia rota y sin armonía del cuadro.

“Mujer con sombrilla y niño” 1875

En su pintura “Mujer con sombrilla y niño”, (igualmente conocida como “Madame Monet y su hijo” o “En el acantilado”) Monet se encuentra fascinado no por la identidad de los modelos, sino por la forma en que plasma en el lienzo, para el deleite de la posteridad, la luz y la brisa. Un día de verano, una mujer joven se detuvo sobre un pequeño montículo; la hierba y las flores cubrían sus pies, parece que flota en ese lugar, sostenida por su moteada sombrilla, radiante en la transparente luminosidad del momento. Su vestido cobra vida gracias a los tonos reflejados, el dorado luminoso o el azul o el rosa más pálido. Los colores nunca se instalan, como tampoco lo hacen los pliegues y las arrugas que se arremolinan contra el brillo de las nubes y el cielo azul intenso. Monet vio esta escena, la inmovilizó, y la hizo pictóricamente accesible.

“Puente de Waterloo” 1899

Los contemporáneos de Monet estaban acostumbrados a controlar las imágenes inmóviles que pintaban en sus estudios, con lo que su obra correspondía no a lo que se veía en realidad (que nunca estaba inmóvil), sino a lo que se creía que se veía. Monet eliminó estas etiquetas de certidumbre, haciéndolo de la forma más alarmante en sus grandes pinturas en serie, en las que examinaba el mismo tema en diferentes condiciones meteorológicas y a diferentes horas del día o estaciones del año. Al cambiar la luz envolvente, también cambiaban las formas que hasta el momento eran consideradas constantes y permanentes. Monet utilizó su brillante paleta para captar los efectos ópticos creados por la luz urbana, prestando poca atención a los detalles casuales y utilizando pinceladas muy visibles, “indiscriminadas” y poco definidas para captar la escena con rapidez.

“La catedral de Rouen” 1894

La catedral de Rouen parecía una realidad invariable, pero cuando Monet pintó la fachada oeste con sus pináculos y sus arcos de la entrada observó que la luz la transformaba constantemente: ahora exquisitamente rosada; la pintura gruesa y áspera que recuerda el tosco trabajo de la piedra, los portones de bienvenida muy visibles, la gran ventana panorámica, un misterio de oscuro encanto; después pálida, casi sin detalles por la intensidad de la luz. Solía trabajar en varios lienzos a la vez, suavizando el trabajo en piedra cuando hacía mal tiempo con una paleta armoniosa de grises e intensificándola con blanco y azul cobalto cuando el sol brillaba con más fuerza. “La catedral de Rouen” es una declaración mediante la luz. Esta sensibilidad con respecto a la luz cambiante y transformada fue el mayor don de Monet como pintor. Sin duda en esto radicaba la gran fascinación de su serie de pinturas, y él la exploró al máximo.

“Lirios de agua” 1916

Monet hizo extensivo su placer al mecanismo de los jardines acuáticos durante los años finales de su vida, trabajó directamente con la naturaleza. Algunos de sus últimos murales de nenúfares, pintados sobre lienzos enormes, son casi abstractos por sus formas flotantes y sus reflejos en la superficie, pero “El estanque de los nenúfares” está enclavado en el mundo de la realidad gracias al puente japonés que describe una curva a través del centro. Incluso aquí podría interpretarse el tumulto de verdes, azules y dorados como abstracción.

“El estanque de nenúfares” 1899

Monet se trasladó en 1883 a una casa en Giverny, en el noreste de Francia, y vivió allí el resto de su vida. Su jardín fue la principal fuente de su inspiración durante todos esos años, y en 1893 lo amplió con la compra de un terreno colindante en el que había un estanque. Aquí pintó su famoso jardín acuático. Esta es una de las 18 pinturas que corresponden a las últimas series de Monet. en la que el puente arqueado japonés, que hizo construir sobre el estanque de flores de agua, es el motivo central.

Renoir: La visión de la vida contemporánea bajo la mirada de la impresión.

2010-08-27T22:25:00.001-04:30

“Retrato de Irene Cahen d’Anvers” 1880

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) trabajó al igual que Monet pintando las mismas escenas de lugares populares a orillas del río y de vistas del bullicioso París, esto durante la última década del siglo XIX. Renoir se sintió fascinado con las personas y acostumbraba pintar a sus amigos y amantes. Sus primeras obras poseen una vibrante luminosidad que resulta satisfactoria y totalmente apropiada para el tema y los efectos de la luz.

“ Le Bal au Moulin de la Galette”

Auguste Renoir, poseía al parecer, la envidiable habilidad de considerar que cualquier cosa podía resultar interesante. Más que ningún otro impresionista, encontró la belleza y el encanto en lugares modernos de París en esos años. No profundizó en lo que ve, pero captura su apariencia, sus generalidades, lo que permite al espectador responder con inmediato placer. Esto también significó un cambio frente al realismo; ya que las pinturas impresionistas no presentan un laborioso y detallado perfil de la realidad; en su lugar muestran escenas íntimas y encantadoras de la clase media francesa en sus momentos de ocio en el campo, en los cafés y conciertos de París. Renoir siempre sintió un sencillo placer por todo aquello que llamaba su atención de persona optimista, pero se negó a permitir que lo que observaba dominase lo que deseaba pintar. De nuevo, su intención es transmitir la impresión, la sensación de algo, de sus generalidades, de su vida incidental. Quizás todo merezca ser observado con atención, pero en la práctica no hay tiempo; solo se recuerda lo que se percibe mientras mientras nos movemos.

“ El almuerzo de los remeros” 1881

En su pintura “El almuerzo de los remeros”, un grupo de amigos de Renoir disfrutan de la mejor diversión del hombre y la mujer trabajadores: un día de excursión, Renoir muestra las diversas relaciones: el joven que charla interesado con la muchacha de la derecha, mientras que la de la izquierda juega con su perrito. Igualmente se puede ver la soledad que puede formar parte de la experiencia de cualquiera durante un almuerzo, lo vemos en el hombre situado detrás de la muchacha con el perro, se halla ensimismado en su propio mundo; sin embargo, no puede evitarse pensar que se trata de una agradable ensoñación. Los restos de la comida, la nebulosa luminosidad del mundo que se extiende más allá del toldo: todo nos transmite una visión de satisfacción humana.

“Niña con regadera” 1876

Uno de los primeros retratos de Renoir, “Niña con regadera”, posee el tierno encanto de su modelo, delicadamente remarcado, sin sentimentalismos, pero claramente adornado. El pintor desciende hasta la altura de la pequeña para que pueda observarse su mundo desde su propio punto de vista. Este nos da a entender que la pequeña ve no al jardín real que ve un adulto, sino el jardín nostálgico que recuerda de su infancia. La niña es consciente con dulzura de su importancia central. A pesar de ser una criatura sólida, se presenta con el frágil encanto de las flores. Sus pequeños pies y sus bonitas botas se notan como plantados en el jardín, y el encaje de su vestido tiene un motivo floral; ella también resulta decorativa. Con la mayor habilidad Renoir muestra a la niña no entre las flores y la hierba, sino en el camino que la lleva hacia adelante, fuera del cuadro, hacia el futuro desconocido, cuando será una espectadora, una adulta que solo disfrutará de los recuerdos del presente ahora plasmado.

“Bañista peinándose” 1893

Aunque pudiese confundirse con un hedonista feliz, Renoir era en realidad un artista serio. En un momento dado, cambió completamente su estilo porque pensó que ya había llegado todo lo lejos que podía llegar con el impresionismo y que corría el peligro de convertirse en un pintor superficial. Su estilo en la última época es más firme, con figuras de contorno más marcado, y sus últimas obras poseen la solidez clásica. En “Bañista peinándose” ha preservado la sólida sensación de la forma del cuerpo y la ha irradiado de un color luminoso. El bello cuerpo de la muchacha se encuentra entre una serie de prendas multicolores: un corpiño, un sombrero. Renoir persuade al observador de que la muchacha es la que se desnuda y se presenta ante él, se percibe que ama su cuerpo, como debe ser.

Libertad

2010-08-22T21:25:00.001-04:30

“La libertad es un constitutivo esencial de la perfección. Ni aquélla podrá darse plenamente sin ésta, ni ésta sin aquélla.

La libertad se ordena fundamentalmente a superar la esclavitud humana, que es – ante todo y sobre todo – esclavitud del alma.

La libertad es, por tanto, necesaria para la auténtica libertad del hombre.

La libertad plena incluye una triple libertad; frente al cuerpo, frente a los hombres y frente a la fortuna.

La libertad es la fuente de felicidad, en cuanto supone la liberación de la más neta infidelidad humana: La esclavitud. Es virtud, porque lleva consigo una superación positiva de los vicios. Es sabiduría, ya que su madurez está posibilitada y exigida por la madurez racional del alma. La libertad no constituye por si sola la esencia.

La libertad engendra la anarquía, la anarquía conduce al despotismo y el despotismo lleva otra vez a la libertad”

Por: Jacinto Benavente.

Nicolás Maquiavelo: analista y visionario de la política moderna

2010-08-22T18:01:00.001-04:30

El pensamiento de Nicolás Maquiavelo ha trascendido a lo largo del tiempo como paradigma del realismo político más crudo, y de aplicación en el gobierno de un estado o territorio del principio “el fin justifica los medios”. Para entender su filosofía, es necesario conocer su vida como diplomático al servicio de Florencia en la convulsa Italia del siglo XVI. Igualmente, este político toscano es considerado como el padre de la ciencia política moderna. Para elaborar su pensamiento, utilizó sus experiencias diplomáticas como enviado de la república de Florencia; y para dotarlo de una base teórica se fundamentó en el pensamiento de historiadores clásicos como Tito Livio o Polibio. De esta forma, juzgó a estados y gobernantes a través de los modelos de la antigüedad.

Maquiavelo nació en Florencia el 03 de mayo de 1469, su familia era una de las más antiguas de la ciudad y alguno de sus antecesores habían ocupado importantes cargos en su gobierno. Mas su padre Bernardo, pertenecía a una rama secundaria y sus ingresos como abogado le permitían a duras penas la manutención de su familia, la cual contaba con tres hijos. De joven Nicolás estudió latín, gramática, matemáticas y retórica, y en seguida demostró un gran interés por los escritores clásicos. Entre sus favoritos estaban Virgilio, el historiador griego Taucídides, Tácito y Tito Livio. Su gran referente fue la República Romana. Estos son los únicos datos conocidos de su juventud. Es muy probable que haya vivido las turbulencias que experimentó Florencia a finales del siglo XV. Para entonces la ciudad con el advenimiento del dominio de los Medicis había conseguido su máximo esplendor, estos, dueños absolutos de la ciudad que en apariencia era una república.

Cuando Maquiavelo tenía veinte años, llegó a esta urbe un fraile dominico, Girolamo Savonarola, que comenzó a enardecer a las masas con discursos que denunciaban la corrupción que encarnaba la familia Medicis. Sus palabras atrajeron a muchos partidarios y provocaron la caída de la poderosa familia, hecho que debió ser objeto de interés para el político en gestación. Sin embargo no se dejó impresionar por las palabras del dominico, probablemente viendo su auge y caída a manos del gobierno republicano que lo ejecutó para aplacar el disgusto del Papado dadas las constantes denuncias que este hacía en contra de la Curia Romana, se convenció de que la moral cristiana no debía aplicarse en la alta política de los príncipes.

Ejecución de Savonarola (Acto de fe) 23 de mayo de 1498

El 19 de junio de 1498, Maquiavelo es nombrado Jefe de la Segunda Cancillería de Florencia, organismo encargado de controlar la política exterior de la república, y las razones por las que fue escogido para este cargo continúan siendo desconocidas para los historiadores. No había ocupado ningún cargo relevante con anterioridad, y su perfil público era más bien bajo; aún así, se sospecha que llamó la atención de los dirigentes republicanos dada su oposición a las ideas manifestadas por Savonarola. Luego de su nombramiento, la diplomacia se convierte en el norte de su vida, encaró diversos sucesos trascendentes: La insurrección de Pisa para liberarse del dominio florentino, lo que lo hizo conocer a diversos gobernantes para obtener su apoyo. Estas misiones serían claves para la configuración de sus ideas políticas. Conoce a Catalina Sforza, condesa de Forli, quien le impresionó por su capacidad para ganarse el favor de la gente. También visitó Francia (tradicional aliada de Florencia) donde consiguió ayuda para sofocar la rebelión pisana. Allí descubrió como funcionaban los verdaderos resortes del poder en una gran corte europea, pero quedó decepcionado por la falta de visión del monarca francés, Luis XII, quien quería organizar una campaña para conquistar Italia.

El diplomático florentino en el ejercicio constante de su trabajo conoció a Cesar Borgia, general de los ejercitos papales, este quedó muy impresionado con el hijo del papa Alejandro VI y su arrolladora personalidad, le sorprendieron su manera de ejercer la diplomacia, a través de una combinación de amenazas militares sumadas a promesas de ayudas mas firmes. Tal fue la impronta que le deja, que Maquiavelo para comprender mejor al hombre con quien tenía que negociar hizo que le enviaran desde Florencia un ejemplar de “Vidas Paralelas” de Plutarco; ya que creía que leyendo biografías de los grandes líderes de la antigüedad podría comprender mejor las intenciones de este hombre. La figura del duque Valentino, como se le conocía a César Borgia fué una de las principales fuentes de inspiración para su obra “El Príncipe”

En el momento del expansionismo veneciano, Maquiavelo consiguió convencer al archiduque de Austria y emperador del Sacro Imperio Germánico, Maximiliano I, de que no atacase los territorios florentinos, y que orientara sus esfuerzos a contener las ambiciones venecianas. Esta gestión tuvo como resultado la Gran Liga Cambrai en 1508, una coalición internacional en contra de la ciudad de los canales. Sin duda, en este final de la primera década del siglo XVI el diplomático vició sus momentos más brillantes en política. A su éxito diplomático con Maximiliano I se sumó el triunfo militar de 1509 que se había organizado con sus ideas: el fin de la rebelión de Pisa.

Catalina Sforza, Condesa de Forli

La salida de Maquiavelo de la vida pública acontece en diciembre de 1512 tras una sucesión de hechos en los que se vieron envueltos personajes de gran poder, El papa Julio II, Luis XII de Francia, los Medicis en sus intrigas por regresar al poder florentino, Fernando El Católico. Todo esto por la voluntad del papa de expulsar a Francia de la península itálica, la derrota de los intereses papales y sus aliados fue suficiente para que su carrera terminara. Nada más abandonar su cargo , tuvo que responder a una acusación por conspiración contra los nuevos gobernantes (Familia Medici). Fue detenido y sometido a tortura, pero fue liberado al no conseguirse una confesión de su parte. Se retira a una pequeña propiedad que tenía en las afueras de Florencia y se dedica a escribir y teorizar sobre su experiencia política. En pocos meses redacta su célebre obra “El Príncipe” y la publica en 1513. El libro fue dedicado a Lorenzo II de Medici, con el que intentaba congraciarse para así regresar al servicio público. Otras de sus obras fueron: “Discursos de la primera década de Tito Livio” en 1517 y “Del arte de la guerra” en 1520. Además escribió una comedia teatral conocida como “La mandrágora” en 1518. Luego del apoyo de algunos amigos dentro del círculo de los Medici obtiene un nombramiento como historiador oficial de la Secretaría. Fue entonces cuando escribió “Historia de Florencia” obra que le permitió fortalecer su prestigio intelectual en la etapa final de su vida. En 1527 vuelve a quedar apartado de su cargo por la expulsión de los Medici de Florencia y se le acusó de ser partidario de esa familia, una ironía ya que fue torturado por ellos años atrás. Fallece el 22 de mayo de 1527.

Rafael, maestro del alto renacimiento italiano

2010-08-21T22:00:00.001-04:30

Después de las complejidades de Leonardo y de Miguel Ángel, supone un descanso observar la obra de Rafael (Rafaello Sanzio, 1483-1520), no menos genio que ellos, pero de costumbres cotidianas iguales a las de cualquier hombre. Nació en la pequeña ciudad de Urbino, centro artístico, y recibió sus primeras enseñanzas de su padre. Éste le envió posteriormente, a estudiar con Pietro Perugino (1478-1523) quien poseía considerables dotes al igual que Ghirlandaio o Verrochio. Pero mientras que Leonardo y Miguel Ángel superaron rápidamente a sus maestros y no mostraron ninguna huella de influencia en sus obras posteriores, Rafael demostró un talento precoz desde el principio y absorbía de manera innata las influencias. Viese lo que viese, lo absobía, siempre creciendo con lo que le habían enseñado. El primer trabajo de Rafael se parece mucho al de Perugino. De hecho, el “Tríptico Galitzin”, de Perugino, se creyó que era de Rafael hasta que fue demostrado que se entregó a la Iglesia de San Gimigniano en 1497, cuando Rafael apenas contaba 14 años de edad. Esta obra muestra un Perugino, calmadamente emocional y piadoso más que apasionado.

“Tríptico Galitzin”, 1485. Pietro Perugino

En los inicios de Rafael quedan reminiscencias del elegante Perugino, en una de sus primera obras, la diminuta “San Jorge y el dragón”, pintada entre los 21 y 23 años de edad; la princesita que reza es un figura típica de su maestro. No obstante, puede percibirse un fuego en el caballero y en su inteligente corcel, y un desagradable vigor en el convincente dragón que se encuentran más allá de la habilidad de Perugino, incluso la cola del caballo está cargada de electricidad.

“San Jorge y el dragón” 1504-1506. 28 x 22 cm.

Rafael pasó su primera estancia en la ciudad de Florencia entre 1504 y 1508, ahí coincidió con Leonardo y Miguel Ángel, de este encuentro, adoptó nuevas técnicas y métodos de trabajo, especialmente influido por Leonardo sus pinturas adquirieron una energía gráfica más vigorosa. Esto puede notarse en una obra como “La Virgen del prado”, con su suavidad de contornos y un equilibrio perfecto. Ambos rostros, el de la Virgen medio sonriente, medio rezando, totalmente absorta en la contemplación de su hijo, y el Niño, tranquilo por completo con su madre, se aproximan al observador con una mirada soñadora, con una dulzura abstracta, poseen la introspección característica de Leonardo, aunque más firme y menos compleja. Detrás de las figuras sentadas hay un paisaje rural con una iglesia situada en una colina.

“La Virgen del prado” (detalle) 1505, 60 x 45 cm

La temática de la Virgen y el Niño se repite en varias oportunidades, siempre con una composición elegante e íntima. Por otro lado, “La Virgen del alba” denota una especie de heroísmo a lo Miguel Ángel; tierna como es habitualmente representada por Rafael, pero también pesada; los volúmenes perfectamente compuestos; una emoción que crece progresivamente hasta encontrarse con su punto culminante: el rostro atento de María.

“La Virgen del alba” 1510. 95 cm de diámetro

El mundo se extiende a ambos lados, centrado en esta trinidad de figuras, el movimiento se desliza con elegancia hacia adelante, hasta alcanzar el pliegue del manto que cubre el codo de María; después retrocede con la inclinación de su cuerpo hacia la izquierda, y el significado se explica: El amor nunca es estacionario, se da y te lo devuelven. Rafael tuvo una vida corta, pero mientras vivió fué uno de esos genios que continuamente evolucionan y se desarrollan. Poseía una extraordinaria capacidad para responder a los movimientos del mundo del arte e incluirlos en su propia obra.

“Bindo Altoviti”, 1515, 60 x 44 cm

Rafael fué uno de los retratistas más perfectos. Penetra sin esfuerzo en las defensas externas de su modelo, pero cortésmente se confabula cola imagen que el ego hubiese deseado que retratasen. Esta dualidad, mirar bajo la superficie añade un significado adicional a todos sus retratos. Se ven, y se saben cosas que no se ven; ayuda a encontrar más que a evaluar.

“Bindo Altoviti” era apuesto, exitoso como banquero y era rico; se parecía a Rafael, tal vez existió en la obra algún sentimiento de camaradería, puesto que el noble semblante está representado con gran sensibilidad. La mitad del rostro permanece oculta en sombras, como si hubiese querido permitir al modelo su misterio, su madurez, su particular destino. Sin embargo, el escenario en el que lo sitúa el pintor no es su mundo. Altoviti aparece sobre un fondo verde luminoso, fuera del alcance del tiempo en su eterna juventud, sin miedo porque se haya protegido por el arte de las inseguridades humanas.

“La escuela de Atenas” 1510-1511 Capilla Sixtina

Con la modernidad, Rafael ha trascendido la moda de una época donde su trabajo parece no tener fallos, resultan demasiado perfectas para un tiempo en el que ha cambiado la visión de la belleza y sus medios de expresión resulten tal vez desaliñados en comparación. Sin embargo estos grandes iconos de la belleza humana no dejan de conmover: sus murales en el Vaticano permanecen tranquilos al lado del techo de la Capilla Sixtina. “La escuela de Atenas”, que inmortaliza a los grandes filósofos, no tiene par en su elegancia clásica. La inmensa influencia que Rafael ejerció en artistas posteriores resulta todavía más impresionante si tomamos en cuenta su corta vida.

El Greco, visión y pasión

2010-08-17T20:33:00.006-04:30

Antes de iniciar propiamente el apasionante transito por el especial arte de “El Greco” me referiré a la tendencia pictórica de la que es gran exponente, el “Manierismo”, caracterizado por su gran sofisticación, su elegancia exagerada a veces artificial, combinaciones exaltadas de colores intensos o duros, su compleja composición dotada de especial inventiva, y un brío técnico, línea libre y fluida, que ostentan sus ejecutores.

“El entierro del Conde de Orgaz” 1586-1588.

Domenicos Theotokopoulos, 1541-1614, llamado “El Greco”, es el mejor manierista sin duda, nacido en Creta, su carrera florece en España. Sus raíces artísticas son diversas: viajo a Venecia, Roma y se instala en Toledo. La doctrina cristiana española tuvo un impacto crucial en su enfoque pictórico, y su arte representa una mezcla de pasión y comedimiento influido por el misticismo de la contrarreforma católica, de la cual España país paladín.

“Adoración de los pastores” 1612-1614

Las figuras alargadas de El Greco, siempre en estiramiento; sus colores intensos y extraños, su apasionada participación en el tema, su ardor y su energía, se combinan para dar origen a un estilo totalmente distinto y personal. Es el gran artista de la fusión. Coloca el sello de su intensidad angular en todo aquello que crea. Además de los legados de Venecia, Florencia y Siena, él añade la tradición bizantina, no necesariamente en la forma pero si en el espíritu. Vale decir que en sus primeros años en Creta se preparó como pintor de iconos. El Greco siempre crea iconos, y es esta gravedad de espíritu interior lo que da a esa extraña distorsión una virtud sagrada.

“La Virgen con el Niño con Santa Martina y Santa Inés” 1597-1599

“La Virgen con el Niño con Santa Martina y Santa Inés”, eleva al espectador de su natural posición animal, en la parte inferior junto al león pensativo de Santa Martina y el cordero de Santa Inés, que hace equilibrios sobre su brazo con una pose poco natural. La palma del martirio de Martina actúa como una señal, igual que los dedos largos e imposibles de Inés.

Algo atrae irresistiblemente hacia arriba, pasado el revoloteo de las alas de los querubines y el remolino suntuoso de la túnica virginal, y mantiene la atención en el centro pictórico gracias a esas extrañas nubes que parecieran hechas de papel, típicas del pintor. Arriba, al pasar por encima de la curva del manto de María se llega al corazón de la obra, el Niño, y sobre él, la serenidad ovalada del rostro de la Virgen. Se presenta un continuo movimiento que no desaparece; el guía es El Greco, que dirige con figuras que rezan en los extremos para mantener al observador en la ubicación precisa.

“Laoconte” 1610.

Un arte tan dramático e insistente puede parecer demasiado entrometido, sin embargo, este control psíquico es esencial para El Greco. Incluso cuando su pintura no puede entenderse como es el caso del “Laoconte”, no cabe la menor duda de que algo portentoso sucede. La referencia literal al sacerdote troyano y a sus hijos es suficientemente clara. Pero ¿Quiénes son las mujeres desnudas una de las cuales parece tener dos cabezas? Incluso aunque la segunda cabeza indique que la obra se encuentra inacabada, resulta de todas formas apropiada. Laoconte fue sobrepintado luego de la muerte de El Greco; la “segunda cabeza” que mira dentro de la pintura se borró y los dos desnudos frontales fueron se cubrieron con un manto. Posteriormente se restauró y quedó como se observa ahora. Las serpientes resultan inútiles, delgadas y magras; surge la pregunta del porqué estos fornidos hombres tienen tantos problemas para vencerlas. Se percibe que más que una historia directa, es una alegoría: se contempla al diablo y la tentación en su ataque a los cuerpos desprotegidos de la humanidad. Incluso las rocas son poco convincentes desde el punto de vista material hechas de la misma insustancia que el cielo alto y plagado de nubes. Esta pintura plasma los eventos que aparecen en “La Eneida” de Virgilio. Laoconte intentó disuadir a los troyanos de su intención de dejar entrar al traicionero caballo de madera, némesis de la ciudad. Muere estrangulado por las serpientes.

Cuanto menos se comprende esta obra, mas ejerce su hechizo. Lo más importante en El Greco es el significado implícito que transmite con la manera más que la sustancia, con un brillo de luz sobrenatural que, a pesar de los misterios no resueltos, no es extraña. Ningún otro manierista llevó la manera hasta semejante altura o con tanta consistencia como El Greco.

Pinturas surrealistas de Paul David Bond

2010-08-15T16:07:00.005-04:30

El pintor Paul David Bond, mexicano, y residenciado en EEUU realiza sus pinturas a través de un reordenamiento de los objetos cotidianos y elementos extraídos de su imaginación o ideales para el momento de su creación. Se encuentra en la búsqueda de símbolos visuales que transmitan sus emociones. Expresa que generalmente, su pintura nace de algo al azar visto desde una ventana o de algún párrafo de una lectura. Si esto alimenta su curiosidad lo plasma en su trabajo. Ha obtenido premios en concursos de jóvenes artistas y realiza exposiciones individuales en galerías de EEUU.

Pensamiento místico libre

La felicidad a perpetuidad

La llegada

Soleado

La ilusión de los amores perturbados

Fuente: http://www.beautifullife.info

Caducidad

2010-08-14T21:30:00.002-04:30

Del árbol de mi vida

se desprende hoja tras hoja.

¡Oh, mundo de delirios,

cómo nos sacias,

cómo nos sacias y fatigas,

cómo nos embriagas!

Lo que hoy aun florece,

pronto se marchita,

pronto sonará el viento

sobre mi tumba parda,

sobre el niño pequeño

se inclina la madre.

Quiero ver sus ojos de nuevo,

su mirada es mi estrella,

todo lo demás puede dispersarse,

todo muere, todo muere gustoso.

Sólo permanece la Madre eterna

de quien procedemos,

sus dedos escriben juguetones

nuestro nombre en el aire efímero.

Hermann Hesse

Frank Lloyd Wright, arquitecto y pensador

2010-08-10T20:22:00.009-04:30

"Los edificios, como las personas, deben ser en primer lugar sinceros, deben ser auténticos, y además tan atractivos y bonitos como sea posible." Frank Lloyd Wright

Cuando tenía 20 años, Frank Lloyd Wright comenzó su carrera de arquitecto, que duraría hasta su muerte en 1959. En este tiempo, dejó para la posteridad una serie de obras cuya calidad evolucionaba constantemente; su inquieto carácter le hacía ver cada proyecto como un nuevo reto en el que se centraba por completo para conseguir edificios únicos e irrepetibles, incluso conseguía que los errores se resolvieran en nuevas formas de expresión. Su prodigioso talento y su capacidad de trabajo propiciaron constantes crisis que acabaron en un renovado entusiasmo, en un incansable sentido de ver lo que iba a realizar en su siguiente proyecto.

Múltiples dimensiones

En muchas ocasiones le preguntaron “¿cuál es su proyecto más importante?”; Wright siempre respondía lo mismo: “el siguiente”. Su habilidad para pensar en múltiples dimensiones fue el gran secreto de su triunfo profesional. Podía visionar una estructura arquitectónica con toda su complejidad y luego llevarla al papel con cada perspectiva y proporción. La arquitectura es un dibujo humano, que para Wright era invadido por un sentido orgánico, su manera más personal de expresar la arquitectura que florecía de la naturaleza. Sus diseños muestran una simplicidad sacada del corazón de la naturaleza.

Nacido en Wisconsin un 8 de junio de 1867, hijo de padres maestros, adquirió una educación muy influida por Froebel, educador alemán cuyas teorías conocía su madre y entre cuyos métodos incluía el uso de formas geométricas de colores como juegos de construcción.

Madison, Silbee y Sullivan

Su formación comenzó cuando en 1885 entró de aprendiz en el estudio de un constructor de Madison, donde vivía, que a la sazón era decano de ingeniería de la Universidad de Wisconsin. Estuvo allí durante dos años, recibiendo clases prácticas y teóricas, donde demostró sus aptitudes.

Dos años después se marchó a Chicago, donde trabajó con el arquitecto Silbee y más tarde con Sullivan. Del último absorbió la estética de su estilo, un lirismo orgánico que encontraba su expresión en la propia naturaleza. Su trabajo era excitante, desafiante y moderno. Este viaje, como hombre de visión y talento, se convirtió en el punto de partida del arquitecto. Allí descubrió a los arquitectos más inventivos e influyentes, y a una población urbana con la sofisticación necesaria para premiar el diseño de la arquitectura más audaz. Estos años en Chicago le dieron una educación arquitectónica extraordinaria que reconfiguraron su carácter como arquitecto.

Durante 30 años vivió en Oak Park, donde construyó su casa y estudio. Allí, en 1893, levantó su primera “casa de la pradera”, la Casa Winslow, que será el punto de partida para una serie de casas que realizó durante 30 años. Cada casa de Wright representa una historia en sí misma; sus clientes solían ser personas que apreciaban enormemente la innovación y de una modernidad que identificaban con el arquitecto.

Por delante de su tiempo

La formación de los protagonistas, el drama que se ve envuelto en cada creación y las conclusiones finales de cada proyecto muestran elementos de la humanidad y de la curiosidad artística. En su evolución, podemos ver que siempre iba por delante de su tiempo. Las “casas de la pradera” parece que nacen del paisaje para el cual han sido creadas. Realizadas con un ladrillo que no era el local, más fino de lo habitual, tenían una perfecta proporción y simetría que creaba un ajustado balance estético. En sus interiores rechaza las estancias independientes, y diseñaba habitaciones que se abren unas a otras aportando así gran luminosidad al conjunto. Detestaba realizar pequeñas cajas dentro de una gran caja y, por ello, poco a poco fue suprimiendo el sótano y el ático.

Los trabajos de Wright son reconocibles, están ligados por grandes similitudes. Se pasó la vida evitando los “estilos revival” que hacían una copia de los diseños de épocas pasadas. Lo que el arquitecto siempre planteaba era algo estrictamente americano, agradable, original y, sobre todo, modernizador, ajustándose a la vida de sus compatriotas.
Sus diseños reinventaron la arquitectura doméstica y cambiaron la manera de vivir de muchos americanos. Eran un enfrentamiento a la estética y a los gustos predecibles de los americanos. Trabajó para una clientela que vio en sus proyectos la llegada de la época moderna, personas innovadoras que reconocieron a un genio en Wright.

Nueva expresión

Tras 30 años de ausencia, Wright volvió a Chicago justo antes de la Segunda Guerra Mundial con una nueva expresión del diseño arquitectónico que era más moderna y utilitaria que en sus primeros trabajos.
Esta nueva época se denominó Usonian, acrónimo de United States of North America. Durante esos años de ausencia viajó a Europa y a su vuelta se instaló en Spring Green (Wisconsin), trabajando en el estado rural que llamó Taliesin, donde se construyó su casa, que se incendió hasta tres veces. En estos años su éxito profesional le llevó a construir edificios fuera de Chicago, tales como el Hotel Imperial, en Tokio (1915-22), o la Casa de la Cascada (1935).

Gracias a su longeva vida y la constante evolución de la tecnología moderna, Wright no sólo se reinventó a sí mismo, sino también su sentido de la estética del diseño americano. Él consideraba que la transparencia de la arquitectura revelaba las características más profundas de cualquier cultura, lo que construimos y cómo construimos revela cómo somos y lo que valoramos.

Fuente: hoyesarte.com

Miguel Ángel: Una fuerza dominante y contradictoria en Roma

2010-08-08T14:21:00.015-04:30

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) se resistía al pincel y afirmaba con vehemencia característica que su única herramienta era el cincel. Nacido en una buena familia de Florencia, miembro de la aristocracia, se resistía por temperamento a cualquier tipo de coacción. Sólo el poder del papa, tiránico por posición y naturaleza, le forzó a pintar la “Sixtina”, y con reticencias logró el mejor fresco del mundo. Sus contemporáneos hablan de su “terribilitá”, que significa ser algo más que terrible: ser imponente. Nunca ha existido un artista literalmente más imponente que Miguel Ángel: imponente en el alcance de su imaginación, en su conocimiento del significado de la belleza, el significado espiritual. La belleza es para él divina, una de de las formas de Dios para comunicarse con la humanidad.

“La Sagrada Familia” (Tondo Doni) 1530.

Igual que Leonardo, Miguel Ángel también tuvo un buen maestro florentino, el delicioso Domenico Guirlandaio. Más tarde afirmaría que nunca había tenido un maestro, y en sentido figurado, dicha afirmación se aproxima bastante a la verdad. Sin embargo, su manera de utilizar el cincel devela su deuda temprana con Ghirlandaio, y también es evidente en el sombreado de los dibujos de Miguel Ángel, una técnica que sin lugar a dudas aprendió de su maestro. Los elegantes logros de una obra como “El nacimiento de San Juan Bautista” no se parecen en lo más mínimo a la inmensa inteligencia que muestran las primeras obras de Miguel Ángel, como por ejemplo, “La sagrada familia”, también conocida como “Tondo Doni”. De alguna manera esta pintura resulta poco atractiva a causa de su belleza fría y remota, pero su severo poder perdura una vez que se han olvidado otras pinturas más accesibles.

De todos modos, es el techo de la Capilla Sixtina, lo que muestra al artista en toda su majestuosidad. Luego de la restauración han expuesto esta increíble obra con la fuerza original de sus colores. Las formas sublimes, que surgen con desesperada energía, con formidable vitalidad, siempre han sido consideradas únicas y majestuosas.

“La creación de Adán” Capilla Sixtina

La historia de la creación que se narra en el techo, es cualquier cosa menos sencilla, en parte porque Miguel Ángel era un hombre extremadamente complejo; en parte porque se trata de complejidades teológicas que pueden resultar inaccesibles al ojo y conocimiento no iniciado. Por otro lado porque utilizó para equilibrar los temas y sucesos con gigantescos “ignudi”, jóvenes desnudos de gracia sobrehumana. Ellos expresan una verdad con una fuerza superior y, sin embargo no puede verse claramente de que se trata. El significado del “ignudi” es personal, no puede expresarse con palabras y mucho menos teologizar, mas transmite una fuerza increíble.

“Ignudi” Desnudo en el techo de la Capilla Sixtina.

Existe la misma fuerza, aunque en una forma más compresible, en los grandes profetas y las sibilas que están sentados en solemnes nichos debajo de los atletas desnudos. Las sibilas eran oráculos de Grecia y Roma. Una de las más famosas era la sibila de Cumae, que en la “Eneida” guía a Eneas en su viaje hacia el infierno. Miguel Ángel era un gran intelectual y poeta, un hombre muy culto. Su visión de Dios era la de una deidad toda de “fuego y hielo”, terrible, augusta en su severa pureza. Los profetas y las sibilas han sido llamados por la vocación divina para respetar el semblante escondido de Dios y poseen una apropiada grandeza de espíritu.

“Sibila Cumae” Capilla Sixtina

“La sibila eritrea” se inclina hacia adelante concentrada en su libro. El artista no intenta mostrar a ninguna de las sibilas vestida según su época histórica, ni explicar las leyendas que cuentan sobre ellas los autores clásicos. Su interés radica en su valor simbólico para la humanidad, prueba de que siempre han existido personajes iluminados espiritualmente, apartados de la confusión del tiempo ciego.

“Sibila eritrea” Capilla Sixtina

El hecho de que el origen de las sibilas fuese un mito, aumenta el drama. El hombre se ha sentido agraviado por la vulnerabilidad de su condición en algún momento, y aunque solo sea en imagen, no en la realidad, reconforta ver que estas figuras humanas se asemejan a Dios. Algunas de las sibilas representadas como ancianas, inclinadas, alarmadas por sus profecías.

“La sibila délfica” Capilla Sixtina

El sentido implícito de la majestuosidad de Dios queda explícito en “El juicio final” hecho 22 años después que el techo, ya en la vejez del pintor. Es la última condena de Miguel Ángel a un mundo que consideraba irremediablemente corrupto, veredicto este de esencia herética, aunque en aquella época lo consideró profundamente ortodoxo. Su Cristo juez, es un Apolo vengativo, y la fuerza de esta terrible y potente pintura radica en la trágica desesperanza de su autor.

“El Juicio Final” Pared occidental de la Capilla Sixtina

Él se pinta en el juicio, no como personaje, sino como una piel desollada, un envoltorio vacío de superficie muerta, vacío de su persona a causa de la presión artística. El único consuelo, cuando incluso la Virgen se encoge ante este atronador coloso, es que la piel pertenece a San Bartolomé, y a través de la promesa de salvación de este mártir entendemos que quizás, aunque sea desollado vivo, el artista está milagrosamente salvado.

“San Bartolomé” detalle de la Capilla Sixtina (Autorretrato de Miguel Ángel)

Tan impasible como la “sibila eritrea” es el heroico Adán representado en el techo, que eleva lánguidamente su mano hacia el creador, indiferente a las futuras agonías de estar vivo.

Algunos aspectos interesantes de la obra en el techo de la Capilla Sixtina

Existen en el fresco más de 300 representaciones de personajes de los cuales el 95% son judíos y 5% paganos, hecho sorprendente al ser un encargo del sumo pontífice del catolicismo. Se dice que Miguel Ángel escondió en su obra magistral aspectos claves del Talmud y la Cábala del Judaísmo.

“El profeta Zacarías” con el rostro del papa Julio II. Capilla Sixtina.

Dado que realizó su obra en constante tensión con su patrón católico el papa Julio II lo represento sobre la puerta destinada para su entrada al recinto como el primero de los profetas judíos cuando el papa quería una imagen de Jesucristo. En vez de esto, aparece la imagen de Zacarías, el hombre que alertó a los sacerdotes corruptos y que animó a los judíos a reconstruir a Jerusalén y el templo sagrado. Lo vistió con los colores azul y oro símbolos familiares del pontífice.

Incluyó imágenes sobre las cuatro salvaciones del pueblo judío: La historia de David y Goliat, Judith, hebreos indefensos que vencen a sus enemigos. Y la de Esther y Amán y la serpiente de Moisés. Todas estas son leyendas en las que hombres y mujeres son protagonistas en igualdad de condiciones.

Seleccionó siete figuras (sibilas) y siete profetas, la elección de este número tiene correspondencia con los siete días de la creación, las siete luces de la “menorah” (candelabro de siete brazos del interior del templo de Jerusalén), las siete nubes de gloria que protegieron al pueblo de Israel, los siete pasos espirituales que acercan al hombre a Dios “Middot”. Igualmente hay referencias a interpretaciones del Árbol de la Vida, tal y como aparecen en el Talmud.

Miguel Ángel dedicó la franja central de la bóveda a los cinco libros del génesis, aceptados por todas las religiones cristianas y que en la tradición hebrea conforman La Torá que es el núcleo de la religión Judía.

“La fruta prohibida” Capilla Sixtina.

En el fresco dedicado a la fruta prohibida el árbol de la vida no es representado como un manzano sino como una higuera. En esta pintura, es Adán el que toma la fruta y la serpiente tal y como la describe el Midrash hebreo aparece con brazos y piernas.

Origen de la Capilla Sixtina:

La Capilla Sixtina se encuentra en la Ciudad Estado del Vaticano. Fue construida entre 1471 y 1484, en la época del papa Sixto IV, de donde procede el nombre por el que es conocida, aunque inicialmente se llamó Capilla Palatina. Su arquitecto fue Giovanni d'Dolci. En ella se llevan a cabo los cónclaves por medio de los cuales son elegidos mediante votación de los cardenales los Papas de la Iglesia Católica.